Entre aquellos video documentos que he podido rescatar de mi propio olvido (quiero decir, en formato VHS dentro de mi biblioteca), está la primera representación de "Inhalaciones", en julio de 2000, en el Foro Contigo América de la ciudad de México.
Fue un trabajo experimental en toda la extensión de la palabra; el grupo estaba creciendo en todos los sentidos y habíamos encontrado un camino de crecimiento educativo a través de la asimilación del método de actuación de González Caballero y la técnica de acciones físicas. Todo fue creado durante el proceso creativo, y eso era lo común en ese momento de Esférica Ludens: personajes, texto, escenografia, video, etc. Era un nivel muy básico de nuestra exploración pero yo era un tanto ambicioso en lo que exigía de ellos, sólo Guadalupe Durón había tenido más de un año con estas técnicas, él había sido mi colega dentro del taller de Antonio González Caballero desde 1986.
No estaba muy contento con el texto que escribí pero funcionaba para aquél entretejido tan complejo que eran las imagenes reales y en video que había decidido exponer. Ahora mismo trabajo en una nueva versión del mismo texto mucho más enfocado en el tema principal, la respiración, una versión 10 años después sí, sin más proceso creativo dirigido a montarse en un futuro próximo, más en el estado creativo de un dramaturgo casero de 42 años.
Pueden encontrar la información base del montaje y una singular crítica sobre él en otra entrada de este mismo Blog:
El video fue digitalizado de un VHS así que la calidad del material es muy mala; la cámara estaba situada en la segunda fila de asientos, van a tener que pelearse con la cabeza y los brazos del energético espectador que estaba al frente, además de soportar un muy molesto sonido del ring de un celular que permaneció sonando durante todo lo largo de la presentación; por otro lado, el ángulo de la cámara no permite ver una muy importante parte del espacio, la tina, que se debería estar al lado derecho de la pantalla. Tengo muy claro que no es la mejor manera de invitarlos a ver el video pero debía de ser claro, es un documento y está como está; era mi deber publicarlo en la red no sólo porque es parte de un momento de mi vida creativa si no de la vida creativa de al menos 6 personas más. Aún así creo que ustedes encontraran un interesante juego visual y en momentos un intrigante juego corporal, especialmente por parte del trabajo de Guadalupe Durón. Espero lo disfruten y encuentren otras cosas valiosas que se salven.
La representación está partida en 8 videos, cada uno de 10 minutos, y los publico en listas de reproducción en Youtube y en Vimeo, así que ustedes pueden escoger el sitio que quieran para verlo.
Función de estreno de La Cura en diciembre de 1997 en el foro Luces de Bohemia, en la ciudad de México. Esta fue una función especial y no formó parte de una temporada (que se dió hasta julio del año siguiente). El nombre del montaje en aquél momento fue La Cura/The Cure, y terminó llamándose solamente La Cura.
Ya he escrito sobre este montaje en mi entrada del 3 de marzo de 2007 y el texto (en una versión muy posterior) lo expuse en mi entrada del 24 de diciembre de 2008.
Es curioso que este documento sea uno de los pocos en que aparece (al final, en los agradecimientos) el director José Enrique Gorlero quien participó como escenógrafo e iluminador en el montaje. José Enrique murió en mayo de 2008, sólo 5 meses después de esta función.
Es una serie de videos (9 videos, 75 minutos) que digitalizé de un video VHS tomado desde un punto fijo dentro del teatro, así que la calidad de la imagen y del sonido es muy baja. Mirarlo implica un esfuerzo extra lo sé, y pido disculpas por ello, pero mi interés principal estaba en tener el video expuesto en la red (estuviese como estuviese) ya que es el único documento audiovisual de esa etapa de mi trabajo.
Tercera parte de la entrevista que realicé a Guadaupe Durón en el Centro Histórico de la Ciudad de México el 28 de diciembre de 2008 (Ver introducción a la entrevista en la entrada del 1/09/2009).
No expongo mis preguntas, que simplemente son invitaciones a hablar sobre el método de actuación y su experiencia con él o con la enseñanza de Antonio González Caballero, prefiero exponer sólo las palabras del actor. Considero estas palabras como un testimonio y por lo tanto un documento en bruto, por eso mismo, no edito el video ni busco darle coherencia. Más allá del discurso coloquial o de la singularidad de la gramática personal del habla de Durón está su experiencia personal como actor, y en el remolino de frases aparecen lo que considero "claves" para la comprensión del método.
Durón vuelve, con su peculiar estilo de contar sus experiencias, a sus recuerdos de los ejercicios con los "Elementos" dentro del taller de González Caballero. El Apoyo "Elemento" es uno de los principales o básicos Apoyos dentro del método de actuación. Esta vez, nos habla de su experiencia durante un ejercicio con el Elemento Aire, en su aspecto básico.
"Recuerdo sobre sus ejercicios (en referencia a González Caballero) uno que me fue muy criticado porque a mí me fascinaba mucho, porque era sobre un elemento que a mí me gusta mucho, el aire, ...porque es muy volátil, porque aunque encuentre un muro sube o baja y se dispersa a los lados, y quien sabe qué. "Entonces el guiaba,... primero nos ponía: -”A ver, concéntrense”-, blah, blah blah blah. Y luego nos empezaba a alimentar: -”A ver, vamos a hacer este elemento”- ¡Claro!, en aquél tiempo eran..., como éramos principiantes, pues eran elementos puros (básicos), luego ya se mezclan, y blah blah blah.
"Entonces, eh, esa vez, me acuerdo que nos dió el (elemento) Aire. (Ríe) Y entonces se dió algo muy curioso, yo me empecé a sentir muy ágil; sí, y no sé cómo, no me pregunten. Anduve desplazándome por todo el lugar, porque... Era una casa antigua donde hacíamos los ejercicios, -porque tuvimos varias sedes, blah, blah, blah. Y esa vez me tocó en una casa que era vieja, de los 20s o 30s quizá.- Y entonces había una escalera muy grande, -bueno, grande en base a las que se hacen ahora-.
"Entonces, recuerdo que empecé a sentirme ligero, ligero, ligero, y el maestro: -”A ver, el viento ahora está en el desierto; a ver, ahora el viento está en la montaña; a ver, ahora el viento está en un campo, en un llano,... Ahora está así y asá.”- Entonces iba uno repondiendo a esos impulsos (indicaciones) que él le daba a uno, de tal manera que yo terminé enloquecido después, y no sé,... Había una columnita en la base de la escalera, muy pequeña, como de unos 30 centímetros, y no se qué. Para seguir por el barandal entonces..., no me pregunten cómo pero de repente yo estaba... como ya no tenía..., Estas escaleras, ¿cómo se llama?, (estas) columnitas solían tener una lámpara, una figura esculpida ahí encima, y aquí no había. Pues yo terminé en esos treinta centímetros, parado, haciéndola de estatuita, y me sentía maravillosamente.
"Después... (Ríe) este..., me divertía mucho porque decían: -"Ah, ah, ah, ¡eso es lo que haces siempre! Tú quieres ser muy volatil, tú quien sabe que...”- Pero no, la volatilidad personal es una, o sea, sí, yo puedo, yo que sé, caminar o correr o sentirme o hacer, pero yo, ¡yo! Cuando le dan a propósito un elemento que debe trabajar, entonces no. La posición del cuerpo cambia, la mente cambia, hace uno cosas que... Como eso de la columnita, o sea, yo ¿cuándo? Yo siempre he padecido de (mal) equilibrio, o sea yo no puedo estar como juegan los niñitos, en los rieles de los ferrocarriles o en las orillitas de los... de los tabiques. Yo siempre he sido muy torpe para eso; y yo me preguntaba: (sonríe) -“¿cómo rayos llegué a estos treinta centímetros y no me caí, si tengo un pésimo equlibro?”- Ahora dicen que eso de tener un pésimo equilibro en escena es fantástico, como puedes hacer lo que se te de la gana.
"Pero yo sí me asombraba de haber terminado en ese espacio tan pequeño y no caerme, ¿por qué? Porque la cualidad del elemento, cualquiera que ellos sean, el fuego, la tierra, el aire, el agua,... estimula la imaginación y uno es otra cosa; no es... eh... ¡lo que uno es normalmente!, ¡cambia!, por el poder de la imaginación, o sea, porque es un estímulo que si bien estamos formados por todos los elementos, cuando predomina uno entonces uno se vuelve otro. Eso es, así de simple."
Segunda parte de la entrevista que realicé a Guadaupe Durón en el Centro Histórico de la Ciudad de México el 28 de diciembre de 2008 (Ver introducción a la entrevista en la entrada del 9/1/2009).
“Empezar, ¿de cómo al técnica del maestro influyó en mí?, pues fue poco a poco. Eh..., yo recuerdo que pasaba muchos trabajos para armar personajes, pero cuando él me enseñó que había Pesos, que había Introversiones, que los personajes podían tener una religión, que según su Edad caminarían, que su Carácter, que si era Introvertido o no, y pues todo eso, me planteó un mundo nuevo, un mundo nuevo en el que naturalmente debe haber (habido) alumnos más talentosos que yo y (que) entendían mejor las cosas Y entonces yo tomaba dos o tres apoyos, no más, porque sentía que me enredaba, porque eran muchos muchos, que funcionaban evidentemente pero yo me sentia incapaz de usarlos todos a un tiempo. Entonces por eso nomás elegía dos o tres: un Elemento, una parte del Carácter,... y eso me daba una consistencia distinta de lo que había pensado de un personaje; cambiaba de actitud, blah, blah, blah.
“Lo lamentable de todo ésto es que el maestro no haya dejado de su puño y letra el método. ¿Por qué razón? ...Porque él lo tenía claro, o a veces me pregunto, ¿por qué no lo hizo, si era muy importante? Y me he dado cuenta que una cosa es lo que dicen saber y otra cosa lo que aplican... ¡Claro!, eso podría tambén aplicarse a mí mismo. Yo digo -bueno, yo estoy poniendo en práctica lo que él me enseño-. Yo a veces me cuestiono -¿de veras estás empleando lo que él te enseñó?-
“Yo pongo a veces en mis libretos, éste tiene tal Elemento, éste tiene blah, blah, blah,... y tiene tal Peso y ésto y otro. A uno como trabajador artístico siempre le quedará la duda, -¿estoy haciendo las cosas bien?- ¡Claro!, ahí, no sé si porque la gente se deje engañar o porque uno es bueno, ¡o por lo que sea!, alguien se le acerca a uno y dice, -Oiga, vi su trabajo, es distinto a lo que yo había visto, no pensé que pudieran realizar tal clase de trabajo, es más, yo no lo conocía-.
“Hubo una vez un señor que me detuvo en la calle, bueno, y me dice, -Oiga, yo he visto teatro en Europa, he visto teatro en Estados Unidos, he visto teatro aquí en México, pero ésto que acabo de ver está fuera de todo lo que he visto.- Eso me satisface, pero siempre me cuestiona eso de que -¿de veras estás usando lo que se te enseñó-... Como,... Yo tenía unos apuntes que fui tomando allá por los inicios de la carrera, sobre todo cuando estuve con él (con González Caballero), entonces tenía cierta referencia; cuando yo tenía alguna duda pues recurría a ellos, pero un día sufrí una inundación en casa, se echaron a perder lo apuntes, y blah, blah, blah,... Y desde entonces he hecho las cosas como me acuerdo, por eso siempre me cuestiono: ¿estaré bien?”
Un viaje relámpago a México (y 18 horas de vuelo) me obligaron a pensar en la manera de aprovecharlo al máximo para el Blog sobre el Método de Actuación de A. González Caballero que expongo en internet desde enero de 2007 (1); así, recordé que el objetivo principal del mismo era dar testimonios de primera mano sobre la experiencia del método, y mostrarlo tal cual es y provocar de es manera una sana discusión. Las transcripciones de las grabaciones que realicé a González Caballero durante los años 80 y 90 del siglo pasado han sido el corpus real del Blog, pero ahora considero importante agregar también la voz de aquellos que ayudaron a formar ese método y que fueron preparados con él, directamente con González Caballero.
El plan entonces que se suma al proyecto del método por internet es el entrevistar a aquellos que fueron alumnos directos de González Caballero, y que en esas entrevistas narren, recuerden y revivan su experiencia como actores, hablando de los ejecricios del método, del guía, de la técnica de dirección empleada, de la técnica de estudio que percibían.
Evidentemente y por ser un amigo cercano y compañero de trabajo por varios años en mi compañía Esférica Ludens, Guadalupe Durón fue el primero de esos posibles modelos de testimonio que vino a mi mente.
Guadalupe Durón era considerado por González Caballero como su alumno, como un actor que llevaba su técnica, pero también lo consideraba un rebelde, un actor que se oponía a las reglas y a la estructura, decía que seguía su método pero que lo revolvía y que al final hacía lo que se le antojaba. Ésto extrañamanete no hablaba mal ni del método ni de la capacidad de Durón en la escena; González Caballero le daba un papel preponderante a la libertad interpretativa y creadora, y Durón era su mejor ejemplo, le encantaba la fuerza de su trabajo y su proyección en escena. Nadie negaba, ni niega que él haya sido preparado en su mayor parte en el método de González Caballero y que muchos de sus logros se deben a esa preparación. González Caballero fue su maestro en todo el tamaño de la palabra y los dos se tenían en gran estima.
He decidido iniciar esta serie de videos de la entrevista realizada a Guadalupe Durón con una descripción de un ejercicio del Apoyo "Elemento Tierra" (2). En esta parte Durón, en su personal forma de expresión, nos narra su experiencia y sensaciones durante un ejercicio que dirigió González Caballero. No puede haber un análisis de mi parte, paso directamente la grabación, es un testimonio. Creo en todo caso que sería interesante comparar la experiencia de éste actor con los ejercicios transcritos del mismo Apoyo y así hacer cada uno sus propias evaluaciones.
Transcripción de las palabras de Durón en el video:
Guadalupe Durón:
“Recuerdo también un ejercicio que se hizo sobre la tierra, pero ya era una tierra combinada, pasaba de desierto, de ésto, de lo otro, de aquello, y a mí me tocó una tierra que daba vida. “Recuerdo su voz (la voz de González Caballero), era pausada, curiosamente neutra porque yo creo que no quería intervenir en los impulsos de los estudiantes. Su voz era,... sí nos decía cómo era la tierra, blah, blah, blah, pero en una voz neutra... Repito ha de haber sido por eso. “Entoces cuando llegó el momento de hacer una tierra fecunda, todo mundo se tendía en tierra incluyéndome, pero la sensación de dar vida al pasto, a los árboles, a las flores, sentir la humedad de la tierra, creando y vivificando todos estos seres era maravilloso y ver como los pájaros se le acercaban. Literalmente uno, con esos impulsos se imagina mil cosas: que los pájaros, que las lombrices, que ésto que el otro... “...Y entonces, en aquél tiempo, después de los ejercicos, se me ocurría pensar, si la tierra siente lo que yo sentí imaginativamente al convertirme en ella, ¡caray! qué amolada le estamos dando, porque toda la cubrimos de asfalto de lozas de cemento, de lo que sé que... y pues debe ser muy frustrante para ella lo que yo, ... a mí que no se me impedía ese momento de creatividad, de ser ella. Tratar de sentir como ella, dar vida como ella... Me imagino que también las mujeres al dar vida a un bebé eso han de sentir, no sé, son experinecias que núnca vivimos, pero si traslapamos esa sensación de las mujeres a un ejercicio de esta naturaleza, donde se te dice tú eres la tierra, tú das vida, en tí crece, en ti ésto en ti todo, eres fecundo, y... era tan maravilloso, y... “...Su voz detrás: (imitando a González Caballero) -Ahora tienes flores, ahora sientes la humedad, ahora sientes calor- ...y yo le agregaba y aquí sientes un calorcito y acá y blah, blah, blah, blah... Antes de que se pusieran de, claro, de moda los microclimas, porque yo mismo incluso, todos los seres humanos somos microclimas, hay un calor en la axila, hay uno en la entrepierna, hay uno en los pies, y hay otro así, pero hacer extensiva toda esa sensación de tierra,... “... y él con su voz ahí: (imitando a González Caballero) -Ahora pasa ésto, ahora va cruzando una serpiente sobre ti, un pájaro ha pasado a picotear en el pastito...- ... Y luego cuando ya llegaba a término el ejercicio entonces nos llevaba poco a poco hacia el final, blah, blah, blah, -¡Respiren!- blah, blah, rá, ...y aquella magia desatada se esfumaba. “Era... se sentía uno muy gratificado por haber participado en aquél ejercicio.” (2)
En 1998 inicié el proyecto Esférica Ludens, Compañía de Arte Representacional, a partir de ese año y hasta el 2003 (que me auto-exilié de mi país natal) trabajé en varios varias puestas en escena y talleres con un numeroso grupo de colaboradores. Este Blog contiene varias entradas en referencia a los trabajos realizados durante mi época con Esférica Ludens (1).
Una vez fuera de México tuve contacto con mis ex-compañeros sólo en una ocasión, en una visita relámpago en noviembre de 2005, donde me ayudaron a hacer una lectura dramatizada de mi último texto, "Invocación"; y aunque no nos hemos visto en más ocasiones hemos mantenido el contacto gracias al internet, haciéndome partícipe de sus ideas escénicas y algunas veces sirviéndoles hasta de consejero. Pero hoy por hoy el contacto es diferente: he recibido una invitación para el estreno de "La Maraña", una producción totalmente realizada por ellos y que será representada dentro del marco del homenaje nacional a Antonio González Caballero.
Primero me preguntaron si podían usar el nombre de la compañía, Esférica Ludens, y después me pidieron que escribiera algo para el programa de mano de la obra. ¿Cómo era posible decir no? Me estaban pidiendo volver a la vida una compañía que yo había abandonado por mis egoístas impulsos de aventura, y ahora querían continuar el proyecto por su cuenta, cosa que yo había esperado desde que dejé el país; fue un verdadero gusto leer la petición y acepté sin pensarlo más. Por otro lado escribir el texto del programa de mano representaba para mí mucho, exponer tanto el retorno de Esférica Ludens a la escena mexicana como mi cercanía a González Caballero.
"La Maraña" fue escrita por González Caballero cuando yo era un estudiante fiel de su método de actuación, viví mucho de la elaboración de la pieza, creí tanto en ella y en su complicación y oscuridad, (aún cuando González Caballero dudaba en momentos en terminarla), que creo haber echo un buen esfuerzo para lograr su culminación. Debido a ello el maestro me la dedicó, a mí y a José Vera, otro compañero de estudio que también creyó en su valía.
La Maraña pues es un acontecimiento del que estoy orgulloso de presentar en este Blog. Tiene mucho de mí aún cuando no he hecho prácticamente nada para su realización.
El estreno será este sábado 17 de mayo de 2008 en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico en el sur de la Ciudad de México, un foro conocido por albergar producciones experimentales y alternativas. Tengo entendido que habrá una primera presentación del montaje en el Foro El Foco el 15 de mayo, durante el inicio de las actividades del homenaje nacional a González Caballero.
La dirección escénica está a cargo de Francisco Camacho (Paco) y actúan Marisol Solorio, Javier de la Vega, Guadalupe Durón como parte de Esférica Ludens, y Tomás Esperanza, Humberto Castro y Patricio Alvarez como actores invitados.
Yo sigo en China pero mi corazón y mi mente están con ellos, me siento pleno de satisfacción y orgullo.
Vayan mis mejores deseos a mis viejos y siempre bien queridos amigos de la nueva Esférica Ludens.
En el camino de los recuerdos que ya he tenido en este Blog con 4 montajes (1) de la época de trabajo en escena con Esférica Ludens (1997-2003) me hundo ahora recordando Tríptico Telefónico (tres continentes al cable).
El proyecto surge junto con la nueva compañía, pues el primer trabajo que Esférica realizó como grupo teatral fue la lectura dramatizada del texto “Un solo de teléfono” de Felipe Galván, para la presentación, en la Escuela de Teatro en el CNA, de la Revista española Art Teatral. Ahí los dramaturgos mexicanos Felipe Galván y Emilio Carballido, y el director de la revista , el español Nel Diago (2), todos fungieron como nuestros padrinos (impuestos por nosotros claro), y así el proyecto Esférica Ludens estaba en marcha.
La compañía había tenido ya un montaje previo, “La Cura” que no llevaba en la firma el nombre de Esférica Ludens sino el de “Roma Teatro…” (nombre acuñado por nuestro querido amigo José Enrique Gorlero), así que no fue sino hasta la presentación de la revista que tuvimos nuestro primer trabajo sobre la escena ya con el nombre de la nueva compañía, Esférica Ludens.
Felipe Galván estuvo a gusto con nuestra especial dramatización de su texto y nos invitó a hacer más con él, a llevarlo a escena formalmente. El texto era corto, algo menos de 20 minutos, así que necesitábamos otra pieza o más para tener 1 hora como mínima duración para crear un espectáculo. En el proceso se unieron dos textos propuestos también por Felipe Galván y a su vez ligados al tema de la primera pieza, el teléfono: “Umbral” de Francisco Zarzoso, y “La Fiesta particular” de Alejandro Jornet.
Los apoyos vinieron principalmente de la embajada de España (los otros dos autores son españoles) y de la Casa Museo de León Trotski. Buscamos más apoyos (3) pero éramos y siempre fuímos una compañía muy joven y con ideas no fáciles de asimilar, nuestros proyectos eran riesgosos en calidad porque buscábamos una manera de encontrarnos estética y técnicamente; difícil encontrar quién confiara su dinero en ello. El presupuesto aprobado por la embajada fue suficiente para cumplir con el montaje de las tres piezas en una pequeña temporada en la Casa Museo de León Trotski que en ese momento a su vez era nuestra casa de trabajo.
En el proceso de creación de Tríptico Telefónico, estrenamos “Letanía” (octubre 1998), esa sí la primera gran producción de Esférica como arte representacional.
Ya dedicados de tiempo completo a Tríptico Telefónico pudimos incluir a la mayor parte de la compañía en el montaje, teniendo en cuenta, según mis planes, que todos trabajaran con la parte básica del proceso de creación de personaje del método de actuación del maestro Antonio González Caballero, y a su vez con el uso de unas cuantas acciones físicas creadas por ellos mismos en base al método de acciones físicas usado por Stanislavski, Grotowski y la Antropología Teatral. Ahí estaría la base de nuestra evolución técnica en todo el proyecto esférico.
Eso fue en el campo teórico de la actuación; en el campo práctico del montaje y de las interpretaciones de las piezas, las cosas se sucedieron de manera interesante, que sin dejar de lado la importancia suprema de las palabras en las tres obras, el imponente uso del cuerpo que nos impusimos le dio una singular característica al montaje, culminando como una especie de farsa coreografiada. La música que decidí utilizar, encomendado a que siendo desconocidos no tendríamos problemas con los derechos, le dio al montaje un ritmo y un sabor también bastante singulares: dos piezas musico-vocales de Meredith Monk y una canción, “El fracaso de mi amor”, compuesta y cantada por Paquita la de Barrio.
No pretendo hablar de todos los detalles del proceso, al final era un incipiente montaje comparado con las ambiciones y los sueños del momento, pero hicimos todo nuestro esfuerzo para cumplir con los primeros objetivos técnicos y para llevar al estreno los textos que se nos habían encomendado. Creo lo logramos, recordando el nivel de mis compañeros actores y el mio propio como director de escena, de la evolución técnica obtenida hasta ese momento y por supuesto de las limitaciones económicas y de producción siempre presentes en las puestas denominadas independientes.
Felipe Galván escribe en un correo electrónico a Francisco Zarsoso informándole sobre el reciente estreno en el Museo Trotski de la ciudad de México:
“Paco:
Te comento mis impresiones del estreno, ya puedes presumirlo en todo el mundo, el pasado sábado.
El teatrito del museo Trotsky es de setenta butacas, la asistencia era de poco más de la mitad. Yo fuí solo porque ando en gira y mi gente del D.F. estaba cansadísima y la de Puebla no se arriesgaba a venir (hasta que compruebes que está bien), de modo que me metí en la soledad sin acompañante(s) y me dispuse a disfrutar a los muchachos de "Esférica ludens".
El trabajo tiene un énfasis corporal bastante acentuado, pero indudablemente los textos míos, y supongo que los tuyos y los de Alejandro, están perfectamente respetados. Lo interesante es que la dirección de Gustavo Thomas y la capacidad interpretativa de todo el elenco, con aquel énfasis de expresión corporal, trasciende lo que el código literario expresa. El enriquecimiento es conmovedor y, sin pecar de mano suave, creo que los tres textos han crecido enormemente.
Al final anunciaron mi presencia y bajé a los aplausos (númerito inevitable en estreno), ahí dije que era importante que tú y Alejandro vieran esto, que ya sea que vinieran o que el montaje fuera a Europa; creo que sería importante. La emoción que el equipo me transmitió debe ser también disfrutada por ustedes dos y nuestro padrino (el académico valenciano y hermano de cafetera(s) de quien esto escribe) Nel Diago.
Ya te diré más cosas, por lo pronto envío este, pidiéndote por favor lo reenvíes a Alejandro porque de él no tengo noticias.
Obviamente mando copia de esta comunicación al elenco y a Nel. Espero pronta recomunicación tuya y ojalá Jornet de señales de vida rápido por aquello de los permisos.
Un abrazo desde México.
FELIPE GALVÁN.
P.D. Ya los muchachos te enviaran un tanto de cartel, programa, prensa, etc. Yo por ahora te reenviaré el diseño de pases de 2 por uno, para que conozcas los diseños publicitarios que están usando (bastante "coloridos").”
A continuación la ficha técnica del montaje y un slideshow que preparé para recordar el montaje:
TRÍPTICO TELEFÓNICO (TRES CONTINENTES AL CABLE) ESPECTÁCULO FÁRSICO EN SIETE PARTES
AUTORES Felipe Galván (Puebla-México) "Un solo de teléfono" Francisco Zarzoso(Marruecos-España) "Umbral"Alejandro Jornet(Cataluña-España) "La fiesta particular"
ACTÚAN Guadalupe Durón Antonio Ordaz Alejandro Yustiaza Diana Adán Javier de la Vega DIRIGE Gustavo Thomas
Video Slideshow "Tríptico telefónico" Esférica Ludens.
(1) La Cura (1997), Letanía (1998), Inhalaciones (2000), Oscuridad (2002). (2) Nel Diago fue realmente un padrino bastante generoso pues nos escribió una carta oficial de recomendación redactada en muy buenos términos. (3) Entre ellos la Fundación Telmex, todo un caso de clara humillación cultural.
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Letanía, espectáculo sintético de voz y movimiento en dos partes en conmemoración a la masacre de Tlaltelolco en 1968, formó parte del proyecto que Esférica Ludens, (en ese momento llamada "Roma Teatro..." ) denominó Arte Representacional, una combinación multimedia de Teatro, Movimiento corporal, Música y Video en torno a un tema determinado; en este caso, una visión posmoderna de los sucesos sangrientos de 1968.
Ficha de la obra: LETANIA, espectáculo sintético de voz y movimiento en dos partes en conmemoración a la masacre de Tlaltelolco en 1968.
Autor y director: Gustavo Thomas
Actúan: Guadalupe Durón, Antonio Ordaz, integrantes de Esférica Ludens.
Lugar: Ateneo Español de México (Isabel la Católica 97 esq. San Jerónimo, Centro) Cupo limitado a 40 personas.
Estreno: Viernes 1 y sábado 2 de octubre de 1998.
Temporada: octubre de 1999.
Funciones: sábados 20:00 hrs y domingos 19:00 hrs
Donativo: $50.00 (50% a estudiantes, maestros e INSEN, con credencial)
Duración aproximada: 50 minutos.
Video (Slideshow del montaje):
Narración del montaje.
Afuera del espacio, lectura, por un encapuchado, de un poema de Mayakowski. El público entra al espacio totalmente oscuro, se alumbra con lámparas de mano. Pareciera surgir una luz ténue que apenas deja percibir la escena. Oímos el canto de Meredith Monk, mientras dos muchachos pintan un grafiti en la pared. El grafiti habla de la matanza de Tlaltelolco. La luz se va perdiendo. La noche y su dificultad para pintar. Ellos prenden un encendedor para alumbrarse. Continúan su tarea. El encendedor se apaga. En la oscuridad una potente luz llega a ellos. Se ven sorprendidos. Recogen sus cosas. Salen corriendo. La luz los persigue como ráfagas de metralletas hacia aviones enemigos. La luz viene de la lámpara del ex-soldado. Va vendado de una pierna y casi rapado. Se acerca al lugar del grafiti. Lo mira. Grita. El canto de Meredith Monk se detiene. Silencio. El ex-soldado expone sus temores, su despecho por el olvido del ejercito, no entiende las recriminaciones de los que recuerdan mal el momento de la masacre. Se justifica, repite palabras de generales, de ex-presidentes. Se propone inventar una letanía para ser liberado de toda culpa. Oscuro. Entra la pieza de música Letanía de Arvo Pärt. El doliente se mueve en el piso. Lentamente se va levantando. Sale la virgen grande, imponente. Aparece el ex-soldado debajo de las faldas de la virgen, está sentado sobre una televisión. El doliente se va quitando cintas que le torturan la piel, nos presentan consignas populares del movimiento del 68. El ex-soldado dice su Letanía mientras el doliente expone la masacre en su cuerpo. Por la cabeza del ex-soldado cae sangre, escurre por su cuerpo, por la televisión y llega al piso, encharcándose. Levanta la mano enguantada. El doliente cae al piso entre estertores hasta quedar quieto. En la televisión aparece el video de la matanza. El ex-soldado se quita el guante blanco y lo tira sobre la sangre. El video de la televisión hace fade. La oscuridad llega. La música de la pieza Letanía continúa hasta el final.
Boceto para el modelo de la Virgen mecanizada que entra a escena:
Comentario al montaje por Felipe Galván, dramaturgo, guionista e investigador teatral:
“LETANIA, horizonte postsesentaiochero
Después de presentar la "Antología teatro del 68", esférica Ludens me reinvitó a ver su ultima producción, era febrero del 99 y ellos me habían invitado a su estreno el 2 de octubre del año próximo pasado. Obviamente, por obra y gracia de mi particpicaión en la marcha de los treinta años, me fue imposible asistir en aquella pcasión a presenciar la obra escrita y dirigida por Gustavo Thomas. En el mes de febrero a la segunda invitación se sumó el interés por ver a este interesante y joven equipo de trabajo, lo segundo por la edad, que no por el nivel de trabajo, puesto que en anteriores propuestas de ellos había observado una profunda y trascendente madurez. Es claro que quien los conduce, el mismo Thomas, tiene una perfecta claridad del quehacer estético y del camino hacia su concresión. Letanía es el nombre al que responde la propuesta que nos ocupa, en ella el nivel verbal se recarga en las reflexiones de un exsoldado (Guadalupe Durón) que participó en la masacre; el nivel corporal, una constante de alto grado de riqueza en el trabajo grupal, se recarga en la interpretación del sufriente (Antonio Ordaz) de la masacre misma. Alrededor de ellos como elementos cohesionantes de esos dos mundos que se muestran, la conciencia del soldado y el dolor del sufriente, los grafiteros. El espectáculo pareciera desarrollarse en dos partes, una centrada en el exsoldado y la otra en el doliente, pero la intertextualidad es lo suficientemente fuerte como para mostralo en unidad. ¿Qué es más fuerte? La conciencia de un peón que confiesa en el distanciamiento ideológico-moral-insensible o el dolor de lo que pese a estar bajo tierra se impregnó en el recuerdo y la historia de un país? Pregunta clave para desmenuzar la estructura dramatúrgica. Tal vez haya que responder que Letanía, estructuralmente, es una interpretación melódica en dos movimientos. Lo interesante es qué pasa con el espectador por estas dos partes encabalgadas en el escenario. Sin lugar a dudas el trabajo conmueve, impacta y lleva a la conmiseración, el efecto acumulado por esto propicia la catársis; la propuesta produce un efecto aristotélicamente tipificado. Es un teatro hecho en la posmodernidad con la sabiduría del clasismo; una visión distinta de jóvenes no implicados en el movimiento, un ejemplo que, como en lña novela de la revolución mexicana, nos dice que el arte responde a hechos con propuestas posteriores y a veces alejadas de los participantes humanos, geográficos y temporales. En resumen, esta propuesta me confirma lo escrito en la introducción a la "Antología del 68", la temática es universalmente mexicana y da para más, y sobre todo confirma lo de que "toda antología es injusta". En el caso de la recién realizada por mi, confieso que creo que tiene una gran carencia, la inclusión de Letanía.
Esférica Ludens, Compañía de Arte Representacional presenta:
“Inhalaciones”
Autor y director: Gustavo Thomas Reparto: Guadalupe Durón, Javier de la Vega, Cecilia de León, Francisco Camacho Diseño de Escenografía e Iluminación: Gustavo Thomas, Edgar Ocampo Video, Fotografía: Edgar Ocampo and Esférica Ludens Atrezzo: Esférica Ludens Producción ejecutiva: Gustavo Thomas Técnicos: Viridiana Martínez, Foro Contigo América Producción: Esférica Ludens, Compañía de Arte Representacional.
Foro Contigo América México, D.F. Julio-Septiembre 2000
Singular crítica aparecida en una página electrónica mexicana, Skene:
ESFÉRICA LUDENS PROVOCA LA POLÉMICA SOBRE LA PESTE HUMANA * Texto y dirección de Gustavo Thomas sobre la crueldad, nacimiento y vida Por: Alejandro Laborie Elías
El grupo Esférica Ludens provoca una inquietante polémica sobre el teatro de la crueldad y la peste humana, vista desde la perspectiva del poeta francés Antonin Artaud, en una atrevida y arriesgada interpretación escénica.A partir de un texto y dirección de Gustavo Thomas, intitulado "Inhalaciones", se trasladan al escenario los conceptos, recalcando que se trata de una interpretación, de Artaud y Dalí, en una propuesta donde "el aborto, la posición de la mujer ante los hombres, la guerra de Vietnam, el nacimiento y el suicidio juegan dramáticamente". Una obra "tremendista" cuya hipótesis es que el amor nunca ha funcionado, que inicia con una carta de Dalí dirigida a Gala, su eterna musa, en la que la habla sobre los horrores del mundo.Cuatro personajes que encarnan, en una representación teatral, a la humanidad, con una óptica en la que todos los seres humanos están enfermos de mentiras, sufren la angustia metafísica y el espíritu tan corrompido que los lleva a creer que las cosas son tan malas que es preferible morir que sufrir. Un montaje extraordinariamente violento, donde cada tema es asumido sin ningún tipo de misericordia, con toda la brutalidad de la realidad, al menos desde la conciencia del autor, que rebasa la imaginación del mismo marqués de Sade, Dante, Maquiavelo y Hitler en su conjunto.Abortar cuando no se tiene algo mejor que hacer; el amor como necesidad y no como sentimiento; el suicidio como un nacimiento y el nacer como el principio de una muerte lenta, culminación del dolor y el sufrimiento humano.Si la puesta en escena no acaba con el espectador es porque el tratamiento tiene una especial "belleza" y porque en esta aventura experimental y de búsqueda hay un atractivo, que dependiendo de la lectura personal de cada quien, provoca una catarsis imposible de explicar con palabras.El público, desde su butaca, ve como con una precisión quirúrgica, los actores exploran, con gusto y detalle, la esencia del dolor, el caos, la injusticia, la tragedia, que en su conjunto son lo que denominan "La Peste".Un "espectáculo" próximo a la multimedia, que se vale del video, de excelente manufactura, que penetra en el interior del cuerpo y del espíritu, para desnudarlos, también con una crueldad inusitada; el aborto y el nacimiento ante los ojos del espectador; el suicidio que termina con el cuerpo pero que acaba con el alma... Una escenografía e iluminación, de Edgar Ocampo y Esférica Ludens, que crean un inframundo espeluznante, con una serie de objetos inmersos en el simbolismo, que como tal deja la posibilidad para los menos sensibles de no atolondrarse ante esa caja negra en que se convierte el pequeño espacio escénico.El ambiente se concretiza con la música creada por Elliot Goldenthal, cuyo tema "Oratorio a Vietnam", logra que oiga el que no quiere ver, en esta obra que desborda la capacidad de asombro y que queda al margen de cualquier clasificación de género que de ella se quiera hacer. Una obra valiente para valientes y que a pesar de todo lo dicho, en el subtexto quedan algunos valores, si no de forma, al menos de fondo, quedando la interpretación, como es inevitable en el teatro, a la capacidad y voluntad de cada asistente. "Inhalaciones" se representa en el Foro Contigo América, ubicado en Arizona No. 156 (entre Pensilvania y Viaducto Río Becerra), colonia Nápoles, los sábados a las 19:00 horas.
Autor and director: Gustavo Thomas Actores: Guadalupe Durón, Natalia Guadarrama and José Antonio Ordaz (1) Diseño de Escenografía e Iluminación: José Enrique Gorlero (2) Coreografía: Ariel Miramontes Atrezzo: Javier Tovar Producción ejecutiva: Marisa Gómez Técnico: Azgard Ramírez Producción: Roma Teatro…
Foro Luces de Bohemia México, D.F. Junio-Julio de 1998
José Enrique Gorlero:
“Historias enajenadas en el pasado. Lenguaje en síntesis, apretado, meticuloso. Referencias de la ficción y de la realidad. Búsqueda personal por los meandros de historias compartidas. Gustavo Thomas construye en la profundidad de su laboratorio; allí los actores son el origen del viaje. Fracaso de la memoria (el tema, sin duda, compete a esta generación); derrota amorosa. El suceso que pudo haber sido, la caricia que debió existir. Inseguridad del presente. Crisis. Probablemente “la cura” sea metáfora, ausencia, vocación de cambio.
“La sexualidad como un pasatiempo de los derrotados, la intimidad como una consecuencia de la soledad más profunda. Compromiso y otra vez, ausencia. Criaturas de fin de siglo: un ciego, la que se vende, el fantasma o el ángel de la muerte.
“Quizá la reflexión de Thomas incluya una severa investigación de recursos teatrales, la misma síntesis textual que deviene en imagen, sonido, economía de espacios y gestos. Sí, es la otra generación que sobrevuela nuestro teatro, con la fuerza que seguramente alcanzará las transformaciones.”
(1) Después de La Cura estos tres actores y dos más entusiastas se me unieron en un nuevo proyecto llamado Esférica Ludens, Compañía de Arte Reepresentacional que duró hasta 2005 y es una parte muy importante de mi vida artística. (2) José Enrique Gorlero: amigo, poeta, dramaturgo, director de teatro, diseñador de iluminación y crítico nacido en Buenos Aires, Argentina; vivió y trabajó en México desde 1975 hata su muerte meses antes de la temporada de La Cura.
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