domingo, 28 de marzo de 2010

"On the side of the road", una función de teatro en Toronto

Ayer por la noche ví una curiosa producción de Theatre Junction (Calgary), "On the side of the road", en el Teatro Fleck Dance de Toronto.

Una producción teatral en la que reconocí una especie de Happening pero contado todo de una manera muy común en e teatro norteamericano, como un cuentacuentos: monólogos de los personajes donde todo el tiempo se dirigen al público contando sus versiones de la historia que se trata y sus puntos de vista sobre cualquier otra cosa (que el dramaturgo considera relacionada, claro), intercalando algunas escenas dramatizadas.

Un obra con un estilo muy abierto de dirección, donde todo puede pasar en escena: música en vivo, canto, danza, escultura y actuaciones en francés e inglés, todos se mezclan y puedo decir que casi siempre con éxito.

Lo que me parece más interesante, y ese es mi propio punto de vista, es que dentro de la obra se perciben las raíces canadienses; es una historia canadiense con personajes canadienses (uno de ellos es francés) con atmósferas muy del Canadá, donde venados, lagos y árboles son también símbolos, medios de comprender la vida y algo más que simples objetos de interés.

Sucedió que fuí a verla y sucedió que me gustó.

Ahora que ya me limpié de palabras de opinión puedo, sin culpa, seguir repitiendo la canción final:

"I am a deer, deer, I am a deer!..." (Yo soy un venado, venado, yo soy un venado.)






Theatre Junction page: http://www.theatrejunction.com/

sábado, 27 de marzo de 2010

Antiguo documento con imágenes de una representación de danza Bugaku




Compartiendo un grupo de fotografías (y un video) tomadas durante mi visita, en 2008, al Museo Nacional de Japón en Tokio: un antiguo rollo con imágenes de una representación de danza Bugaku. Publico además otro video (éste no mío) como un ejemplo de esta danza japonesa de corte durante una ceremonia religiosa en el Japón moderno.





miércoles, 24 de marzo de 2010

"Sunset Boulevard", un ejemplo del apoyo Peso degradado, según González Caballero.




Durante nuestras sesiones del método de actuación, dentro del apartado de Ibsen o Realismo ibseniano, González Caballero gustaba de hablar de cine para ejemplificar algunas facetas del Apoyo Peso escénico; cuando se refería al Apoyo Peso degradado continuamente mencionaba el ejemplo de Gloria Swanson en Sunset Boulevard (1950): Gloria Swanson, una muy importante figura del cine mudo (caída casi en olvido debido a la llegada del cine sonoro), actuaba a su vez la historia de un personaje actriz estrella del cine mudo, Norma Desman, que después de 20 años sin hacer cine (también debido a la llegada del sonido al medio) hace esfuerzos extremos por regresar a trabajar sin lograrlo, la degradación del personaje es el soporte de la anécdota de la película.

La mayoría de nosotros no había visto la película y en aquél tiempo era un tanto difícil encontrarla en cineclubs o videotecas, así que nos quedábamos con el ejemplo en nuestra imaginación a partir de lo que González Caballero nos contaba, especialmente de la última escena: después de haber asesinado a su mucho más joven amante y ante la vista de los fotógrafos y periodistas que la buscan por ser motivo de escándalo criminal, Norma Desmand baja por las monumentales escaleras de su casa con la idea de que está volviendo a filmar en un estudio de la Paramount.

González Caballero decía que la personalidad degradada (Peso degradado) del personaje se mezclaba con la historia real de la Swanson, y la escena se volvía de un peso extraordinario para la época, por otro lado escena mítica del cine mundial. Aquél momento era el momento de una exposición de la Peso degradado "en estado puro", según las palabras que recuerdo de él.



Gracias a la llegada del internet y de los archivos fílmicos expuestos a todos, he podido volver a ver el film dirigido por Billy Wilder e incluso encontrar la escena final de la película en Youtube, la escena que nos ponía como ejemplo González Caballero.


*


El libro del método de actuación de Antonio González Caballero está a la venta solamente a través de Internet, y en dos sitios: Amazon.com: http://www.amazon.com/Actuación-Antonio-González-Caballero-Spanish/dp/1466261919 CreateSpace: https://www.createspace.com/3677417



domingo, 21 de marzo de 2010

Danza Baris Gede en Bali




En los años 30 del siglo pasado Miguel Covarrubias escribió (originalmente en inglés) sobre la danza guerrera llamada Baris Gede:


"Una indispensable parte de las festividades rituales de las antiguas aldeas es la baris gedé, una imponente danza guerrera en la que entre 10 y 12 guerreros de edad madura, con sus cabezas cubiertas con flores, vistiendo mascadas mágicas, y llevando largas lanzas con plumas de pavoreal en la punta, danzan en dos filas, gesticulando impresionantes poses heróicas hasta el momento en que la música se torna violenta y se comienza una batalla coreografiada utilizando sus lanzas de color negro y plata.
(...)
La música del baris es tocada por un gamelan gong, que consisten en brillantes golpes melódicos estandarizados con contrastantes interludios que marcan los pasos y el estado de ánimo que lleva el danzante. Cada parte de su cuerpo, desde sus dedos de los pies hasta las puntas de los dedos de sus manos, está en acción durante la danza. Cada músculo de su cara es controlado a voluntad para ofrecer una cascada de pasiones expresada por el facilmente enfurecible guerrero; una expresión de admiración y maravilla ante un mundo invisible y mágico a su alrededor, sorpresa y rabia ante enemigos imaginarios, placer, ternura, y amor. Pero ante el crecimiento de la música en su intensidad y violencia, el danzante deviene cada vez más y más tenso físicamente, elevándose sobre sus dedos de los pies hasta dar una impresión de que ha crecido en altura; sus ojos parecieran a punto de ser lanzados de sus órbitas, su cuerpo completo tiembla provocando que las flores del tocado de su cabeza se sacudan violentamente. Así, sobre sus dedos de los pies y con todo su cuerpo en extrema tensión nerviosa, golpea sus muslos y apunta a su enemigo con un dedo acusador soltando un grito salvaje de "¡Wah!" "¡Adoh, adoh!". Saca su cuchillo (kris) y se pavonea agresivamente ante su enemigo quien al mismo tiempo se le acerca; antes de encontrarse, los dos se detienen desafiantes, uno al otro se maldicen, y cuando la pelea llega los bailarines bailan un estilizado duelo musical con la gracia de un felino salvaje; el final de la danza se marca con la retirada de uno de los personajes derrotados." (Island of Bali (2))

Con la misma intensión Covarrubias trató de describir esta danza a través de dibujos, pintando cada movimiento-postura básicos (haz click en la imagen para verla en mejor tamaño). Hay que notar la atención especial que Covarrubias prestó al mostrar aquellas tensiones en los hombros y dedos del bailarín de baris gede, además de las muy especiales y únicas posturas del cuerpo durante la danza:


En el siguiente video se muestran escenas del documental que Covarrubias filmó en los años 30 del siglo pasado, una representación de baris gede durante una festividad en Bali. El original es sin sonido, la música y la narración fueron añadidos en 2004; el narrador nos lee un pasaje del libro de Covarrubias, Island of Bali, en la parte donde se describe la danza baris gede:




Durante mi viaje a Bali en julio de 2009 perdí la oportunidad de ver una representación de baris bedil, que es una variación de baris gede que se baila en la zona de Bangli. Llegamos tarde a una ceremonia en el templo Malangting, festividad dedicada a la gente que trabajaba vendiendo en el mercado y que en ese día se marcaba especialmente debido a un eclipse solar. Sólo pude observar la salida de la gente del templo y la procesión alrededor del pueblo, así que el video y las fotografías que tomé nos muestran a los bailarines de baris bedil y los músicos de la orquesta gamelan saliendo a la procesión (que en sí misma es muy bella y un tanto impresionante). Al menos ustedes pueden compararla con las imágenes de una procesión similar que Covarrubias filmó también y que publico más adelante. Entre las especiales características de la danza baris bedel es que en vez de usar lanzas los bailarines utilizan rifles de madera. (2)






Ahora les ofrezco un video (no mío, pero grabado sólo un mes antes de mi visita a Bali) de una representación de Baris Gede, esta vez en el pueblo de Klungkung. Después de 80 años la danza mantiene prácticamente la misma coreografía.


Video: Baris Gede Dance performance. Klungkung, Bali. June, 2009.


Covarrubias en su libro menciona 4 tipos de danza Baris: Baris Gede (danza ritual), Baris Pendét (dnaza secular), Baris Tumbak (danza ritual) and Baris Tekok (danza ritual). Hoy en Bali pueden contarse alrededor de 30 diferentes tipos de esta danza, la mayoría de ellas danzas rituales, sin embargo una variación de Baris pandét, la danza secular, se ha convertido en una de las más conocidas danzas balinesas alrededor del mundo, la llamada Baris Tunngal, y es una función que ví de esa danza en el Palacio real de Ubud el tema de mi siguiente entrada del Blog.







(1) Traducción libre de autor del Blog del texto en "Island of Bali" de Miguel Covarrubias.
(2) En esta foto de Garrett Kam (Balinese Dance, Drama and Music. A Guide to the Performing Arts of Bali) ustedes pueden ver muy bien como los bailarines de baris bedel en Bangli bailan con rifles de madera en vez de lanzas.


miércoles, 17 de marzo de 2010

"Loin", Rachid Ouramdane en el Teatro Enwave de Toronto


Hace unos días fui testigo de un extraño viaje que se mostraba como un espectáculo.

Era un espectáculo con una instalación como escenografía pero también con una instalación como su estructura misma, casi una estructura dramática.

Imaginen una instalación audiovisual en donde ustedes escuchan música y poemas, donde ustedes pueden ver imágenes a través de video y además ver y escuchar a diferentes personas que son entrevistadas para hablar sobre su pasado, un pasado terrible.

Imaginen a un bailarín como un poeta que a veces baila sobre la escena, pero la mayoría del tiempo se mueve en cámara lenta, como en un training grotowskiano, apretando botones que encienden música, video o un micrófono. El poeta recita sus poemas de una manera rápida y monótona, poemas con imágenes fuertes de su pasado e imágenes de su último viaje a Indochina.

Imagina a este poeta como un bailarín que danza con belleza y maestría haciendo sólo movimientos con sus manos en un fondo oscuro, y que entonces sólo podrán ver esas manos en movimiento, como en las fotografías se ven las líneas de luz en una noche de ciudad exponiendo su desplazamiento.

Rachid Ouramdane danza muy poco su poesía, él prefiere exponerla a través de sus palabras rápidas y monótonas, y de imágenes en video, contando e imitando el viaje del destino de su padre a Indochina, 50 años atrás; Rachid nos expone todo sobre esos viajes que lo enfrentan a sus orígenes como si estuviéramos en una galería de arte, exhibiéndose.

Imaginen que no pueden sentir ninguna identificación con Rachid porque él nunca abre la puerta para ello. Aquí no hay lugar para la teoría brechtiana del distanciamiento, este espectáculo es sólo una exposición, lejos del teatro y del drama, es una instalación en movimiento, una instalación sobre la escena que habla y que también baila.

Esta es la primera vez que tengo la experiencia de ver un espectáculo de danza con este tipo de estructura de montaje y quedo de los más intrigado de saber qué es lo que pasará con ella en el futuro.

¿Debería agregar que me gustó "Loin"?



No se permite video dentro del teatro así que sólo puedo presentar algo que encontré en Yotube donde verán un muy pequeño extracto de "Loin" y de otro espectáculo, y una entrevitsa con Rachid Ouramdane sobre su trabajo:


Marlon Barrios Solano de Dancetech. net me proveyó de el siguiente video con una entrevista con Rachid hablando
sobre el montaje y con imágenes de "Loin".

Watch live streaming video from dancetechtv at livestream.com

domingo, 14 de marzo de 2010

Un nuevo canal con los archivos audiovisuales del Odin Teatret en Youtube.




Desde que era estudiante del entrenamiento basado en las investigaciones de Grotowski y los principios de la Antropología teatral soñaba con la idea de que Eugenio Barba y Jerzy Grotowski abrieran las puertas de sus archivos a todo el mundo y nos dejaran ver sus piezas, sus ensayos, sus encuentros y sus ideas puestas en práctica. Grotowski murió y no sabemos si sus herederos (tan cerrados a la vida social como lo era Grotowski) contemplen la idea, pero Eugenio y el Odin Teatret ya lo hicieron y hace unos días descubrí que abrieron un canal de Youtube, Odin Tetaret Archives 1, desde septiembre de 2009. ¡Fantástico!

Ahora todos podemos entrar a la página de Youtube y observar cuantas veces lo deseemos imágenes históricas de sus espectáculos, de sus investigaciones y de sus amigos, videos de sus diferentes tipos de entrenamiento durante sus 40 años de desarrollo, imágenes y entrevistas sobre la Escuela Internacional de Teatro Antropológico (o ISTA) y mucho más. Al parecer están subiendo videos casi a diario (hasta ahora tienen 73 videos), así que lo mejor es subscribirse al canal para estar al día en los archivos del Odin.

Aquí, algunos videos del canal del archivo del Odin:



Yo, como practicante de teatro y seguidor de las nuevas corrientes escénicas alrededor del mundo, agradezco de verdad este enorme gesto de amabilidad y compañerismo por parte del Odin Teatret hacia el mundo del arte, y espero otros grandes grupos y personajes revolucionarios sigan el ejemplo.

No dejemos más y vayamos al canal. Hacer correr la noticia sería una buen idea.



jueves, 11 de marzo de 2010

"Juliet and her Romeo", una nueva versión de la obra de Shakespeare en el Old Vic de Bristol




Aquellos que ven en la fotografía de arriba son los actores del elenco de "Juliet and her Romeo" (Julieta y su Romeo), el nuevo montaje que el Old Vic de la ciudad de Bristol en el Reino Unido está por iniciar temporada. La obra es una relectura del "Romeo y Julieta" de Shakespeare pero con adultos mayores (pensioners en ingles) que viven la misma historia de los adolescentes shakespearianos pero en este caso con el rechazo de sus hijos, y no con el de los padres. Julieta es actuada por una actriz de 76 años.

Esta entrada fue inicialmente escrita para el Blog de la técnica de González Caballero (http:/agcmetodo.blogspot.com) y viene a cuento porque apenas viendo la nota en la BBC en la que se habla de la nueva producción del Old Vic de Bristol, recordé muchas de las palabras de González Caballero sobre el teatro contemporáneo y el teatro que él consideraba del futuro; palabras sobre las nuevas ideas y las nuevas propuestas para refrescar las obras clásicas, y en su apartado de Chejov, en el Naturalismo, y de Pirandello, en el Superealismo, nos hacía soñar (y hacer improvisaciones concretas) con aquellos famosos personajes (de Shakespeare, Chejov, Pirandello, etc) pero construidos con una edad mayor: 20, 30 o 50 años después de como habían sido concebidos por sus autores. Alguna vez en concreto recuerdo cómo, después de una improviación con una escena de Treplev y Nina de La gaviota como personas ya viejas (de 90 años, como menciona en el texto Treplev que se siente de esa edad), nos hablaba de lo interesante que sería que Romeo y Julieta se hiciera con ancianos.

González Caballero no está ya entre nosotros, pero estos juegos de recuerdos y visiones, y las coincidencias de la realidad actual y sus ideas, deberían hacernos pensar, a sus alumnos y discipulos, cada vez más en la importancia que él le daba a la experimentación teatral, a las nuevas lecturas y a los nuevas propuestas de personajes.

Pueden ver la entrevista de la BBC (en inglés) sobre "Juliet and her Romeo" en el siguiente link:


La página del Ol Vic de Bristol en este otro link:


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El libro del método de actuación de Antonio González Caballero está a la venta solamente a través de Internet, y en dos sitios: Amazon.com: http://www.amazon.com/Actuación-Antonio-González-Caballero-Spanish/dp/1466261919 CreateSpace: https://www.createspace.com/3677417



domingo, 7 de marzo de 2010

Carta a Ana Corberó, "The Future is Small"





Querida Ana,

Tengo el gusto de haberte conocido junto a tu taller y tus esculturas, el gusto de vivir mi cotidiano con tus muebles: comer en tus mesas sentado en tus sillas (¿sabes además que mi servilletas se posan en un servilletero tuyo?), descansar en tus divanes, iluminar mi noche con tus lámparas, y despertarme cada día viendo aquellos caracoles, piedras y tréboles que tú uniste, y que tú creaste.
Mi vida me sorprendió con el impedimento de ir a Tokio para esta exposición de tu obra y en el juego de las disculpas lo deploro.

Ahora que veo tu obra a través de este inteligente y suave video de la exposición me topo con la exaltación de mi propia cotidianeidad, ¿lo sabes?, con la exaltación de una gran parte de mi mundo físico que al final ha sido construido con tu imaginación y tus manos. Pero a su vez encuentro aquél extraño nivel espiritual que había intuído en la primera vez que ví tus niños de piedra y la comparé con la sensación que me dió el verte con aquellos que amorosamente viven en tus brazos.

Tus niños, todos, son dorados, plateados, metálicos, (a algunos los veo como gigantes mientras a otros como duendes que invaden una casa), y sus cabezas miran con una sonrisa sabia, en una contemplación y una visión que sólo el sonido de una flauta de bambú habría podido hacer resonar espiritualmente en mí. Los brillos de los materiales de las formas que los contienen y los abrigan me obligan a relajar mi espalda y mirar más, acaban con mis bloqueos para sonreir y recordar. No leo tus poemas porque no logro decifrarlos en la engañosa imagen del video pero he leído tus palabras de otros tiempos y tengo archivados tus escritos, el marco con ellos ya está hecho.

Ana Corberó sueña su mundo en masa, en palabra, en imagen y en sonido.

¿Mencioné que también veo y oigo el futuro en ellos?, como si la flauta me dirigiera con el sonido hueco a donde la mirada casi irónica de tus niños va,

pequeño futuro que suena a un viento agudo.


Gustavo Thomas



Ana en respuesta mandó los poemas que estaban en la exposición, poemas de guerra, Beirut...


Ana,

Con la lectura de los poemas la imagen y el sonido adquieren otra dimensión, dolor.

La mirada sabia de tus niños es también una mirada de incomprensión, y esos ojos observan curiosos la realidad física que provocan los objetos de guerra que se les acercan, que viene en un futuro muy muy cercano, un futuro devastador.
¡Es terrible entonces ver las cabezas, por otro lado tan hermosas, tambaléandose, meciéndose, en un juego donde los cuerpos no existen más! Ese futuro también es pequeño y también lo deploro, pero ahí está. ¿Me dejas sólo, por unos instantes, quedarme con mi primera versión? Así podré vivir engañado por la imagen de tus ojos, de tus abrazos y de tu candor.

Gustavo Thomas

sábado, 6 de marzo de 2010

El legendario Teatro Wilbur en Boston.


Wilbur Theatre, a legendary theatre in Boston


"Ye Wilbur Theatre" fue su primer nombre cuando abrió en 1914 (Hoy se le llama solamente Wilbur Theatre). Situado en medio del centro histórico de Boston en la calle Tremor, fue diseñado por el famoso arquitecto de teatro Clarence Blackhal en el momento más alto de la época teatral de Boston. Su arquitectura es de las primeras inspirada en el estilo de la llamada arquitectura federal norteamericana (basada en la imitación de casas norteamericanas y oficinas federales que seguían cánones clasicos de elegancia, intimidad y simpleza) y no en la arquitectura europea como era la costumbre.

Ustedes se sorprenderán de las piezas que tuvieron su estreno mundial en este teatro: "Nuestro Pueblo" (Our Town) de Thornton Wilder, "Un Tranvía llamado deseo" (A Street Car Named Desire) de Tennessee Williams, y "Largo día de un viaje hacia la noche (Long Day's Journey Into Night) de Eugene O'Neill, entre otros.

En la actualidad el teatro funciona como escenario para teatro de comedia y conciertos musicales.

Aquí las fotografias que tomé del teatro en enero de 2010.

Slideshow: Photographs of Wilbur Theatre (Boston, January 2010)


miércoles, 3 de marzo de 2010

"Do Animals Cry", una función de danza teatro en el Teatro Fleck Dance de Toronto




"Do Animals Cry"
de Meg Stuart/Damaged Goods
Bailarines: Joris Camelin, Alexander Jenkins, Adam Linder, Anja Müller, Kotomi Nishiwaki, Frank Willens.


Apenas terminando de ver la función escribí en twitter (en inglés en el original):

"insoportablemente larga y tediosa danza sobre una sola famlia infeliz y loca expuesta en movimientos caóticos y accciones comunes. Odiala o ámala."

Dos horas mirando una pieza de danza con un monótono estilo contemporáneo, una especie de diminutas acciones físicas interconectadas por una historia interna (supongo) sin ninguna relación con la armonía o ritmo musical, acompañada por pedazos de piezas musicales que sólo remarcaban la monotonía del estilo y con un muy pobre trabajo de luces.

Al inicio yo estaba ahí, fresco, mirando, riendo, viviendo sus movimientos, aún con reflejos en mi propio cuerpo al ver esos movimientos (¡de verdad!), pero después de varias escenas y un buen lapso de tiempo, mi mente comenzó a cansarse, mi fàcil empiezo con la función desapareció y lo que pasó después fue casi insoportable, la peor sensación que un espectador pueda experimentar durante cualquier función, tedio.

¡Yo verdaderamente estaba con ellos! Miraba fascinado aquellos extraños pero concretos movimientos de la vida cotidiana en familia, movimientos que me recordaban mi familia como ellos nos pidieron a los espectadores que hiciéramos antes de la función (un paralelo con nuestra familia al mirar la obra); mirando y sintiendo esa especie de estrés, de violencia sólo porque aquellos movimientos fueron escogidos entre miles y reunidos, editados, con insoportable crueldad... Pero demasiado es demasiado, no me refiero a la crueldad, ni a la violencia, ni al recordar mi vida como hijo de familia, no, era demasiado el estilo, la música, el continuo y largo proceso de la vida en familia que ellos nos presentaban de esa manera en dos cada vez más largas horas.

En algún momento yo veía un acercamiento a Pina Bausch, diciendo esas cosas como Pina acostumbraba decirlas en la escena, pero todo se rompió cuando escena por escena mi paciencia como espectador se convirtió en cansancio.

El trabajo, debo decirlo, es sorprendente, como danza en sí misma; adoré el trabajo de los bailarines y su individualidad en la escena, creando personajes, hablando, pero simplemente me fue imposible adorar el trabajo como un todo cuando la dirección general de la puesta en escena provocaba que más de la mitad de los espectadores estuviera bostezando y mirando sus relojes cada dos minutos.

No aprendí mucho mirando una familia que parecía enloquecida e infeliz (por otro lado una muy común descripción que los británicos hacen de sus familias), pero sí disfruté varios momentos, imágenes y movimientos: me encantó cómo uno de los hijos corría en círculos durante 5 minutos; otro hijo sentado sobre una silla a su vez puesta sobre el tejado de una diminuta casa con un techo de dos aguas (más cercana por el tamaño a una casa de perros); una fiesta enloquecida donde algunos hablaban cantando frases de imposición social mientras otros bailando morían de sociabilidad; y no olvidaré aquella niña convirtiéndose en adulto mostrando su impudencia a sus padres.

Como escribí al final de mi frase de 140 palabras en twitter, uno puede amar esta sorprendente pieza de danza teatro, pero yo no, yo soy de los que la odiaron.




Diapositivas: poster y programa






lunes, 1 de marzo de 2010

Juegos Olímpicos de Invierno de Vancouver 2010: La cara de la victoria. Celebración por la medalla de oro en Hockey sobre hielo en Toronto.

Después de ver como Canadá ganó la medalla de oro en Hockey sobre hielo de los Juegos olímpicos de invierno, salí a la calle y me dirigí a la plaza Dundas a ver cómo los Torontonianos celebraban su victoria. Entre miles de personas encontré a esta niña que celebraba llena de orgullo la victoria de su equipo y nación.



Face of Victory (Ice Hockey Gold Medal Celebration in Toronto)



Gustavo Thomas. Get yours at bighugelabs.com

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