jueves, 27 de diciembre de 2007

Un aria de opera Kunqu, representada en el teatro Chang'An de Beijing.


El imponente reto de querer "entender" la Opera China se hace casi imposible de cumplir cuando tomamos conciencia de que la Opera China en realidad es decenas de diferentes tipos de operas, todas ellas con un evidente tronco común, la cultura estética china: comparten tanto coreografías y movimientos estilizados y codificados como la mayoría de las historias-fuente de las que hablé en una anterior entrada (Los tres reinos, Peregrinación al Oeste, Los bandidos del pantano, El sueño de la mansión roja, etc.), pero no así las formas del canto, vestuario, maquillaje o personajes base.

La Opera Kunqu es la más especial de todas ellas; es la única a la que la UNESCO le ha otorgado el título de "Herencia cultural viva de la humanidad". Esto la hace más importante aún que la Opera de Pekín (Opera de Beijing) y se debe simplemente a que es más antigua (alrededor de 500 años de antigüedad) y que en la evolución del teatro chino fue y ha sido el más alto punto estético de su cultura artística y que además sigue viva. Su poesía y su canto son de una verdadera fineza, palpable aún para el que conoce poco de teatro chino (como es mi caso, por supuesto).

La Opera de Pekín en cambio es un arte de un poco más de 100 años y según historiadores modernos, un arte teatral que ha recibido no sólo influencia de las operas chinas anteriores sino del contacto chino con el exterior, en especial el Realismo, y aunque ha rechazado mucho de esa influencia es una reacción "moderna" a todo ello.

Kunqu es consideradade una pureza total dentro del teatro y la cultura china.

La función de la noche del 19 de diciembre en el teatro Chang'An fue un evento especial de fin de año en el que regularemente las más grandes estrellas de la Opera Kunqu del norte se dedican a representar escenas donde pueden exponer sus mejores atributos escénicos.

Ante la pregunta que le hice a mi acompañante chino, un conocedor espectador asiduo de estos eventos, sobre si yo podría notar la diferencia entre éste estilo de opera y la Opera Kunqu del Sur que había ya escuchado meses anteriores, la respuesta fue "No, no podrás. Las diferencias son mínimas, sólo cambian algunas palabras usadas en el norte pero en general el estilo es el mismo." Entonces me dediqué a disfrutar.

El evento duró alredeor de 4 horas y tuve suerte, pues las piezas pueden durar hasta 4 días ininterrumpidamente.

El aria que grabé es un claro ejemplo del tipo de canto en la Opera Kunqu. (1)






(1) El nombre del cantante y de la opera me son desconocidos. Prometo hacer lo posible por no cometer estas omisiones para las proximas entradas.

viernes, 21 de diciembre de 2007

Colección de marionetas orientales en el Centro Cultural Chaoyang.

Serie de diapositivas de la colección de marionetas orientales en el Centro Cultural Chaoyang



Caminando a través del Centro Cultural Chaoyang, un edificio laberíntico y oscuro que perteneció al partido comunista chino, buscando uno de los 8 teatros que contiene, llegué a una serie de cuartos que resguardaban algo que podríamos llamar "colecciones": cuadros comunistas en las paredes (Marx, Engels, Mao y demás), decenas de estantes con documentos y libros viejos (y yo diría poco consultados), un grupo de electrodomésticos de los años 50 y 60 en exhibición, y lo que me interesa comentar aquí, una más o menos grande colección de marionetas orientales.

La exposición de las marionetas estaba muy mal hecha, en general una sobre otra y todo el grupo en sólo dos cajas de cristal que apenas las podían contener. Sin embargo puedo decir que varios de esos muñecos eran verdaderas obras de fina artesanía y que aprecié bastante el verlos.

Ustedes verán el video que, aunque muy corto, muestra bien la exposición.


Video: Colección de marionetas orientales en el Centro Cultural Chaoyang. (Beijing. Nov, 2007)


lunes, 17 de diciembre de 2007

Los ojos de Mei Lanfang, un importante documento.




Siendo consciente de la necesidad de mantener viva la técnica de actuación que él mismo portaba en su trabajo escénico, Mei Lanfang, el más grande actor de Opera China en toda la historia, dejó un grupo de fotografías con sus 48 diferentes expresiones de ojos.

Un documento invaluable para las generaciones futuras, no sólo para los actores de la Opera de Beijing, sino para cualquier actor consciente sea cual sea su tradición teatral.

Yo vi por primera vez éstas fotografías dentro de la Casa Museo de Mei Lanfang, eso fue en en septiembre de 2005; seguro de su importancia como documento de enseñanza de la técnica del actor esperé impaciente el poder poseer una copia de aquellas 48 imágenes. Fue hasta principios de éste año, 2007, que pude adquirir la nueva edición que se hacía de un libro de documentos y fotografías sobre la vida profesional de Mei Lanfang.

He editado un "Slideshow" con los 48 tipos de miradas.





martes, 4 de diciembre de 2007

Picasso pintando... Una manera de entender el encadenamiento de acciones físicas y la creación de una historia sin palabras.



Hace más de 15 años el Teatro Potlach de Italia fue a la ciudad de México para dar una serie de conferencias y cursos sobre su trabajo técnico.

En aquél tiempo yo trabajaba para Escenología y formaba parte de la compañía de teatro que su director, Edgar Ceballos, estaba formando y que no llegó a presentar su primer montaje (1).

Imbuido totalmente en el trabajo sobre las acciones físicas, tanto desde el punto de vista de Grotowski como de aquél de la Antropología teatral estudiada en el I.S.T.A. (International School of Theatre Antrophology) (2), esta serie de cursos y clases maestras eran de una gran importancia para nuestra formación.

El Teatro Potlach, Pino di Buduo (su director) y sus actrices, nos presentaban un claro ejemplo de lo que podría ser nuestro trabajo futuro en la compañía, y ante todo un punto de referencia para comprender la técnica que estábamos asimilando.

La creación de acciones físicas, la línea de edición de acciones, el tejido dramático del actor o del creador, es una de las más difíciles fases de comprensión; en general la práctica y el trabajo sobre el detalle son la solución para ello; sin embargo, el simple hecho de hallarse ante un público en una conferencia-clase creaba una necesidad, a los miembros del Potlach: hacer “comprensible” con ejemplos claros y en poco tiempo lo que se estaba tratando, el encadenamiento de las acciones físicas y la creacición de una historia corporal uniéndo aparentes acciones sueltas.

En algún momento (y no logro recordar quién era la actriz que daba la clase maestra), nos pidieron mayor atención pues todo lo que había explicado sobre acciones físicas y su enrramadao para la creación de una historia sería ejemplificado, no con el teatro sino con una peculiar escena de un documental de pintura, “Le Mystère Picasso”.


La escena mostraba a Picasso pintando en vivo ante la cámara y creando una pintura en un mínimo de tiempo (5 minutos). Entonces se desarrollaba ante nuestros ojos un encadenamiento de acciones (pictóricas) donde el artista creaba primero tres girasoles, después un pescado, después un gallo y finalmente con el color un figura aparentemente sin contacto con las otras anteriores. Esa imagen final en realidad era el resultado de las que le precedían, las usaba, formaban parte de ella, e indudablemnte estaban incluídas dentro del proceso creativo.

En 5 minutos comprendimos visualmente, un proceso creativo de encadenamiento de acciones para lograr un sentido, gracias a las imágenes de un genio creando. El concepto quedó claro en mí y lo he seguido usando en cada uno de mis montajes y creaciones; así mismo, las imágenes de aquél Picasso pintando quedaron grabadas en mi memoria.

Es entonces que a más de 15 años de haber visto estas imágenes, me encuentro en China con aquél documental, sin plena conciencia de que contenía esa escena que había sido un punto clave en el reconocimiento de mi actual técnica creativa. No puedo resistirme a compartirlo y a que ustedes lo usen como mejor les convenga.

Por supuesto es sólo la escena de la que he hablado; si tienen algún deseo de adquirir el documental, amazon.com o cualquier sitio de venta de DVDs será lo indicado (3).




(1) Escenología, la compañía que no llegó a concretarse y las experiencias vividas en esa época, evidentemente son motivo (y lo serán) de varias entradas o comentarios.
(2) Para saber del I.S.T.A. visitar: http://www.odinteatret.dk/ista/ista.htm
(3) Para saber un poco más sobre el documental visitar: http://topdocumentaryfilms.com/the-mystery-of-picasso/



sábado, 24 de noviembre de 2007

Synchroswing, decepcionante final del festival de teatro australiano en China.




El pasado festival de Teatro Australiano en China terminó con una función de la compañía Strange Fruit y su espectáculo Synchroswing.(1)

Strange Fruit es una compañía que se dedica a realizar espectáculos mecanico-acrobáticos en base a una estructura física concreta: Varillas flexibles de 4 metros de altura en donde los artistas realizan cierto tipo de movimientos entre dancísticos y acrobáticos.

Al parecer la compañía ha estado en festivales y presentaciones en varias partes del mundo (incluyendo México) y ha obtenido, según sus propias palabras, mucho éxito.

Tiene en repertorio unos siete espectáculos, todos basados en la misma estructura mecanico-acrobática y enfocados en el aspecto visual y, digamos, un tanto festivo de su trabajo. Los objetos en movimiento a 4 metros de altura y siendo entre 4 y 10 de ellos en plazas repletas de gente, se convierten a los ojos de los espectadores en imágenes memorables, usando el término literalmente, que se quedan en la memoria.

Strange Fruit trabaja con ciertos ingredientes fórmula: las estructura flexibles de las que hablamos, la música (como era de esperarse), el vestuario llamativo y espectacular, la cantidad de artistas en escena realizando la misma coreografía (no hay tampoco mucha variación en lo que se puede hacer sobre las varillas), y las plazas o lugares públicos. Su teatralidad se inclina más hacia el evento circense que hacia el evento teatral mismo; sus historias son simples acciones-tema y... no mucho más que contar.

Synchroswing, el espectáculo que trajeron a Beijing, fue creado originalmente como un encargo para la inauguración de la competencia FINA de natación realizada en Australia años atrás. En aquella ocasión, al parecer regularmente lo hacen, utilizaron entre 6 y 10 varas con sus respectivos artistas, ahora en Beijing sólo tres.

No sé cuales fueron las condiciones en las que vinieron a China pero lo que vi fue sumamente pobre y deslucido. Un espectáculo sin sentido en el parque de diversiones Chaoyang (recordemos que era un encargo para un evento de natación), y en un festival que se supone exponía el teatro australiano o al menos lo mostraba. La producción usaba su fórmula con la música y el tema-acción: la imitación burlesca de un acto de nado sincronizado.

Ver dos mujeres y un hombre vestidos ridículamente para un evento de nado sincronizado, jugando, burlándose, haciendo “como” que eran ridículos, los convertía en participantes de un acto infatiloide y hasta estúpido. La funcionalidad del mecanismo con el que hacían sus acrobacias salvaba el juego, la fórmula al fin y al cabo producía cierto efecto. Después de 15 minutos, 20 tal vez, de balancearse e imitar el nado, se bajaban, daban las gracias y se iban. Uno no había visto más que eso.

Como muestra final de un festival de teatro dedicado a un país fue un cierre vergonzoso, y creo hasta una gran falta de repeto al público chino. Insisto, y soy claro, que no conozco las condiciones en las que llegaron al festival, sólo experimenté el acto “teatral” mismo. Lo que pude constatar (y ustedes pueden hacerlo) mirando el video que tomé y haciendo la comparación con cualquier otro video de sus espectáculos presentados por el mundo (2), es que a Beijing trajeron migajas, basura de sus otros trabajos; trajeron una nada, y nosotros debíamos reaccionar a ello.

Después de verlo estaba yo un tanto conmocionado; no salía de mí la preocupación de la equivocada idea que podríamos hacernos del teatro australiano con aquello que se había mostrado en este festival: los australianos hacen un teatro sin texto, que se dedica principalmente a entretener a los niños; es una fiesta escénica sin real profundidad intelectual y plena de frivolidad, donde se burlan y aparentan imitar a malos payasos; sus puestas, algunas interesantes, en general están trabajadas muy poco y sin gran habilidad técnica; y en el caso de la danza y la música que se incluyen son artistas aislados en una exploración tecnológica del evento artistico.
Pareciera que a todos ellos los sacaron de su real contexto de trabajo y todos los que estuvieron se presentaron en el lugar equivocado.

Ésta evidentemente absurda y no real idea del teatro australiano cambia de inmediato al hacer una exploración en Internet y revisar lo que se está haciendo en Australia, incluso con estos mismos grupos dentro del festival; entonces podemos decir que el problema, que yo creo que sí hay uno, estuvo en los organizadores, en quienes estuvo la tarea de traer los eventos al festival y darle un nombre, y por lo tanto en lo que escogieron para presentarse, en la barata mezcla que resultó.

Los espectadores chinos se parecen mucho a los espectadores mexicanos, pertenecen a pueblos aislados de los grandes elementos de la cultura y al arte occidental, carecen de un gran sentido crítico en referencia a lo venido de ‘afuera”, así que se divierten y aceptan lo que llega con una idea de juego, de liviandad y de asombro.




Synchroswing, playlist de la presentación del 3 de Novimebre de 2007.




Sobre el festival de teatro australiano en China: http://www.festivalatc.com

Sobre Strange Fruit: http://www.strangefruit.net.au

Ver los mismos videos en Vimeo:



(1) 3 de enero de 2007. Chaoyang Gongyuan (parque de diversiones de Chaoyang). Beijing, China.
(2) Una búsqueda en Yoube con el título de la compañía “Strange Fruit” da suficientes resultados a ver.

domingo, 18 de noviembre de 2007

Música y danza en las calles de Londres...


Londres es una ciudad festiva, una ciudad cultural; hay espacios reservados a la cultura "popular", a los improvisados y a los "sin espacio". Su existencia me despertaba un gusto estético, pero también un momento grato: a veces sonrisas, a veces un enorme gusto, a veces sorpresa.

Son varios videos. Míralos cuando quieras, creo que lo mejor es que los mires por separado, de vez en cuando, no todos de un hilo, sería la mejor manera de comprender un poco cómo llegaban de la nada a mi vida (mientras corría en mi camino a la escuela o simplemente paseando) y entonces sentir cómo se disfrutaban.

- Un grupo de rock en el mercado de Portobello, uno de los lugares con mayor vida en Londres.

- Un baterista que tocaba con cubetas de pintura, cerca de la riviera del Támesis.

- Un bailarín de Tap, exactamente en el mismo lugar que el baterista pero otro día por la noche.

- Un músico africano en el "tube", el metro de Londres.

- Una banda de guerra del Museo "Britain at War"


(Es un "playlist" de Youtube, decide dentro de la ventana cuál de los cinco videos quieres ver.)



lunes, 12 de noviembre de 2007

Henrik Ibsen en la portada de la revista L’Illustration en 1898.



Henrik Ibsen era un autor famoso, menos famoso que Victor Hugo (que movía masas) pero más famoso, para su tiempo (siglo XIX), que varios autores teatrales que reverenciamos hoy en día. Su aparición en varios círculos sociales y editoriales europeos, y su posición en vida como poeta nacional de Noruega era indiscutible. Ibsen era pretexto para artículos, reseñas, críticas, libros enteros (Bernard Shaw le dedicó uno a su obra realista, por ejemplo), así como para simples “portadas” al estilo del “Times” o “Newsweek” de hoy en día.

Con motivo de la celebración “mundial” de sus 70 años de vida, el reconocido y famoso semanario francés “L’Illustration” dedicó su número del Sábado 19 de marzo de 1898 al autor noruego, con una gran foto de Ibsen en la portada y dos artículos en el interior (1).


El número de esta revista es una curiosidad que encontré en el mercado de La Lagunilla hace 20 años ya, cuando me encontraba en el climax de la absorción de la técnica de González Caballero (2). Yo tenía alrdedor de 17 años, no podía leer aún en francés, pero me fascinaba la simple idea de poseer una revista con la foto de Ibsen en la portada, más aún sabiendo que era de la misma época en que él vivió: ¡La revista salía a la venta el 19 de marzo y el cumpleaños de Ibsen era el 20 de marzo!

Los artículos del interior son un tanto faktos de interés, como si no hubiera ya más qué decir de Ibsen. El autor del artículo (que por más que busco no puedo enterarme quién fue, sólo firma “P.Q.”) hace una lista de las obras de Ibsen hasta ese momento; la última pieza que nombra es Juan Gabriel Borkman fechada en 1898. Hay un dato que es interesante: Ibsen es nombrado como un autor de la mayor vanguardia europea, y París que es la ciudad de la vanguardia en ese momento, recibe las obras de Ibsen de manos de Antoine y su Théâtre Libre; sus piezas se montaban con poco presupuesto y mucha creatividad, según palabras del articulista.

Las festividades por los 70 años de vida de Ibsen se realizarían, según el artículo en Noruega y en Suecia, a través de homenajes, banquetes oficiales, fiestas populares y por supuesto representaciones. Ibsen era todo un orgullo tanto para el mundo escandinavo como para Europa misma.




El grabado de la portada (una foto-ilustración) que ustedes verán, muestra a un Ibsen con una gran personalidad: un enorme anciano con un aire de mucha sabiduría; cara dura, firme, pero cuerpo bonachón. González Caballero acostumbraba hacer paralelos entre la vida y la personalidad de los cuatro autores propositores en su técnica de actuación (3), así, en el caso de Ibsen, siempre exponía su gusto por lo social, su apariencia, y ésta foto es un ejemplo claro de esos comentarios de González Caballero. (4)


Habría que hacer un ejercicio de comparación entre las fotos y retratos de los cuatro autores (o cualquier autor, claro), su personalidad y su obra misma. Yo lo he hecho y es de verdad un juego sorprendente e incluso clarificador.

Aquí una foto que circula por internet y que tiene al mismo Ibsen del retrato utilizado en la portada de L'Illustration a la que me he referido en esta entrada del Blog. La foto lo muestra en otra posición pero en el mismo "estudio":



(1) Una página de antiguedades en internet hace la descripción, en francés, de éste número de la revsita:
“ L'ILLUSTRATION. N°2873 Henrik Ibsen, gravure par Thiriat. Journal Universel. 19 mars 1898. (…) Intérieur frais. 16 pages environ illustrées de nombreuses gravures noir et blanc, premier plat de couverture illustré d'une gravure. La corporation des bouchers de Limoges par De Noussanne avec gravures dans le texte (rue de la Boucherie, syndic tenant la bannière, intérieur de triperie, église des Bouchers, croix de Saint AUrélien). Un devancier de Gutenberg par M. Normand avec gravure dans le texte (fac-similé de la dernière page du Doctrinal de Gerson imprimé par Jean Brito. L'hôtel des ventes, suite par Montheuil avec gravures dans le texte et gravure pleine page d'une vente de lingerie fine. Gravure pleine page en couleurs d'Une jeune fille d'orient par P. barthot. De Courbevoie à Banghi avec la mission Marchand,suite avec gravures dans le texte dont l'adjudant Laurent dans la pirogue, photo de l'exécution de Mounounaméka...). Publicité pour l'Art Nouveau avec 4 photos de mobilier et une lampe (buffet de salle à manger, glace avec encadrement, table toilette avec carreaux artistiques..). ”
(2) Ibsen forma con Pirandello, Chejov y Strindberg, lo que González Caballero denomina "los cuatro autores propositores de las corrientes actuacionales en el teatro moderno"; así, el estudio de la obra, la personalidad y las propuestas de cada uno de ellos envolvía nuestras vidas como estudiantes de actuación.
(3) Escribo un Blog regularmente dedicado a la técnica de actuación de González Caballero: agcmetdo.blogspot.com
(4) En comparación con Chejov quien siempre se mantuvo alejado de la vida social, la vida de Ibsen era un continuo movimiento. Mientras Chejov deseaba estar en su casa en Crimea apartado de todos, Ibsen pasaba una gran parte del día en un café, todos los días, a la vista de todos, leyendo los periódicos.

lunes, 5 de noviembre de 2007

Opera de Pekín: Baidicheng 白帝城 el 2/11/2007


Opera de Pekín = Opera de Beijing (he decidio usar la denominación en español)

Baidicheng (白帝城) es una de las muchas operas de Pekín escritas en base al texto atribuido al escritor Luo Guanzhong (罗贯中) (1), novela épica conocida como ( 三国演义 ) Sanguo Yanyi, “La novela de los tres reinos” (2). Escrita hace más de 600 años, la novela cuenta una épica (en verso) de la China del siglo II y III de nuestra era cuando el país estaba dividio en tres reinos.

Baidicheng 白帝城, literalmente la ciudad del emperador blanco (3), pone en escena un momento de esta novela, en donde Liubei 刘备, uno de los tres emperadores del dividio país, es derrotado en una cruenta batalla resultando gravemente enfermo; la opera culmina con Liubei pidiendo ( cantando claro) que su asistente principal vaya en búsqueda de su hijo y se haga cargo de él antes de que Liubei, muera.

Esta fue la primera vez que yo pude ver con conciencia una opera basada en ( 三国演义) Sanguo Yanyi, “La novela de los tres reinos”.

La Opera de Pekín tiene cuatro fuentes literarias fundamentales:

1- 三国演义
Sanguo Yanyi “El romance de los tres reinos”

2- 水浒传
Shui Hu Zhuan “A la orilla del agua”4

3- 西遊記
Xiyouji “Peregrinación al oeste” (5)

4- 封神演义
Fengshen Yanyi “La creación de los dioses” (6)


Cada una de estas novelas forman ya parte de la mitología popular china; aún sin haber leído los textos originales todos los chinos conocen a los personajes y sus aventuras. Así el espectador de la opera de Beijing no tiene que conocer ningún antecedente del personaje, simplemente escuchar unos cuantos versos que delimitan el momento en que la aventura empieza y lo demás es disfrute de la tradición y la teatralidad.

Como en la mayoría de las operas chinas en Baidicheng 白帝城 la historia en sí es sólo un pretexto para expresar la poesía, el canto y la belleza dentro del código teatral tradicional chino: hay en la obra una gran cantidad de canto y un momento (alrededor de 15 minutos) sumamente climático de acción acrobática y marcial (una batalla completa). El vestuario y el maquillaje tiene un altísimo grado de calidad y belleza, y son verdaderamente impresionantes por su vistosidad y diseño.

La función tuvo lugar en el teatro Chang'an de Beijing, del que ya he hablado anteriormente. Al parecer había un especial interés por las figuras que se presentaban sobre la escena. Hasta ahora, y en mi profunda ignorancia sólo pude reconocer el nombre y la figura del actor que trabajó el personaje de Liu Bei 刘备, Zhang Jianguo 张建国.

Esta vez fuí acompañado por un grupo de mexicanos en contacto con la cultura china, entre ellos la estudiosa del colegio de México, Flora Botton, y el cónsul de México en China, Tadeo Berjón, quienes podían entender un poco más aquello que estaba sucediendo en escena y lo que se decía. Aún así, su acercamiento era siempre limitado, primero por no estar totalmente imbuídos por el conocimiento de la Opera de Pekín en sí, y segundo, por no estar familirizados con el lenguaje utilizado en la obra.

La mayoría de las Operas de Pekín fueron escritas hace muchos años y los textos son en un buena parte incomprensibles aún para los chinos actuales; saber la historia a partir de la mitología popular no significa entender y comprender el texto mismo. Sin embaro por primera vez con la yuda de mis acompañantes, pude comprender un poco más de lo que sucedía en escena. (7)

El camino de aprendizaje de este tipo de manifestación escénica es un mundo aparte, alejado de los ojos y oídos ignorantes de nosotros, los no iniciados. Roger Darrobers, un estudioso de la Opera de Pekín dice:

Cette société, autant que toutes les autres fermées aux étrangers, est sans doute ce que la Chine possède de plus semblable à ce que nous appelons le: “monde”; on n’y entre que par goût personnel, pour le plaisir de se divertir avec des gens d’esprit; enconre faut-il y être admis par les initiés.(8)
  


Dos momentos excepcionales que pude grabar:

Aria de Liubei


Escena de batalla



Los mismos videos en Youtbe:

Aria:
http://www.youtube.com/watch?v=_Kq8d8oeqf4

Batalla:
http://www.youtube.com/watch?v=nrNI2kreNt4



(1) Luo Guanzhong 罗贯中 (1330 - 1400) fue novelista y dramaturgo que jugó un importante papel en el desarrollo de las obras de ficción chinas.
(2)En inglés se le conoce como ‘Romance of the Three Kingdoms’
(3)Mi chino es bastante básico, pero así he escuchado lo traducen comúnmente al español.
4)Novela escrita por Shi Nai’an 施耐庵 (1296 ~ 1371). En inglés se le conoce como: “Water margin” o “Oulaws of the Marsh”, de la misma manera en español puede traducirse como “Los bandidos del pantano”.
(5)Novela escrita por Wu Cheng’en (1500–1582 ). En inglés se le conoce como: “Journey to the West”.
6) Novela escrita por Xu Zhonglin 许仲琳 (1567-1620 ). En inglés se le conoce como: “Creation of the Gods”.
(7) Mi acercamiento a la opera de Pekín es con la consciencia de la imposibilidad que da el no tener un conocimiento del chino propio para comprenderla, aún así, mi interés primordial ha estado siempre en la estructura del movimiento y en el proceso de asimilación de la técnica de representación.
(8) Esta sociedad, como cualquier otra cerrada a los extranjeros, es sin duda eso que China posee a lo que nosotros llamamos “un mundo”; uno entra ahí sólo por el gusto personal, por el placer de divertirse con gente interesante; pero aún falta ser admitido por los iniciados.” (Roger Darrobers. “Opéra de Pékin”. Éditions Bleu de Chine, Paris, 1998.

miércoles, 31 de octubre de 2007

Men of Steel en Beijing: "The Beginning, The Cinema, The Forest"



Men of Steel es un grupo de teatro australiano que se ha hecho conocido por su (al parecer) único montaje, “The Beginning, The Cinema, The Forest” (2004). El grupo se ha presentado con éxito en Australia por supuesto, el Reino Unido y Hong Kong. Ahora en Beijing están programados dentro del festival de teatro australiano en China.

Tuvieron su primera presentación el pasado sábado 28 de octubre en el “Beijing Oriental Pioneer Theatre” y fue un éxito total. Los espectadores reímos como niños y disfrutamos durante un poco más de una hora del trabajo de tres juglares, titiriteros, magos, actores (como les quieran llamar) que utilizan, juegan y crean con comida y utensilios de cocina. Un acto plenamente creativo que rememora los juegos de la infancia donde animamos todo lo que llega a nuestras manos, un acto que en su transcurrir notamos que posee también “un claro sentido teatral”.


“The Beginning, The Cinema, The Forest” es simpleza en su primer acercamiento, sin embargo en él radica un profundo trabajo de creación corporal, pantomima, teatro de títeres y estructura dramática que se reconoce prácticamente desde el principio.




Después de disfrutarlo y sentirme aliviado (la risa alivia todo y te deja una sensación placentera de vacío), tuve un tiempo para meditar sobre la comedia, la risa y la dificultad de ubicar éste tipo de trabajos dentro de la historia del teatro.

La falta de permanenecia del evento teatral aquí es total; Men of Steel no usa un lenguaje verbal conocido, sus palabras son sonidos llenos de sentido pero no transmisores de ideas; sus movimientos forman parte de un todo estructurado pero seguramente no transmisible en una codificación; queda sólo la memoria del espectador, una vez más, queda sólo lo que queda en mi memoria.

El video graba algunos momentos, algunos instantes y de hecho son momentos de gran diversión y de belleza visual (el fondo oscuro crea un contraste con sus ojos y caras, y a su vez los objetos en movimiento resaltan como en una estética onírica). Tienen para ustedes algo así como 10 minutos del espectáculo, espero lo disfruten tanto como yo lo hice.

En algún momento pensé que podía tratarse de un juego teatral dadaísta, llamarlo yo así quiero decir, y mantengo con cierto cuidado esa idea, pues se usa el lenguaje creativo infantil y se juega con él (ellos lo disfrutan enormemente) pero al final se cuentan tres historias y visualmente se estructuran bien.

El festival de teatro australiano en China durará hasta el 5 o 6 de noviembre, y habrá más teatro con objetos, danza y teatro de calle.

Este como muchos otros espectáculos de extranjeros que vienen a China es de primer orden, pero algo me falta. Sigo extrañando en Beijing la ausencia de un verdadero teatro de ideas, de profundidad analítica. La llegada de compañias de teatro de todo el mundo está siendo cada vez más asidua, sin embargo se trata solamente del teatro espectáculo, del teatro clásico inglés, de los grandes maestros de la danza, pero nada de los grandes dramaturgos actuales, nada de quienes nos cambian la vida con sus palabras e ideas, aún de ese teatro espectáculo que es también rebelde, politico, aguerrido; parece (solamente es un parecer) que eso no va aún con la actual política cultural de la nueva China.




En el programa de la función se lee:

Men of Steel

Hamish Fletcher
Tamara Rewse
Sam Routledge

Operator: Jared lewis




Men of Steel fuses cooking, physical theatre and intricate object puppetry in a humorous examination of the consumptive society in which we live. They had their first adventure with coockie cutters. kitchen objects and a broccoli forest in 2004. Men of Steel has since become one of Australia’s most exciting new puppet theatre companies touring internationally to Scotland, Ireland, the UK and Hong Kong.


jueves, 25 de octubre de 2007

Neil Latchman y Alessandro Belotto en un íntimo concierto en Ealing, Londres.



Conozco a Alessandro Belotto desde mi estadía en Beirut. Desde mediados de los años 90 Alessandro ha acostumbrado visitar casi cada año Líbano, dando conciertos de órgano para la comunidad maronita de ese país. Este pianista italiano actualmente residente en Londres, fue uno de los culpables de que mi viaje no haya sido un desastre total, su amistad y su concierto formaron parte de mis mejores momentos durante mi estadía en aquella ciudad .

Alessandro me invitó a lo que él llamo "a very short concert" ("un muy pequeño concierto") en el que él tocaría el piano y el tenor Neil Latchman cantaría, serían sólo unas 5 piezas (y así fue en realidad). El concierto se realizaría en la sala principal de la iglesia de Santa María de Ealing (St. Mary's Church).

Ealing se encuntra al oeste, casi en las afueras de Londres; es un lugar apacible, de hermosas calles y de gente amable; una vez que uno arriva a la estación se respira un aire de provincia; caminar por sus calles en camino a la iglesia es un verdadero paseo.



La iglesia es casi un monumento histórico pues está asentada en un lugar en el que han sido construidos edificios religiosos desde hace más de 1000 años; la iglesia actual fue reconstruida en el siglo XIX, pero mantiene la estructura básica de una del siglo XVII. La torre del campanario es imponenete en el pequeño poblado y desde lo alto puede tenerse una vista preciosa de Londres.

El concierto formaba parte de las actividades culturales y en especial musicales que la iglesia realiza cotidianamente, y ese mismo día había incluso más actividades programadas, musicales también. No hay mayor interés que el llevar música clásica a los feligreses; no hay mayor publicidad que la del pizarrón de actividades de la parroquia y los avisos del sacerdote durante las misas. Ni Latchman ni Belotto recibieron pago por el concierto.

Ustedes notarán en los videos que hay gente caminado alrededor, ruidos de niños llorando o jugando; no es más que un simple sábado por la tarde en una iglesia, donde quien pasa por ahí y escucha música, se siente interesado y se sienta a escuchar. Es verdaderamente notable escuchar cómo Latchman, que posee ya un nombre a nivel mundial, y Benotto que tiene el suyo propio lidian "musicalmente" con estos "ruidos".

En lo particular fue una tarde inolvidable durante mi viaje a Londres, pero la voz de Latchman y el piano de Belotto bien valen la pena ser compartidos por su propia calidad artística.

El programa fue el siguiente:

St. Mary's Church, Ealing, London.
Open Day, Saturday 29th, September 2007.
14:00 hrs


Neil Latchman - Tenor

Alessandro Belotto - Piano


- Son Tutta duolo (Aria)
Alessandro Scarlatti (1660-1725)

- Non t'amo piu
Francesco Paolo Tosti (1846-1916)

- 'A Vucchela
Francesco Paolo Tosti (1846-1916)

- I'll Walk Beside You
Alan Murray (1890-1922)

- Somebody Bigger than You and I
Johnny lange (1905-2006)





Nota:
-Habrán notado que cambié de sitio donde subo los videos. Youtube está actuamente bloqueado en China. Vimeo es una buena opción por ahora.

miércoles, 17 de octubre de 2007

Los recuerdos de aquella absurda detención...

Para los curiosos, aquí está el documento (escaneado por mí) que me dió la policía en el momento de aquella absurda detención. Son tres fotos en un maravilloso, por desquiciado, órden de eventos.




1- La portada de la factura detención, donde con claridad y en base a la ley, se me informa que soy detenido y que no hay nada más que cooperar con la policía. Sólo puse una parte de la portada, más abajo estan todos los puntos sobre cómo actúa la policía en la detención.

















2- La segunda página, donde la policía escribe mis datos, mi descripción física completa, el lugar y la razón: si leen con cuidado dice "vulnerable site - secuded under sec. 44". En la siguiente imagen sabrán qué es sec 44.



















3- La tercera página tiene más infromación sobre las "sections". Ahí está la sec 44, Y dice con claridad:

"Section 44 Terrorism Act 2000 allows a Police Officer, who must be in uniform, to stop and search:
- any pedestrian
- any person in a vehicle
- any vehicle
- any articles carried by a person or in a vehicle

in orden to prevent acts of terrorism...."

Y no está de más decir que yo fui el unico detenido entre cientos de personas que caminaban en ese momento por aquella vulnerable zona.








No tengo idea si esto queda registrado como algo negativo en los archivos de la policía. Habría cierta lógica si después de aquella detención, sin encontrar nada y sabiendo que era un turista más, no pasara nada. Pero si en algún momento desaparezco de mi casita en Beijing, vayan a la primera agencia de derechos internacionales y díganles que con seguridad me encuentran en algún Guantánamo inglés escondido en uno de sus antiguas West Indies.

Un abrazo a todos.

Gustavo

A mi regreso de Londres...


Mi largo viaje ha terminado. Londres fue mi casa durante un mes y Amsterdam lo fue sólo por unos pocos días.

La condiciones de vida en una ciudad de la importancia y tamaño de Londres son difíciles y regreso a Beijing profundamente agotado.

Londres absorbió una cantidad de energía a la que no estaba acostumbrado; fue un despilfarro por el simple hecho de vivir ahí. Una ciudad exigente en todos los sentidos.

He visto gran cantidad de manifestaciones artísticas, clásicas y contemporáneas; he visto y he aprendido. Mi inglés ha mejorado enormemente pero mi vida y mi cuerpo han sufrido un desequilibrio que debo reformar; una forma de hacerlo es escribiendo sobre aquello que viví.

Las distancias son grandes (aún con un eficiente sistema de transporte): núnca menos de 30 minutos para llegar a cualquier lugar (regularmente 50 minutos) y siempre, caminar, a cualquier hora, tramos largos, largos, largos. Sí, he caminado como nunca, tomado autobuses y metro en exceso; adoro los taxis baratos de Beijing.

En Londres he vivido el temor a la violencia, y también el temor a la "legalidad". La ciudad presenta una de las tazas de criminalidad en crecimiento más rápidas del mundo. La gente teme ser robada o ultrajada; teme al otro por su raza, por su orígen, por su diferencia. Londres es una ciudad "brutal" para los inmigrantes y para la gente joven de razas "oscuras".

Es una ciudad que teme al terrorismo y que ha caído en la paranoia. Vi actos de injusto uso de la justicia, vi violencia ejercida sobre sus ciudadanos con la premisa de la prevención. Fui , y lo digo con tristeza, motivo de dos detenciones arbitrarias sólo por mi aspecto y por nada más, y así me fue aclarado por los policías.

En una calle camino al "tube" (el metro londinenese) ví el temor en la cara de uno de ellos (una mujer policía) que con su mano temblorosa me mostraba el artículo legal que le permitía detenerme por tener un aspecto "sospechoso de ser terrorista en un lugar vulnerable" y a su "parecer"; ella temblaba por temor a que yo fuera un terrorista y volara con ella en ese preciso momento, acabando con sus sueños y su vida; yo temblaba por el temor de ser confundido en exceso y acabar siendo una noticia sobre los "errores" de la "prevención de la policía londinense". Sus compañeros preguntaban, mientras me revisaban manos en alto, si tenía artículos en mi ropa o pegados al cuerpo que pudieran dañarlos... Yo, que he intentado durante éstos últimos años de mi vida de no hacer daño a nada y a nadie, ahora era motivo de la "sospecha" de dañar a quien me revisaba y aún más, "sospechoso" de querer dañar a decenas o cientos de personas.

Fue un shock, aún mayor porque había sido la segunda ocasión en que era detenido (la primera en el aeropuerto), sólo por mi aspecto... No servía vestir bien, mostrar documentos, dinero o tarjetas de crédito; era algo más allá de la idea de poseer una posición social. Era el miedo a otra raza y cultura que mi "aspecto" les representaba.

Con ese temor seguí viviendo y caminando día y noche en Londres; observé detenciones de negros, de árabes, de gente de Europa oriental. Observé desmayos; un intento de suicidio en el Támesis, violencia policial sobre ladrones comunes, y la actitud a la defensiva de la gente común. Con el pasar de los días me acostumbré a lo que en un principio creía era un ambiente infernal y comencé poco a poco a ver el cielo despejado (extraño en Londres), a disfrutar sus bellísimos paisajes y a mirar las sonrisas en los pubs (los ingleses sólo sonríen en los pubs). Conocí gente agradable, amigable, de diferentes razas, con ellos intercambié ideas o simples comentarios; hablé en diferentes idiomas también, practiqué mi inglés, mi francés y mi italiano, ¡hable en chino!... Comencé a vivir como otro más. Visité los grandes museos y salas de exposiciones. Visité los teatros y fui espectador de varios espectáculos y obras de primer órden. Disfruté de su arquitectura y del abanico de posibilidades para divertirse. Encontré también amigos.


Hasta ahora sólo he subido dos entradas al Blog referentes a éste viaje: el festival del Támesis y mi visita a El Globo, el teatro donde trabajó Shakespeare y que ha sido recientemente reconstruído. Tengo material e ideas para una media docena de entradas o aún más, (Conciertos, las reliquias de teatro en el Museo Británico, tres obras de teatro, exposiciones, películas, arquitectura, espectáculos callejeros, etc) ya veremos cuántas se logran.

Amsterdam será un capítulo aparte.


lunes, 24 de septiembre de 2007

El Globo. Una visita al teatro donde Shakespeare trabajó.


Mi viaje a Londres no podía estar completo sin una visita a El Globo (The Globe) el teatro recientemente reconstruído (1997), copia fiel de aquél en el que Shakespeare trabajaba a finales del siglo XVI.

El teatro se encuentra a unos cuantos metros cerca de donde el original y está en medio de toda una zona cultural, llena de museos, sitios arquelógicos, restaurantes y pubs.

Hay mucho qué hablar sobre este lugar, y habrá tiempo para ello. Por ahora las imágenes dirán todo.




Fotografías (slideshow) de mi visita al teatro El Globo (The Globe) (2007)


martes, 18 de septiembre de 2007

Tambores koreanos en el Festival del Támesis 2007

Londres tiene un festival este septiembre y es en el Támesis. Comida de varias partes del mundo, actividades culturales que tienen como objetivo un intercambio de tradiciones artísticas y de formas de vida.

Los tambores koreanos estaban cerca de la torre de Londres, en un teatro al aire libre.

Hablaré con mayor seriedad cuando haya más tiempo. Por lo pronto disfruten la imagen.

jueves, 13 de septiembre de 2007

ESTOY DE VIAJE

Queridos amigos e interesados en este Blog:

Me encuentro de viaje de estudios en Londres y no me será posible escribir con el ritmo acostumbrado.

Una vez que termine este curso (dura 4 semanas) retomaré el ritmo anterior de entradas.

Gracias


Gustavo Thomas

martes, 4 de septiembre de 2007

Piezas escultóricas del teatro griego clásico en Beijing.

En la fiebre, (compartida por la mayoría de los países del mundo), de traer a China sus valores culturales más representativos, esta vez el Museo de Louvre y el gobierno francés expusieron parte de la gran colección de arte griego clásico que el museo posee, una pequeña parte.


Decenas de copias antiguas (siglos I y II de nuestra era) de grandes obras clásicas griegas fueron expuestas durante los meses de julio y agosto de este 2007 en el museo de la Capital en Beijing. (1)


Muchas de estas piezas eran referentes al teatro griego: desde pequeñas reproducciones en barro de máscaras, como esculturillas de actores cómicos, vasijas y ánforas con escenas de teatro (Medea y La Orestiada), y bustos de algunos de los más prominentes dramaturgos (Sófocles, Eurípides, Aristófanes).

Una exposición pequeña y esclarecedora. Para alguien dedicado al teatro o amante del teatro viene a ser una muy rica experiencia.

Hay una emoción extraña al ver ese busto doble con las cabeza esculpidas de Aristófanes y Sófocles, o con la escultura de Eurípides sentado con la lista de sus obras esculpidas a los lados. Tuve así mismo una predilección "inconsciente" por la belleza que desprendía de una ánfora aquella escena de Medea matando a uno de sus hijos.




miércoles, 29 de agosto de 2007

Tan Dun: "The Map" y "Paper Concerto" en Singapur 2007

Tan Dun es un creador escénico, compositor, director de orquesta, y es chino. Nacido en Hunan, y hoy habitante y miembro distinguido de la comunidad artística de la ciudad de Nueva York, Tan Dun, es un músico actual, explorador de formas y medios, un buscador y un loco esquemático.

En su búsqueda artística y personal, en medio del éxito comercial (tanto con óperas como música para cine), e impulsado por otro grande de oriente, Yo-yo Ma, intenta durante los años 90 recobrar las fuentes musicales de las que cuando niño se nutrió en su tierra natal.

Su oído recuerda a un “hombre de piedra” (stone-man, lo llama él en inglés): un músico popular que hacía su música con piedras, música que explicaba su universo y se comunicaba con él. Cuando regresa a buscarlo y llevar su música al "otro mundo", aquél “stone-man” ya estaba muerto.

Sus pasos entonces comienzan a dibujar lo que él llama “un mapa”; sus oídos lo llevan a través de la memoria a pequeños pueblos de su tierra natal, a lugares aún ocultos en la China de finales de los años 90 (1), a ríos y lagos que en su combinación con el trabajo y las costumbres del hombre, cantan y hacen música también.


Cargado con una cámara de video graba decenas de “joyas”, escenas de música tradicional, piezas que serían la delicia de antropólogos y rescatistas (forenses) de museo. Tan Dun con su memoria “revive” la música que escuchó del “hombre de piedra”, con su educación musical y la experiencia de la búsqueda de fuentes en China crea música como la conocemos; con el video grabado se hace de compañeros de pieza, de compañeros concertistas, de instrumentos de su nueva obra musical, The Map.


The Map




Primero, viviendo en Líbano, fui tele-espectador de un enorme ( por maravilloso) documental que contaba la creación de The Map y su puesta en escena en un bellísimo poblado en Xiangxi. Quedé entonces fascinado por aquellas melodías y por la música que Tan Dun exploraba y que provenían de su pueblo natal o de varias ciudades entonces olvidadas en China; estaba fascinado por ese hombre que buscaba fantasmas, y cómo al encontrarlos los hacía cantar y tocar sus instrumentos, ofreciendo secretos para quien quiere escucharlos.


Meses después pude adquirir el video de aquél programa, tuve así la posibilidad de observar cuidadosamente todo ese “acto musical”, y entonces disfrutarlo. Grabé en mi memoria cómo se dió ese juego de medios en un concierto, esa puesta en escena en un lugar donde sus habitantes no poseían ni luz eléctrica; aquél día la luz y la tecnología llegó en toda su apabullante magnitud, con miles de invitados del ‘exterior”, y la televisión misma, uniéndolos al mundo. Esos músicos y cantantes populares captados por Tan Dun en video, estaban también ahí, viéndose en las enormes pantallas y escuchándose a la vez, pero ahora eran simples espectadores de su voz. Se oían en combinación con la música de Tan Dun y eran una parte integrante de ella.

Fue ya viviendo en China que supe de la participación de Tan Dun dentro del festival de Artes de Singapur 2007 (junio 3) al que tenía planeado asisitir. ¿Podía perderme de escucharlo?

Una vez en Singapur asistí al espectáculo del Cuarteto T’ang, Optical Identity, y después al estreno de Mark Chan, Dreaming Kuangyin Meeting Madonna, sólo me faltaba el concierto de Tan Dun.

La sala de conciertos de la Esplanade en Singapur es uno de los más importantes teatros del mundo, tanto por su arquitectura como por la calidad de los trabajos que ahí se presentan. Tan Dun haría muy poco por adaptarlo: la ubicación de la orquesta, y el solista eran en el lugar esperado, sobre el escenario y en semicírculo de frente al público; el director, como siempre, en medio, de frente a la orquesta; dos pantallas de tamaño mediano a lo alto del escenario y dos grandes tiras de papel colgando a cada lado del escenario; parte de los laterales del segundo piso de palcos estaban vacíos, con asientos para algunos músicos. Una sala casi llena de un público expectante, era evidente que la mayoría conocía la fama del compositor estrella. Aplausos, silencio y la música.

The Map fue estrenado en febrero de 2003 en Boston, pero tuvo su memorable presentación (el video que se vende de este concierto lo atestigua) en noviembre del mismo año en Fenghuang Ancient Village, en Xiangxi, China. Esta pieza, desde mi punto de vista, adquiere su verdadero valor siendo un concierto realizado para aquél lugar remoto en China, para aquél momento, para aquella noche y para esa gente; ahí era un evento completamente vivo y era enorme. El golpe que logra en quien lo vivió (o ve el video que se realizó con él) es avasallador, apabullante. El mismo concierto, en la Esplanade de Singapur (o en cualquier otra sala de conciertos), es solamente la presentación de una exploración musical extraña, de una pieza en momentos rica, en momentos agradable, en momentos viva. En una sala así nos convertimos en espectadores al rescate de la tradición musical china y no en participantes de un evento verdaderamente vivo como lo fue en Fenghuang.

Esa noche en la Esplanade, la técnología no había ido al lugar inhóspito a crear una fantasía de medios; ésta vez, los pequeños datos provenientes de lo remoto, grabados en video, se presentaban en la voluminosa estructura reinante de la tecnología. El público fue y fuímos entusiastas, tanto como debíamos serlo en un festival y ante una gran figura; pero aquella noche faltó algo.

Creo firmemente que el valor de The Map radica en que es una pieza (musical) performativa contemporánea, un “performance” como tal, y que sólo adquiere su verdadera magnitud artística en el lugar preciso y con la carga de su proceso de creación: el concierto en Fenhuang en noviembre de 2003 no era un concierto era un “acto performativo” que incluía la pieza musical creada por Tan Dun; el concierto en Singapur era sólo eso, uno más como mucho otros ya vistos.

Fue entonces que pude acceder a escuchar con más detenimiento la creación musical de este compositor chino; no soy un conocedor en materia de música, disfruto escuchar, y ésta pieza en momentos fue disfrutable y en momentos fue escuchable.


Paper Concerto


Paper Concerto es un paso más en el camino de varias otras exploraciones de Tan Dun con las fuentes de su natal China: entre otras, la música de la tradición olvidada con The Map, la música de los elementos (agua) con su Water Concerto; ahora, literalmente la música con el papel.

La idea del Papel está ligado a la relación del mundo con China (es uno de los grandes inventos que China ha dado a la humanidad), y en China misma el papel está ligado a su sonido y a las expresiones de su sonido; la vida en China ha escuchado a su papel por siglos. Tan Dun también lo escuchó y lo asimiló más allá del sonido en bruto; descubrió la combinación sublime y lo hizo música en un concierto “a la occidental” en 4 movimientos.

Paper Concerto está hecho para la escena donde lo vimos, un escenario común de sala de conciertos, y ahí funciona enormemente. Adquiere, desde mi punto de vista, una magnitud de épica musical, teatral.

Aquello que otros habrían hecho (y han hecho) con sonidos, con papel o cartón, de una manera popular, con manejo principalmente del ritmo y juegos malabarescos, Tan Dun lo convirtió en una gran pieza musical, y el concierto mismo, en un verdadero acto de movimiento. Tan Dun es un artista escénico, de eso no tengo duda (2).


Tiras gigantes de papel de China, pliegos de papel lustre, pedazos de papel para estrujar y para silbar con él, papel para golpear y para acariciar, papel que se ve y se escucha; sonido que nos hace vibrar y al llegar al oído se sublima. La música de Tan Dun usa toda la tradición occidental, la mezcla con el sonido dirigido del papel, la renueva y le da fuerza, vida, como si adquiriera un cuerpo. Sí, aquella música fue también visual. Las tres percursionistas danzaban, vivían un “acto de movimiento musical”.

Tan Dun logró mover la música sobre la escena, y sin embargo sus músicos, los instrumentistas occidentales, no se movían.(3)

Paper Concerto en Singapur fue una representación exitosa, fue un acto artístico de enorme importancia y altamente disfrutable. Su creador, Tan Dun, tiene en mí a un admirador respetuoso.

Nota:
No tengo material grabado. El festival no permite tomar fotos dentro o fuera del teatro. En el mayor de los excesos, podía uno formarse durante 10 minutos, recibir autógrafos de Tan Dun pero no tomarse fotos ni en la fila ni del momento de la firma, ¡en el lobby del teatro! En fin, las reglas de Singapur.
Encontré algunos links a videos puestos en Youtube, y a páginas con información.




Sito web de Tan Dun: www.tandunonline.com





(1) China en los últimos años, desde mediados de los años 80 y hasta la fecha, ha vivido una transformación pasmosa, y una destrucción masiva de la mayoría de sus reservas de tradición. Aquellos “pueblos remotos y olvidados” de China, en su mayoría, hoy viven envueltos en concreto o han sido convertidos en pueblos reconstruidos para turistas, lugares donde la vida como tal se ha aniquilado y se ha convertido en “una venta del folclór”. La mayoría de los pueblos no provenientes de la mayoría Han, pueblos conocidos en China como "minorías", han devenido un motivo de “turismo” para estos nuevos dueños del mundo. Todas estas minorías chinas, incluyendo su religión, vestido y costumbres, ahora son un potencial de adquisición monetaria; cada parte de ellas es catalogada por el gobierno central y se promueve como pieza de interés turístico extrayéndola de su contexto inicial: quienes cantaban porque trabajaban en un río ahora se les paga para que canten y hagan como que trabajan en el río; quienes hacían teatro ritual, ahora se les paga para presentarlo ante los turistas de Beijing o Shanghai o cualquier otra gran ciudad; se han creado tablados expresos para su bailes, para sus fiestas; se cobra la entrada para ver la vida tradicional, las costumbres, se expone todo como en un parque de diversiones temático al que los chinos son tan asiduos.
(2) Lo teatral en absoluto le es extraño, Tan Dun estudió y fue actor de la Opera de Pekín durante los años de la revolución cultural.
(3) Tal vez el Cuarteto T’ang y Theatre Cryptic se ayudarían en su exploración obervando con detenimiento la obra de este artista chino.

Gustavo Thomas. Get yours at bighugelabs.com

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