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miércoles, 27 de mayo de 2009

Leni Riefenstahl y la danza que la llevó a Hitler.

Todas las fotografias y videos aparecidos en este Blog fueron obtenidos a través del Internet, su uso es exclusivamente informativo y referencial.




Lo más bello que he visto en una película ha sido la danza del mar de Leni Riefenstahl en La montaña sagrada
Adolf Hitler (1)




De niño aprendí que las escenas que veía de la época nazi habían sido creadas por una sola mujer, Leni Riefenstahl. Yo acostumbraba guardar en mi memoria toda la información sobre Alemania por aquello del mítico origen de una parte de la familia de mi padre, mi bisabuelo había formado parte de una ola de inmigrantes alemanes que habían llegado a México a principios de siglo; como no quedaba mucho de esos orígenes, cualquier dato cercano a lo alemán era primordial para reconocerlos, y las escenas de una Alemania mítica, fueran nazis o no, venían con las tomas de la Riefenstahl. Con el tiempo aprendí de la derrota alemana en la segunda guerra mundial, y que aquella mujer-artista estaba vetada en el mundo del arte debido a su contacto con Hitler; aprendí que no podría ver ninguna de sus películas pues estaban prohibidas, y que su pasado había acabo totalmente con su carrera cinematográfica (2). El tiempo y la constancia de una creadora maravillosa difuminaron esas prohibiciones y vetos, y aunque fue después de su muerte (en 2003, a los 101 años de vida), Leni y yo pudimos al fin conocernos (3).

En algún momento de los años 90 se publicaron las memorias de Leni Riefenstahl traducidas al español (Lumen publicó una edición en 1991); cuando quise ir a comprar el libro descubrí que había sido retirado de todas las librerías en menos de un mes, digo retirado porque no podía imaginar que en México se hubiera agotado un libro de memorias de una cineasta “desconocida” para la mayor parte de los mexicanos, a excepción de los cineastas de profesión; yo había en mi camino preguntado si no a todos sí a la mayoría de mis amigos artistas e intelectuales sobre ella y nadie, absolutamente nadie la conocía. El libro habia sido retirado porque no se había vendido, así de simple.

Fue hasta el año 2006 en Pekín que encontré en aquella ya mítica tienda de DVDs piratas, en el barrio de Sanlitun, una versión de la edición japonesa de sus obras completas más algunos documentales sobre su vida y sus últimos trabajos; aparte de algunos problemas debido a la calidad de la copia, la colección me fue de una gran utilidad para conocer de ella la mayor parte de su producción fílmica y parte de su vida.

En mi última vista a Nueva York en enero de éste 2009, descubrí sus memorias en la que llaman “la libreria más grande del mundo”, Strand Book Store, un almacén repleto de libros de segunda mano que es una delciia para cualquier aficionado a la lectura; ésta era la primera edición norteamericana, publicada en 1993: “Leni Riefenstahl. A Memoir.

Aquellas memorias son un verdadero testamento aclaratorio sobre todos los malentendidos, leyendas y mentiras que han envuelto la vida de esta creadora fílmica desde su contacto con el hombre más poderoso del mundo en los años 30 del siglo XX y hasta el fin de la segunda guerra mundial. Sin olvidar el lado morboso de conocer las versiones de la historia de la Riefenstahl, la lectura de esta obra es un fascinante encuentro con la creación cinematográfica (secretos de edicion, iluminación y formas de trabajo), y un encuentro con la historia del siglo XX; envuelta en detalles pocas veces reconocibles desde el punto de vista de los “perdedores” de la gran última guerra. Otra cosa hubiera sido de la fama y la vida de Leni Riefenstahl de haber ganado Alemania.

Descubrimos entonces a la Riefenstahl directora de cine, pero también a la fotógrafa, a la viajera, y lo que me hace escribir esta entrada, a la bailarina.


Iniciando su carrera artística como bailarina, Leni llegó al cine por la danza misma, de ahí a la creación cinematográfica y a su conctacto con Hitler. Aún cuando se inició tarde en el mundo de la danza (empezó a estudiarla a los 19 años), fue una bailarina con una cierta fama, dió recitales en varias partes de Europa con cierto éxito pero se mantuvo “aislada” de los eventos dancísticos de primer orden del momento. En la historia de la danza europea prácticamente no hay palabras para la presencia de la Riefenstahl en sus escenarios (No lo hay tampoco, claro está, para las estrellas de los ballets alemanes que decidieron quedarse al lado de los nazis y eran auspiciadas por su ministerio de cultura). Aún así no deja de haber tenido contacto con escuelas y teatro importantísimos de su época, tales como el considerado el teatro más importante de Alemania en su momento el “Deustches Theater” de Max Reinhardt (4), quien la contrató para trabajar bailando “solos”, y quien además la quería para su versión de la Pentesilea de Kleist. Así, bailando y encantando personalidades con su actuación, llegó también a Hitler.

Ella misma, en sus memorias, nos cuenta como Wilhelm Brückner, secretario de Hitler, la contactó porque Hitler mismo quería conocerla; según Riefenstahl y parafraseando a Brückner, Hitler decía:

Lo más bello que he visto en una película ha sido la danza del mar de Leni Riefenstahl en La montaña sagrada(ver nota 1)

“La danza del mar” es una secuencia dentro de la película “La montaña sagrada” (Der Heilige Berg) dirigida por Arnold Fanck (5). En ella, vemos a la Riefenstahl bailando en una coreografía de lo que denominaríamos ‘danza moderna”, más cercana al tipo de danza del estilo de Isadora Duncan que de los estilos expresionistas que se daban en esos años en Alemania. Un montaje de esa danza moderna que reinterpretaba a la danza griega, con movimientos que ofrecían libertad e idealismo, todo frente a paisajes marinos alemanes, nada más adecuado para atraer la atención de un líder politico que adoraba la idea de un renacimiento clásico, esta vez en el arte y la cultura alemana.


Leni Riefenstahl cuenta en sus memorias sobre ese su primer encuentro con Adolf Hitler y “la danza al mar”:

Caminábamos en la playa, Brückner y Schaub nos seguían detrás a corta distancia. El mar estaba en calma y había un aire cálido fuera de temporada. Hitler miraba al horizonte con sus binoculares y me comentó sobre varios tipos de barcos que él podía ver, y yo tuve la impresión que hablaba de ello con mucho conocimiento. De pronto, comenzó a hablar sobre mis películas. Me hizo entusiastas comentarios sobre mi “danza del mar” y me dijo que había visto todos las peliculas en las que yo había aparecido.(6)

Es un encuentro mítico claro está, un encuentro de gigantes de la historia, enamorado él de la obra creativa de ella (tal vez de ella misma también) y ella arrobada por la personalidad de aquél (núnca lo negó).


En la misma película aparecen otras tres danzas, "Danza al mar" esta vez sobre la escena, "Sueño que florece", y "Devoción", que terminan para nosotros siendo un muy interesante documento sobre un estilo de bailar y de representar en la Alemania de los años 20 del siglo pasado.

Video: Danza “Traumblüte” (Sueño que florece) Leni Riefenstahl en “La montaña sagrada” 1926




Video: Danza “Hingebung” (Devoción) Leni Riefenstahl en “La Montaña sagrada” 1926





Una lesión en la rodilla la obligó a tomar la decisión de dedicarse completamente a actuar y a dirigir cine, olvidando los recitales de danza para siempre (7); decisión considerada afortunada al menos para la historia del cine.

¿Qué hubiera sido de la Riefenstahl de haber seguido bailando? Tal vez no mucho, propensa a las lesiones su carrera definitivamente iba a truncarse en pocos años, además no poseía un verdadero cuerpo de bailarina y sus movimientos, a excepción de algunos momentos afortunados, era en general pesado y poco ágil. Podemos achacar estas impresiones al material fílmico de la época pero creo más bien que estamos ante el ejemplo de una exitosa carrera de bailarina debido a la personalidad más que a la habilidad técnica y creativa; aún así, las escenas filmadas con ella bailando tienen un gran impacto en quien las observa. La belleza de esa "danza al mar" es una combinación de juegos de edición y cámara sumada a una fuerza que emana la danza de Leni; es una danza mítica poco antes de unos de los años más convulsivos de la historia de la humanidad.

La belleza y la personalidad de Leni Riefenstahl, bailase bien o no, iban destinadas al estrellato y a la historia.




(1)The most beautiful thing I have ever seen in a film was Riefenstahl’s dance on the sea in The Holy Mountain” Palabras de Adolf Hitler. Leni Riefenstahl parafraseando Wilhelm Brückner, ayudante de Hitler. Leni Riefenstahl, A Memoir. St. Martin’s Press. Newy York, USA, 1993.
(2) ”Olympia” podía ser vista en cineclubs y algunas instituciones públicas, pero núnca estuvieron a mi alcance durante mi infancia y adolescencia. Sus tomas podían ser vistas en noticieros especialmente cuando se hablaba de las olimpiadas y de la época nazi.
(3) Leni Riefenstahl encontró trabajo primero fotografiando y filmando tribus africanas y al final de su vida filmando corales en el Caribe y Las Maldivas.
(4) Reinhardt, judío él mismo, tuvo que dejar Alemania durante la persecución nazi.
(5) ”Der Heilige Berg” 1926. la secuencia es llamada en alemán “Tanz an das Meer”.
(6) "We walked on the beach, Brückner and Schaub following a short distance behind. The sea was calm and the air unseasonably warm. Hitler looked out the horizon through his binoculars and told me about the various types of boats he could see, and I had the impression that he was quite knowledgeable about them. Soon, however, he began to speak about my films. He made enthusiastic comments about my “dance on the sea” and told me he had seen all the films I had appeared in.” Leni Riefenstahl, A Memoir. St. Martin’s Press. Newy York, USA, 1993.

(7) Su última aparición como bilarina es en su película "Tiefland", donde baila una coreografía de flamenco.

domingo, 26 de abril de 2009

Teatro y los primeros films americanos 2: Comedia. (Documentos sobre una olvidada forma de actuar)

Esta es la segunda entrada de la serie dedicada al "teatro y los primeros films americanos". Repito la introducción aparecida en la primera entrada.


Introducción


Como ya he hablado en otra entrada del Blog, "Sarah Bernhardt y Eleonora Duse, documentos audiovisuales en la red y una manera de extinta de actuar", las primeras películas mudas son verdaderos documentos sobre olvidadas formas de actuar. Hace unas semanas quedé gratamente sorprendido al encontrar en el sitio de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una gran colección de películas norteamericanas de finales del siglo XIX y principios del XX, la mayoría de ellas la simple transposición de representaciones teatrales breves o extractos de piezas de teatro: comedia, acrobacia, danza, melodramas e incluso algún tipo de tragedias .

La diferencia con otros cortos de cine filmado por Edison o Méliès (documentales o juegos de imágenes, trucos de cámara e incluso historias hechas especialmente para el cine) es que éstos que muestran en el sitio de la librería del congreso fueron realizados porque eran piezas de teatro o espectáculos interesantes para cualquier "escenario", interesantes para el ojo común, fueron escogidos porque eran un camino viable y práctico para el nuevo medio de comunicación visual, el cine; eran productos escénicos comunes y con cierto éxito en el teatro del momento, algunos de ellos basados en obras de teatro regularmente puestas en escena en la época. El cambio, si lo hay, al convertirlos en cine se da debido a la imposibilidad del usar el sonido y por lo tanto un texto para escuchar, pero en ningún momento se da apun el gran estilo del reconocido cine mudo de los años posteriores: en suma, estos cortos presentados aquí eran teatro puro, teatro que era filmado, el cambio aquí era sólo de lugar y no de estilo de actuación. Las dos principales compañías que se muestran, Mutoscope y la American Biograph, cambiaron su sencillo estilo de hacer las cosas cuando DW Griffith entró a dirigir Mutoscope y cuando ésta se unió a la compañía de Edison (con la compra por Edison de una gran parte de Mutoscope) para hacer un gran empresa conjunta.

Así pues, tenemos aquí algunos documentos sobre movimiento físico y actuaciones en el teatro de finales del siglo 19 y principios del 20. No se trata de grandes actores, ni siquiera de estrellas, sino de actores y artistas comúnes, y ahí creo radica su interés documental e histórico.

Podemos tranquilamente y con calma ver las posiciones de sus cuerpos, las cadenas de acciones físicas, los gestos, incluso reconocer el tempo y ritmo utilizados en la escena norteamerican hace más de un siglo.

Una vez más, y éste ha sido el objetivo de mi proyecto en el Blog, podemos observar los documentos expuestos como la muestra de una diferente forma de actuar, como un punto de referencia para reconocer lo que hemos llamado hasta hace unos años "buena actuación " y "mala actuación" durante la dictadura del realismo en el siglo 20.


Película cómicas


Esto es lo que el sitio de la Librerpia del congreso de estados Unidos dice sobre su colección de películas cómicas de antes de 1910 (en inglés en el original):


Comedy acts in various forms--including monologists, two-person acts with a straight man/woman and a comic foil--and broad farcical sketches were dominant forms of variety stage entertainment. When these comic sketches were translated to silent film, however, the important element of dialogue was omitted. The examples found in this collection, therefore, largely feature non-verbal humor that could be easily understood in screen.

While these examples are certainly typical of vaudeville humor, there is unfortunately no way of knowing whether these particular skits were actually performed on the stage. It is possible that some skits were adapted for use in these motion pictures or that only the less verbal parts of the acts were used. These motion pictures did, however, use typical vaudeville sets, humor, and stereotypical characters from the vaudeville stage.

Some of the acts featured in this collection were based on characters from comic strips, including Alphonse and Gaston, the Happy Hooligan , and Foxy Grandpa. These characters were also used in stage shows. (...)"


Alphonse and Gaston, corto cómico filmado en 1903




martes, 24 de marzo de 2009

Teatro y los primeros films americanos 1: Vaudeville, Melodrama y Tragedia. (Documentos sobre una olvidada forma de actuar)



Introducción


Como ya he hablado en otra entrada del Blog, "Sarah Bernhardt y Eleonora Duse, documentos audiovisuales en la red y una manera de extinta de actuar", las primeras películas mudas son verdaderos documentos sobre olvidadas formas de actuar. Hace unas semanas quedé gratamente sorprendido al encontrar en el sitio de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una gran colección de películas norteamericanas de finales del siglo XIX y principios del XX, la mayoría de ellas la simple transposición de representaciones teatrales breves o extractos de piezas de teatro: comedia, acrobacia, danza, melodramas e incluso algún tipo de tragedias .

La diferencia con otros cortos de cine filmado por Edison o Méliès (documentales o juegos de imágenes, trucos de cámara e incluso historias hechas especialmente para el cine) es que éstos que muestran en el sitio de la librería del congreso fueron realizados porque eran piezas de teatro o espectáculos interesantes para cualquier "escenario", interesantes para el ojo común, fueron escogidos porque eran un camino viable y práctico para el nuevo medio de comunicación visual, el cine; eran productos escénicos comunes y con cierto éxito en el teatro del momento, algunos de ellos basados en obras de teatro regularmente puestas en escena en la época. El cambio, si lo hay, al convertirlos en cine se da debido a la imposibilidad del usar el sonido y por lo tanto un texto para escuchar, pero en ningún momento se da apun el gran estilo del reconocido cine mudo de los años posteriores: en suma, estos cortos presentados aquí eran teatro puro, teatro que era filmado, el cambio aquí era sólo de lugar y no de estilo de actuación. Las dos principales compañías que se muestran, Mutoscope y la American Biograph, cambiaron su sencillo estilo de hacer las cosas cuando DW Griffith entró a dirigir Mutoscope y cuando ésta se unió a la compañía de Edison (con la compra por Edison de una gran parte de Mutoscope) para hacer un gran empresa conjunta.

Así pues, tenemos aquí algunos documentos sobre movimiento físico y actuaciones en el teatro de finales del siglo 19 y principios del 20. No se trata de grandes actores, ni siquiera de estrellas, sino de actores y artistas comúnes, y ahí creo radica su interés documental e histórico.

Podemos tranquilamente y con calma ver las posiciones de sus cuerpos, las cadenas de acciones físicas, los gestos, incluso reconocer el tempo y ritmo utilizados en la escena norteamerican hace más de un siglo.

Una vez más, y éste ha sido el objetivo de mi proyecto en el Blog, podemos observar los documentos expuestos como la muestra de una diferente forma de actuar, como un punto de referencia para reconocer lo que hemos llamado hasta hace unos años "buena actuación " y "mala actuación" durante la dictadura del realismo en el siglo 20.



Vaudeville, melodrama y tragedia.


Esto es lo que la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos dice en su sitio referente a las siguientes películas (en inglés en el original):


"Dramatic excerpts, dramatic sketches, and tableaus

Short dramatic sketches or scenes from long dramatic pieces were often performed as vaudeville "turns," or acts. The examples in this category, "Duel Scene, By Right of Sword' ," "A Ballroom Tragedy," and "The Society Raffles ," are typical of the fare seen on the stage during this period. The latter two were obviously chosen because of the strong visual qualities of their stories. "Fights of Nations" is a patriotic piece that features a series of vignettes leading to a grand finale that conveys the philosophy of the United States as a melting pot. (Several nations are depicted through stereotypes in a series of altercations that culminate in the peaceful representation of a United States with Uncle Sam presiding over all. Notably absent from this final peaceful picture are African-Americans; a Native American woman is shown kneeling in a subjugated position.)

Tableaus, or living pictures, were also popular on the vaudeville stage. While "Spirit of '76" is not technically considered a tableau because it incorporates movement, it still serves as a representative sample of famous scenes being brought to life on stage--in this case, the well-known painting by Archibald M. Willard."


The Society Raffles, a vaudeville filmed in 1905




El siguiente film, "Tragedia en el salón de baile" (Ballroom Tragedy), muestra un muy interesante momento: después que la celosa mujer ha apuñalado a su adversaria en amores, detiene su movimiento y mantiene su postura por unos instantes, durante esa "detención" nos muestra claramente el cuchillo y su angustia por haber asesinado a alguien, después retoma la acción y huye saliendo de escena. Esta escena hoy ridiculizada en cualquier medio occidental nos recuerda un recurso usado en la mayoría de los teatros orientales, desde el Kabuki hasta la ópera china, la "detención" durante un momento de máximo climax.



Ballroom Tragedy, a performance filmed in 1905


A Duel, an American vaudeville filmed in 1904


Fights of nations (Part 1) an American drama filmed in 1907


Fights of nations (Part 2) an American drama filmed in 1908


Fights of nations (Part 3) an American drama filmed in 1909







miércoles, 26 de marzo de 2008

Un nuevo video con Sarah Bernhardt en escena: Le Duel d'Hamlet

Añado este video, recientement subido a Youtube, a mi entrada del 9 de enero de 2008: Sarah Bernhardt y Eleonora Duse. El documento audiovisual en la red y comparaciones de una forma extinta de actuar.


Sarah Bernhardt actuando Hamlet (1900)




La página de Yotuube tiene la siguiente nota (original en inglés):

"Uno de una serie de films sobre puestas en escena producidos por el "Phono-Cinéma-Théâtre" para la exposición de París de 1900. Los filmes fueron sincronizados con grabaciones fonográficas, sin embargo en el caso de este film la grabación (hoy perdida) se cree que haya sido solamente el sonido del chocar de las espadas."


- Nota original en inglés:

"One of a series of films of stars of the stage produced for the Phono-Cinéma-Théâtre at the Paris Exposition of 1900. The films were synchronised with phonograph recordings although in the case of this film the recording (now lost) is believed to have been the sound effect of the sword clashes."


Gustavo Thomas. Get yours at bighugelabs.com

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