Robert Wilson, Lucinda Childs y Philip Glass hablan sobre Einstein on the Beach (Toronto. 2012)

Robert Wilson, Lucinda Childs and Philip Glass hablan sobre Einstein on the Beach. AGO. (Por Gustavo Thomas. 2012)

El pasado miércoles 6 de junio de este 2012 en la Galería de arte de Ontario (AGO, por sus siglas en inglés), tres dioses de las artes escénicas norteamericanas fueron reunidos para hablar sobre la creación de Einstein on the Beach, estrenada en 1976. Esa fue una maravillosa y esclarecedora noche, no solo porque ellos hablaron sin problemas de cómo crearon esta ya mítica obra maestra de la música, la danza y el teatro del siglo XX, sino porque los estaba viendo y escuchando vivos, enfrente de mí, a 35 años de la creación de Einstein on the Beach.

Saqué algunas citas de lo que se dijo, citas que probablemente no serán exactas porque las escribía a la par que los escuchaba, pero creo que tiene su valía para quien esté interesado:

- Philip Glass: "Einstein of the Beach es única porque no tenía ni tiene referencias, así de simple."

- Philip Glass y Robert Wilson: "Nosotros no sabíamos qué clase de pieza era, y fue hasta que dimos funciones en Francia que los críticos franceses la llamaron "una ópera contemporánea" y pensamos que era correcto, era una ópera en el sentido de opus, una obra."

- Bob Wilson: "La forma es aburrida, lo que es importante es como te sientes dentro de esa forma."

- Bob Wilson: "Yo no le digo a los actores cómo sentir o hacer las cosas, yo doy indicaciones formales, ellos son entonces quienes las llenan."

- Bob Wilson: "Uno no tiene que entender nada, lo que uno debe hacer es dejarse llevar por la experiencia de ser espectador de la pieza."

- Bob Wilson: "Einstein on the Beach tiene una estructura clásica, pero cada uno de nosotros ha creado su propia pieza dentro de ella."

- Bob Wilson: "Todos los actores, cantantes y bailarines visten con el estilo de Einstein. Todos son una parte de ese Einstein."

- Bob Wilson: "Yo trabajé la puesta en escena y la iluminación con las tres maneras de ver una pintura: la mano (close up), el cuerpo y el paisaje."

Robert Wilson, Lucinda Childs and Philip Glass hablan sobre Einstein on the Beach. AGO. (Por Gustavo Thomas. 2012)

Robert Wilson habla sobre Einstein on the Beach. AGO, Toronto (Por Gustavo Thomas. 2012)

Philip Glass habla sobre Einstein on the Beach. AGO, Toronto (Por Gustavo Thomas. 2012)

Lucinda Child habla sobre Einstein on the Beach. AGO, Toronto (Por Gustavo Thomas. 2012)

Robert Wilson, Lucinda Childs and Philip Glass hablan sobre Einstein on the Beach. AGO. (Por Gustavo Thomas. 2012)

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Einstein on the Beach esta semana en el festival Luminato 2012 de Toronto

Einstein on the Beach (Photo by Lucie Jansch)

Sí, en una oportunidad que nunca pensé tener en mi vida (ignoraba la permanencia de aquella producción de los años 70) Einstein on the Beach, la ópera con música de Philip Glass y dirección escénica de Bob Wilson, viene a Toronto y podré verla en la función de este sábado 9 de junio en el teatro Sony Centre.

Escribo este pequeño post como introducción a aquellos que vendrán después de escuchar el miércoles 6 de junio una discusión entre Glass, Wilson y otros artistas, y del que vendrá después de ver la ópera misma en su versión de 4 horas.

Cualquiera de ustedes encontrarán mucha información de la ópera a traves de internet y estará de más hablar sobre ella y sobre su importancia para las artes escénicas de fin del siglo XX. En lo personal, he fantaseado con esta producción y con su música desde la primera vez que vi fotografías de la dirección de Bob Wilson y posteriormente al escuchar por primera vez la música de Glass que me ha seguido toda la vida. El verla es para mí, por tanto, un hecho histórico.

Ya en algún momento comenté sobre mi dolor y arrepentimiento cuando vivía en Pekín al no poder haber visto a Pina Bausch y su compañía en una de sus últimas giras (¿quién imaginaría que moriría tan pronto?) y que incluía su mítico Cabaret Berlin, y no quiero cometer el mismo error; aquí también estarán Wilson y Glass juntos, hablando de esta creación conjunta.

Por ahora los dejo con el material que la página del festival expone sobre lo que sucederá esta semana:

The Fusion of a Total Artwork: Einstein on the Beach (by Jorn Weisbrodt)

Video promo Luminato

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La Incubadora del Teatro Histérico-Ontológico y "Behind the Bullseye" (2010)

No tengo ni idea de por qué me olvidé de publicar una entrada al Blog sobre "Behind the Bullseye", un montaje que vi en enero de 2010, de una de las compañías de jóvenes que trabaja junto con el Teatro Ontológico-histérico del mítico Richard Foreman en Nueva York, The Ontological-Hytseric Theatre Incubator.

Haya sido lo que haya sido estoy ahora aquí escribiendo sobre ello.

No fue un montaje que me haya impresionado en sí mismo, sino su energía y lo que creo su existencia misma representa. Es el tipo de trabajo que mantiene viva la idea, fuera de las universidades, de un teatro experimental en Norteamérica; un teatro de entusiastas críticos de su sociedad y de su cultura teatral, dispuestos a enfrentarse a un trabajo escénico en una ciudad como Nueva York, donde, al teatro de la esquina siguiente (que lo hay) sólo le importa la taquilla, las estrellas del elenco o la crítica de periódico.

Programa de "Behind The Bullseye" por The Ontological-Hysteric Theatre Incubator.

Esto es lo que la página del The Ontological-Hysteric Theatre dice sobre su "Incubator" (la traducción libre al español está más abajo):

"Beginning in 1993, the Ontological-Hysteric Theater, in addition to its primary support of the work of Richard Foreman, opened its doors to emerging, independent artists. Since 1993 the emerging artists program at the Ontological took many forms, including the Obie-winning Blueprint Series for emerging directors. In 2005, the OHT reorganized the programs under the name INCUBATOR, creating a series of linked programs to provide young theater artists with resources and support to develop process-oriented, original theatrical productions. By 2010, the program had quadrupled in size, involving a range of artists and increased support. The programs included the centerpiece Residency program for premieres, two annual music festivals, a regular concert series, a serial work-in-progress program called Short Form, and roundtables and salons aimed at keeping Incubator artists involved year-round. In May, 2010, the Incubator received an OBIE grant."

"A partir de 1993, el Ontological-Hysteric Theater, además de su apoyo principal a la obra de Richard Foreman, abrió sus puertas a nuevos artistas independientes. Desde 1993 el programa de artistas emergentes en el Ontological tomó muchas formas, incluyendo el Blueprint Series para directores emergentes y ganador del Obie. En 2005, el OHT reorganizó los programas bajo el nombre de INCUBATOR, creando una serie de programas vinculados para proporcionar recursos y apoyo a  jóvenes artistas de teatro para desarrollar producciones de teatro originales orientadas en procesos. Para 2010, el programa se había cuadruplicado en tamaño, involucrando a una serie de artistas y un mayor apoyo.  Los programas incluyeron el programa central Residency para estrenos, dos festivales anuales de música, una serie regular de conciertos, un programa en serie de trabajos en curso llamado Short Form, y mesas redondas y salones con vistas a mantener involucrados todo el año a los artistas de Incubator. En mayo de 2010, Incubator recibió una beca OBIE ".

Poster de The Onthological-Hysteric Theatre Incubator. (Por Gustavo Thomas. New York, 2010)

Y aquí lo que su página dice sobre la obra "Behind the Bullseye"(la traducción libre al español está más abajo):

"BEHIND THE BULLSEYE is an original interdisciplinary theatre work; fusing elements of theatre, film, journalism and installation art to examine the shopping habits of Brooklyn residents. The Target store at Atlantic Terminal Mall (Brooklyn) is used as a focal point around which to explore what lies beneath the collective shopping experiences of consumers across diverse ethnic and class backgrounds. This Target store has emerged as a defining location where residents from various neighborhoods converge to obtain their basic necessities. With the advent of gentrification across various neighborhoods bordering this location, the Target store itself has evolved into an engine of displacement for neighborhood stores. This latest work from Sponsored By Nobody is a chamber play for the American consumer – or – how we are able to buy what we want when we want.

SPONSORED BY NOBODY is a Brooklyn-based theatre company committed to developing original work that is relevant to contemporary America. Founded in 2005, SBN has established a reputation in New York for presenting abrasive, engaging theatre while refusing to relinquish the idea of art as a catalyst for social change. While rooted in theatre, SBN incorporates multiple disciplines in its work -- borrowing from dance, film, music and installation art -- while employing both found-texts and original writing."

"BEHIND THE BULLSEYE es una obra original de teatro interdisciplinario, que fusiona elementos de teatro, cine, periodismo y arte de instalación para examinar los hábitos de compra de los residentes de Brooklyn. La tienda Target del Atlantic Terminal Mall (Brooklyn) se utiliza como punto focal alrededor del cual se explora lo que yace debajo de las experiencias colectivas de compra de los consumidores a través de diversos orígenes étnicos y de clase. Esta tienda Target surge como un lugar que define, donde los residentes de varios barrios convergen para obtener sus compras básicas. Con el advenimiento de la gentrificación de varios barrios en derredor de esta ubicación, la tienda Target se convierte en un motor de desplazamiento para las tiendas de la colonia.  Este último trabajo de Sponsored By Nobody es una obra de teatro de cámara para el consumidor estadounidense, o "cómo podemos comprar lo que queremos cuando lo queremos."

SPONSORED BY NOBODY es una compañía de teatro con base en Brooklyn, dedicada a desarrollar trabajos originales que sean relevantes para la América contemporánea. Fundada en 2005, SBN se ha hecho de reputación en NuevaYork por su presentación de teatro abrasivo y cautivante, al mismo tiempo que se niega a renunciar a la idea del arte como catalizador para el cambio social. Si bien sus raíces están en el teatro, SBN incorpora múltiples disciplinas en su trabajo - tomando elementos de la danza, el cine, la música y el arte de instalación - al tiempo que emplea tanto textos ya existentes como escritos originales"

"Behind The Bullseye" por The Onthological-Hysteric Theatre Incubator.
(Foto de Gustavo Thomas. New York, 2010)

"Behind The Bullseye" por The Onthological-Hysteric Theatre Incubator.
(Foto de Gustavo Thomas. New York, 2010)

Después de ver la obra de teatro tomé algunas notas aisladas:

- Yo, espectador: Yo soy un consumidor, lo sé, y ellos lo saben.

- Se habla de todos nosotros como consumidores.

- Los vendedores: Nuestra vida está en sus manos, como empleados, como consumidores.

- El empleado obtiene poder, es dictatorial, es estúpido, es cruel; sabe que caerá y otro vendrá: vive la rueda shakespeariana del poder.

- Nuestra vida está en venta, pero no es nada que valga la pena.

- Un universo de supermercados podría ser una metáfora de nuestra propia vida, de nuestro propio universo.

- Nuestro caos es una obra de teatro para los grandes supermercados, nuestra vida también es un juego para ellos, pero ¿quién conoce a esos que juegan con nuestras vidas, con las ofertas que nos hacen soñar? Y nadie quiere saber quiénes son ellos.

- Todos nosotros vivimos en el mismo caos, ventas y ofertas, regateos, sueños sobre descuentos, sobre las nuevas adquisiciones dentro de las nuevas ventas.

- Somos sólo consumidores, lo sabemos y no podemos hacer nada para evitarlo.

- Los paquetes son objeto de entretenimiento, el cumplimiento de nuestra vida sencilla, los paquetes que nos dan color y formas.

- No tenemos más vida como pertenencia, y no recordamos cómo la hemos perdido dentro de un supermercado.

- Trabajar en un supermercado es una verdadera mierda.

Vi "Behind the Bullseye" durante un corto viaje a Nueva York en enero de 2010, en lo que era el espacio sede (y lo fue hasta finales de 2010) de "La incubadora del teatro ontológico-histérico', y eso era  dentro de un edificio adyacente a la iglesia de San Marcos (St. Mark's Church), en el East Village. Toda una experiencia para llegar a ese espacio, entre bandas de "darkys" y drogadictos, patios y jardines de una templo casi abandonado, en medio del bullicio del Village neoyorkino; experiencia que sólo puedo comparar con la de aquél camino que llevaba, alrededor de 1988, al teatro que estaba al lado de la iglesia de Santo Domingo, en el centro histórico de la ciudad de México, y que era sede del grupo La Rendija.

*

Me gustaría agregar un detalle curioso de esa noche: entre los 50 espectadores (más o menos) que estábamos en el teatro se encontraba Peter Brook, el director de escena inglés: más pequeño de estatura de lo que lo imaginaba, su cuerpo, aunque un tanto encorvado y rechoncho, poseía un andar un tanto energético; su cabello y piel eran de un blanco cuasi transparente, y sus ojos sólo podría describirlos como de un azul infinitamente claro.  No lo había notado durante la función, pero al final se quedó solo un momento, al parecer esperando a sus acompañantes que habían ido al baño; su vejez, ese caminar energético y su pequeña estatura fue lo que me llamó la atención; aunque nadie parecía abordarlo, mi mirada se cruzó con la suya en algún momento, y fue entonces que lo reconocí y él lo supo; no me acerqué ni lo saludé; llegaron sus acompañantes y salieron al poco rato. Parecía que estaba buscando una vez más en esa vanguardia que sólo las generaciones jóvenes del teatro pueden ofrecer. Bien por él.

*

Fotografías

Slideshow: "Behind the Bullseye" Onthological-Hysteric Theatre Incubator (2010)

Trailer of "Behind the Bullseye"

BEHIND THE BULLSEYE -- 2009/2010 promo trailer from Kevin Doyle on Vimeo.

"Mindflux": Richard Foreman y el Teatro experimental norteamericano de nuestra época.

Estoy muy interesado en compartir estos videos (desgraciadamente todos son en inglés) alrededor del nuevo film, "Mindflux", sobre al trabajo teatral de Richard Foreman, e inherentemente sobre el teatro experimental norteamericano a partir de los años 60, donde Foreman tuvo una tremenda influencia.

Richard Foreman ha sido un mito sin cabeza en mi vida educativa, con todo tipo de información que llegaba a mí proveniente de los Estados Unidos pero con muy poco contacto con la realidad teatral vivida en México y Latinoamerica, pero entre confusiones y la rala información he ido creando el pérfil de éste gran adolescente del teatro mundial, del creador lleno de libertad que es y de su respuesta a la envolvente sociedad de consumo (que incluye al teatro). Nunca he tenido la oportunidad de ver algún trabajo de Foreman en vivo, pero he estado presente en uno de sus espacios teatrales en Nueva York y visto espectáculos en lo que él ha ayudado o dado su consejería, y algo que he encontrado en ello, es gente pensante, abierta y crítica que expone sus ideas en una libertad de estilo.

Los videos mismos y le gente entrevistada en ellos hablan sobre el trabajo de Foreman y la influencia que tuvo en sus vidas, así que ayudarán a comprender su trabajo mucho más, pero nunca se pierde de vista el que él forma parte de todo un movimiento de teatro experimental que ha vivido en los Estados Unidos una de las luchas más amargas dentro del teatro mundial, donde si hay que decirlo, pareciera que simplemente no tiene lugar.

Video Trailer: Mindflux. A Film about Richard Foreman

mindFLUX Teaser from mindFLUX on Vimeo.

Exclusive bonus video from mindFLUX: "On Experimental Theater" from mindFLUX on Vimeo.
Eric Bogosian reflects upon the challenges of being in theater and the importance of knowing your audience.

Exclusive bonus video from mindFLUX: "Authentic Genius" from mindFLUX on Vimeo.
Academy Award winning actor F. Murray Abraham relays the significance of working with experimental playwright, director and designer Richard Foreman.

Exclusive bonus video from mindFLUX: Dafoe on Foreman from mindFLUX on Vimeo.
Actor Willem Dafoe, interviewed here in November 2009, describes working with Foreman in the 1980's.

Exclusive bonus video from mindFLUX: "What Did He See?" from mindFLUX on Vimeo.
Lili Taylor describes moving to NYC in the 1970's and tells of her first experience acting in a Richard Foreman play.

El legendario Teatro Wilbur en Boston.

"Ye Wilbur Theatre" fue su primer nombre cuando abrió en 1914 (Hoy se le llama solamente Wilbur Theatre). Situado en medio del centro histórico de Boston en la calle Tremor, fue diseñado por el famoso arquitecto de teatro Clarence Blackhal en el momento más alto de la época teatral de Boston. Su arquitectura es de las primeras inspirada en el estilo de la llamada arquitectura federal norteamericana (basada en la imitación de casas norteamericanas y oficinas federales que seguían cánones clasicos de elegancia, intimidad y simpleza) y no en la arquitectura europea como era la costumbre.

Ustedes se sorprenderán de las piezas que tuvieron su estreno mundial en este teatro: "Nuestro Pueblo" (Our Town) de Thornton Wilder, "Un Tranvía llamado deseo" (A Street Car Named Desire) de Tennessee Williams, y "Largo día de un viaje hacia la noche (Long Day's Journey Into Night) de Eugene O'Neill, entre otros.

En la actualidad el teatro funciona como escenario para teatro de comedia y conciertos musicales.

Aquí las fotografias que tomé del teatro en enero de 2010.

Slideshow: Photographs of Wilbur Theatre (Boston, January 2010)

Teatro y los primeros films americanos 2: Comedia. (Documentos sobre una olvidada forma de actuar)

Esta es la segunda entrada de la serie dedicada al "teatro y los primeros films americanos". Repito la introducción aparecida en la primera entrada.


Introducción

Como ya he hablado en otra entrada del Blog, "Sarah Bernhardt y Eleonora Duse, documentos audiovisuales en la red y una manera de extinta de actuar", las primeras películas mudas son verdaderos documentos sobre olvidadas formas de actuar. Hace unas semanas quedé gratamente sorprendido al encontrar en el sitio de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una gran colección de películas norteamericanas de finales del siglo XIX y principios del XX, la mayoría de ellas la simple transposición de representaciones teatrales breves o extractos de piezas de teatro: comedia, acrobacia, danza, melodramas e incluso algún tipo de tragedias .

La diferencia con otros cortos de cine filmado por Edison o Méliès (documentales o juegos de imágenes, trucos de cámara e incluso historias hechas especialmente para el cine) es que éstos que muestran en el sitio de la librería del congreso fueron realizados porque eran piezas de teatro o espectáculos interesantes para cualquier "escenario", interesantes para el ojo común, fueron escogidos porque eran un camino viable y práctico para el nuevo medio de comunicación visual, el cine; eran productos escénicos comunes y con cierto éxito en el teatro del momento, algunos de ellos basados en obras de teatro regularmente puestas en escena en la época. El cambio, si lo hay, al convertirlos en cine se da debido a la imposibilidad del usar el sonido y por lo tanto un texto para escuchar, pero en ningún momento se da apun el gran estilo del reconocido cine mudo de los años posteriores: en suma, estos cortos presentados aquí eran teatro puro, teatro que era filmado, el cambio aquí era sólo de lugar y no de estilo de actuación. Las dos principales compañías que se muestran, Mutoscope y la American Biograph, cambiaron su sencillo estilo de hacer las cosas cuando DW Griffith entró a dirigir Mutoscope y cuando ésta se unió a la compañía de Edison (con la compra por Edison de una gran parte de Mutoscope) para hacer un gran empresa conjunta.

Así pues, tenemos aquí algunos documentos sobre movimiento físico y actuaciones en el teatro de finales del siglo 19 y principios del 20. No se trata de grandes actores, ni siquiera de estrellas, sino de actores y artistas comúnes, y ahí creo radica su interés documental e histórico.

Podemos tranquilamente y con calma ver las posiciones de sus cuerpos, las cadenas de acciones físicas, los gestos, incluso reconocer el tempo y ritmo utilizados en la escena norteamerican hace más de un siglo.

Una vez más, y éste ha sido el objetivo de mi proyecto en el Blog, podemos observar los documentos expuestos como la muestra de una diferente forma de actuar, como un punto de referencia para reconocer lo que hemos llamado hasta hace unos años "buena actuación " y "mala actuación" durante la dictadura del realismo en el siglo 20.

Película cómicas


Esto es lo que el sitio de la Librerpia del congreso de estados Unidos dice sobre su colección de películas cómicas de antes de 1910 (en inglés en el original):

"Comic sketches

Comedy acts in various forms--including monologists, two-person acts with a straight man/woman and a comic foil--and broad farcical sketches were dominant forms of variety stage entertainment. When these comic sketches were translated to silent film, however, the important element of dialogue was omitted. The examples found in this collection, therefore, largely feature non-verbal humor that could be easily understood in screen.

While these examples are certainly typical of vaudeville humor, there is unfortunately no way of knowing whether these particular skits were actually performed on the stage. It is possible that some skits were adapted for use in these motion pictures or that only the less verbal parts of the acts were used. These motion pictures did, however, use typical vaudeville sets, humor, and stereotypical characters from the vaudeville stage.

Some of the acts featured in this collection were based on characters from comic strips, including Alphonse and Gaston, the Happy Hooligan , and Foxy Grandpa. These characters were also used in stage shows. (...)"

Alphonse and Gaston, corto cómico filmado en 1903

Happy Hooligan, corto cómico filmado en 1903

Teatro y los primeros films americanos 1: Vaudeville, Melodrama y Tragedia. (Documentos sobre una olvidada forma de actuar)

Introducción

Como ya he hablado en otra entrada del Blog, "Sarah Bernhardt y Eleonora Duse, documentos audiovisuales en la red y una manera de extinta de actuar", las primeras películas mudas son verdaderos documentos sobre olvidadas formas de actuar. Hace unas semanas quedé gratamente sorprendido al encontrar en el sitio de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una gran colección de películas norteamericanas de finales del siglo XIX y principios del XX, la mayoría de ellas la simple transposición de representaciones teatrales breves o extractos de piezas de teatro: comedia, acrobacia, danza, melodramas e incluso algún tipo de tragedias .

La diferencia con otros cortos de cine filmado por Edison o Méliès (documentales o juegos de imágenes, trucos de cámara e incluso historias hechas especialmente para el cine) es que éstos que muestran en el sitio de la librería del congreso fueron realizados porque eran piezas de teatro o espectáculos interesantes para cualquier "escenario", interesantes para el ojo común, fueron escogidos porque eran un camino viable y práctico para el nuevo medio de comunicación visual, el cine; eran productos escénicos comunes y con cierto éxito en el teatro del momento, algunos de ellos basados en obras de teatro regularmente puestas en escena en la época. El cambio, si lo hay, al convertirlos en cine se da debido a la imposibilidad del usar el sonido y por lo tanto un texto para escuchar, pero en ningún momento se da apun el gran estilo del reconocido cine mudo de los años posteriores: en suma, estos cortos presentados aquí eran teatro puro, teatro que era filmado, el cambio aquí era sólo de lugar y no de estilo de actuación. Las dos principales compañías que se muestran, Mutoscope y la American Biograph, cambiaron su sencillo estilo de hacer las cosas cuando DW Griffith entró a dirigir Mutoscope y cuando ésta se unió a la compañía de Edison (con la compra por Edison de una gran parte de Mutoscope) para hacer un gran empresa conjunta.

Así pues, tenemos aquí algunos documentos sobre movimiento físico y actuaciones en el teatro de finales del siglo 19 y principios del 20. No se trata de grandes actores, ni siquiera de estrellas, sino de actores y artistas comúnes, y ahí creo radica su interés documental e histórico.

Podemos tranquilamente y con calma ver las posiciones de sus cuerpos, las cadenas de acciones físicas, los gestos, incluso reconocer el tempo y ritmo utilizados en la escena norteamerican hace más de un siglo.

Una vez más, y éste ha sido el objetivo de mi proyecto en el Blog, podemos observar los documentos expuestos como la muestra de una diferente forma de actuar, como un punto de referencia para reconocer lo que hemos llamado hasta hace unos años "buena actuación " y "mala actuación" durante la dictadura del realismo en el siglo 20.



Vaudeville, melodrama y tragedia.


Esto es lo que la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos dice en su sitio referente a las siguientes películas (en inglés en el original):


"Dramatic excerpts, dramatic sketches, and tableaus

Short dramatic sketches or scenes from long dramatic pieces were often performed as vaudeville "turns," or acts. The examples in this category, "Duel Scene, By Right of Sword' ," "A Ballroom Tragedy," and "The Society Raffles ," are typical of the fare seen on the stage during this period. The latter two were obviously chosen because of the strong visual qualities of their stories. "Fights of Nations" is a patriotic piece that features a series of vignettes leading to a grand finale that conveys the philosophy of the United States as a melting pot. (Several nations are depicted through stereotypes in a series of altercations that culminate in the peaceful representation of a United States with Uncle Sam presiding over all. Notably absent from this final peaceful picture are African-Americans; a Native American woman is shown kneeling in a subjugated position.)

Tableaus, or living pictures, were also popular on the vaudeville stage. While "Spirit of '76" is not technically considered a tableau because it incorporates movement, it still serves as a representative sample of famous scenes being brought to life on stage--in this case, the well-known painting by Archibald M. Willard."

The Society Raffles, a vaudeville filmed in 1905

El siguiente film, "Tragedia en el salón de baile" (Ballroom Tragedy), muestra un muy interesante momento: después que la celosa mujer ha apuñalado a su adversaria en amores, detiene su movimiento y mantiene su postura por unos instantes, durante esa "detención" nos muestra claramente el cuchillo y su angustia por haber asesinado a alguien, después retoma la acción y huye saliendo de escena. Esta escena hoy ridiculizada en cualquier medio occidental nos recuerda un recurso usado en la mayoría de los teatros orientales, desde el Kabuki hasta la ópera china, la "detención" durante un momento de máximo climax.

Ballroom Tragedy, a performance filmed in 1905


A Duel, an American vaudeville filmed in 1904


Fights of nations (Part 1) an American drama filmed in 1907


Fights of nations (Part 2) an American drama filmed in 1908


Fights of nations (Part 3) an American drama filmed in 1909