Opera de Beijing: Un momento con el Rey Mono.

A pesar de que estoy preparando una entrada especial de este Blog dedicada al Huguang Guildhall (El teatro Huguang), no quiero dejar de lado el que antes de ello se disfrute o al menos se vea este video que muestra un momento con el famoso personaje de la opera de Beijing, el Rey Mono(1), actuado en ese lugar.

No hay mucho qué decir: el rey Mono es un personaje sumamente popular en China, omnipresente en la literatura desde el siglo XVI hasta nuestros días. La Opera de Beijing le tiene dedicadas decenas de piezas donde muestra sus habilidades mágicas a través de movimientos de acrobacia, pantomima, canto y discursos engañosos, siempre burlón y travieso; para mí verlo en escena siempre es una verdadera delicia.

El Huguang Guildhall es una hermosa sala de teatro construida a principios del siglo XIX y como es costumbre china, reconstruida varias veces ( Vuelto a construir, no remodelado). Posee un museo propio dedicado exclusivamente a la Opera de Beijing, y algunas tiendas de artesanías que venden principalmente productos en torno a la Opera China. Es uno de los cuatro o cinco teatros populares de pequeña escala que se mantienen funcionando, y que son principalmente para el turismo extranjero pues aparentemente el chino común ha perdido el gusto por su teatro tradicional, al menos en las ciudades. Existen teatros de estado, oficiales, que presentan grandes compañías de ópera de toda China, en general se llenan de conocedores y algunos viejos amantes de la tradición y como siempre turistas; no puedo hablar mucho pero al parecer son los lugares donde los mejores actores de Opera China se presentan.

Esta fue una de varias visitas que hice al teatro en mi búsqueda de instrucción como espectador. El Huguang Guildhall muestra solo partes famosas, especiales, de diferentes obras, regularmente 4 partes divididas por un intermedio; todo el espectáculo dura hora y media o menos, y las piezas que se muestran varían según el día de la semana. Así que me era fácil asistir y observar algo que me era totalmente desconocido y en un idioma incomprensible, y lo hice durante algunos meses; pude ver un rango más o menos amplio de partes de las más famosas (o espectaculares) piezas, después me atreví a asistir a los grandes teatros a ver espectáculos con piezas completas de más de hora y media .

La parte de la pieza del rey Mono que se ve en el video duró aproximadamente 40 minutos, pero este "Solo" unos 5 minutos. Lo videogabrabé en la segunda mitad del mes de octubre de 2005. No vemos a un rey Mono acrobático sino más juglaresco, haciendo juegos de arte marcial con la lanza; es remarcable también, creo, los juegos vocales de su discurso. No conozco el nombre del actor ni de la obra que actúa, pero lo reconzoco de otras ocasiones que he visitado el Huguang, y me es particularmente agradable su trabajo. Tal vez con una técnica no muy depurada pero funcional, lo he visto caer en errores y solucionarlos sin perder el ritmo de sus movimientos, es profundamente divertido y se siente que entra en contacto con ese público verdaderamente ignorante que tiene en frente cada noche.

Un momento con el Rey Mono (2005)

(1) Las dos fotos que se muestran y el video son míos; fueron tomados esa misma noche de octubre de 2005.

China: Teatros de la Corte en la Dinastía Qing. (Iera Parte) "Daxi lou" en El Palacio de Verano.

En octubre de 2005 caminaba como un simple turista a través del enorme complejo llamado El Palacio de Verano en Beijing, y entre todos aquellos fantásticos edificios de la era imperial china, descubrí uno de los edificios orientales más bellos que jamás haya visto, el Daxi lou o El Gran Teatro del Palacio de Verano.

Prefiero más que hablar sobre mi experiencia mirándolo, compartir la información que he encontrado sobre el edificio. Al final, lo tengo claro, es con los videos y fotografías que tomé como puedo hacer sentir mejor mi experiencia. Debo aclarar que ésta es la primera ocasión en que uso algunas fotografías escaneadas de libros dedicados al tema, pero creo que es válido.

Teatros de la Corte en la Dinastía Qing (1644-1911).

En la era del emperador Kangxi, se estableció una estructura denominada "Depósito del Sur" para administrar la preparación y presentaciones de todo teatro en la Corte con el propósito de servir a las variadas celebraciones y festivales reales. En 1827 este Depósito del Sur fue dirigido por la oficina Shengping. Dentro del palacio y jardines reales se constuyeron escenarios especiales para las representaciones. Todos estos escenarios eran diseñados con la mayor elegancia y exquisito gusto arquitectónico.(1)

El complejo teatral en el Jardin Tangle en el Antiguo Palacio de Verano


Este complejo teatral era un escenario de tres pisos; estaba ubicado en el jardín Tangle en Yuanming Yuan (Antiguo palacio de Vreano). Fue destruido en un incendio.(2)





El Teatro del Depósito Sur.(3)

El Teatro del Depósito Sur fue construido en el siglo XVIII y fue utilizado para ensayos. Tenía una entrada y una salida en la parte trasera del escenario. La entrada, que se asemejaba a la puerta de un templo, podía ser vista como la misma entrada de un templo, como ser utilizada para simbolizar el recorrido de un general saliendo hacia el campo de batalla o de un ministro regresando de la corte, por ejemplo.(4)

El Teatro en la Montaña del estado Imperial.

Este teatro con su escenario de tres pisos fue construido en el jardín Fushou en la Montaña del estado Imperial, en Chegde. Fue destriuido por un incendio.(5)




Teatro del Deheyuan en el Palacio de Verano. El Daxi lou o Gran escenario.(6)

Localizado en el Deheyuan (el jardín de la Virtud y la Armonía) dentro del Palacio de Verano, en Beijing, era el más grande escenario de la dinastía Qing y es actualmente el mejor conservado de los grandes teatros de Corte de China.

El escenario también es conocido como "la cúspide de la Opera de Beijing". Su construcción comenzo en 1891 y se culminó en 1895 durante el reinado del emperador Qianlong. Su costo fue de 700 000 talegos de plata. Es una compleja estructura que comprende un escenario de tres pisos, solo para representaciones, y un edifico de dos pisos para vestuario y maquillaje. Este era el teatro donde el emperador Guanxu y la emperatriz Dowager Cixi gustaban de ver representaciones. La emperatriz, que amaba la opera, podía en ocasiones vestirse como parte de la compañía; su interés fue más allá de sentarse a disfrutar y es reconocida como una promotora del desarrollo de la Opera de Beijing.

Video: Daxi lou, Gran Teatro del palacio de verano, Pekín. (2005)

El Gran escenario (Daxi lou) tiene una altura de 21 metros y un ancho de 17 metros. Es un edificio de tres pisos-escenarios, cada uno con su entrada y salida. El piso más alto es llamado Futai, el del medio Lutai, y el de abajo Shoutai; donde podían ser representadas diferentes operas y obras al mismo tiempo(7).

El Teatro fue diseñado con una acústica para expandir la resonancia y facilitar cualquier tipo de representación, especialmente donde intervinieran inmortales o fantasmas. El piso inferior, el Shoutai, era el lugar donde los musicos tocaban. Los aditamentos de tramoya comprendían más de 7 maquinarias diferentes y grúas internas así como máquinas para manejar agua a presión, creación de pozos, viento, etc., todo ello para hacer posible la llegada de los inmortales desde el cielo y la salida de fantasmas de la entrañas de la tierra o agua.

Distinguidos actores de la Opera Beijing de la dianstía Qing como Yang Xiaolou(8) y Tan Xinpei(9), actuaron en este escenario especialmente para la emperatriz Dowager.

Este gran escenario (Daxi lou) en el Palacio de Verano, el Pavellón de los Tonos libres (Chang Yin Ge) en la Ciudad Prohibida, y el Pavellón de la Voz clara en el Palacio de Verano de Chengde, eran conocidos como los mejores y más grandes teatros de la dinastía Qing. El Gran escenario en el Palacio de Verano es el más grande de todos ellos.


(1) Página 192. “Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”. Institute of Chinese Drama, China Academy of Arts. People’s Music Publishing House. Beijing, 2003
(2) Página 193. “Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”. Institute of Chinese Drama, China Academy of Arts. People’s Music Publishing House. Beijing, 2003
(3) No me fue posible descubrir el lugar exacto de su ubicación. Podría ser tanto el el Palacio de Verano como en la Ciudad Prohibida.
(4) Página 193. “Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”. Institute of Chinese Drama, China Academy of Arts. People’s Music Publishing House. Beijing, 2003
(5) Página 193. “Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”. Institute of Chinese Drama, China Academy of Arts. People’s Music Publishing House. Beijing, 2003. Tengo sino dudas cierta confusión con estas citas pues existe actualemnte (2008) en la ciudad de Chengde, dentro de la replica del palacio potala que hay ahí un teatro con ese nombre. O debió haber sido reconstruido o es otro más. (nota añadida en diciembre de 2008)
(6) La mayor parte de la información sobre el daxi lou en el Palacio de Verano viene del sitio mismo (letreros de información); así como de: Página 194 de “Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”(Institute of Chinese Drama, China Academy of Arts. People’s Music Publishing House. Beijing, 2003); and Page 66-71 of “Classical dramas and Theaters in Beijing” (Beijing 2005)
(7) Escenarios de la “Fortuna”, “Salario”(?) and “Longevidad” respectivamente.
(8) Yang Xiaolou (a la izquierda en la foto) (1878-1938) parte de una familia de actores, y junto con su padre fueron reconocidos como excelentes actores del rol denominado "wisheng" (guerrero). Entrenado bajo la supervisión de su padre adoptivo Tan Xinpei, Yang Xiaolou fue llamado "el maestro del rol wusheng". (“Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”… )



(9) Nativo de Hubei, Tan Xinpei (1847-1917) vino de una familia de actores y fue el primer discípulo de Cheng Changgeng. Especializado en el rol de "laosheng" (soldado anciano) fue considerado "el rey del teatro". Son recordadas sus actuaciones especialmente en dos operas: Dingjun shan (La Montaña Dingjun) y Yangping Guan (El Paso Yangping). Realizó una estandarización del acento de Hubei y de la entonación denominada "zhongzhou" para así formar su propio estilo de canto. Es reconocido como el creador de la primera escuela de Opera de Beijing, la escuela Tan. El y otro actor llamado Wang Yaoqing fueron verdaderos innovadores y sus innovaciones tuvieron gran efecto en el desarrollo de todo el teatro chino. (“Pictorial Handbook of the History of Chinese Drama”…; “L’Opéra de Pékin. Quintessence de la culture chinoise.” By Yu Bian. Editions en Langues Étrangères. Beijing, 2005) )

Slideshow con fotos de Antonio González Caballero (1993)

En la continua búsqueda de curiosidades dentro de mis archivos descubrí toda una serie de 16 diapositivas que Edgar Ceballos (Escenología) me regaló después de una sesión de fotos que se tuvo con González Caballero ahí por 1993; la sesión tuvo lugar en una plazoleta cerca de su casa en la calle de Pino Suárez, Centro Histórico de la Ciudad de México.

Ceballos necesitaba una foto para la edición del libro que Editorial Gaceta y Escenología publicarían de tres obras de teatro de González Caballero (1). Una vez que la foto fue escogida me regaló toda la serie y se quedaron archivadas desde ese tiempo.

Mi pretensión con este slideshow es simplemente hacer partícipes a quienes lo conocieron de un grato momento de recuerdo con este interesante hombre y maestro, así como hacer conocer un poco más su rostro a quienes sólo lo han visto en las fotos en blanco y negro que aparecen por ahí.

Slideshow con fotos de A. González Caballero(2):

(1) Edgar Ceballos publicó en 1994 dentro de la colección Escenología/drama, tres piezas de González Caballero: El medio pelo, Tres en Josafat, y La Maraña.
(2) Cualquier problema para ver el video en esta página ir a:
http://www.youtube.com/watch?v=RcW1q6CaaB0
Revisar también mi Youtube chanel:
http://www.youtube.com/teatroesferico ahí encontraran el link para ver el video desde youtube.

*

El libro del método de actuación de Antonio González Caballero está a la venta solamente a través de Internet, y en dos sitios: Amazon.com: http://www.amazon.com/Actuación-Antonio-González-Caballero-Spanish/dp/1466261919 CreateSpace: https://www.createspace.com/3677417

“COVARRUBIAS IN BALI” Un libro sobre un mexicano y su amor por las artes escénicas de Bali.

El libro me maravilló apenas lo vi en los estantes de una de las librerías que forma parte de la famosa cadena asiática llamada Bookazine; eso fue durante mi viaje por Singapur en Octubre de 2006. Por alguna estúpida razón no lo compré, así que cada vez que lo nombraba o recordaba venía el arrepentimiento a mi cabeza; tal vez no fue tan negativo, tuve tiempo de aprender más sobre Miguel Covarrubias y su obra.

No fue sino hasta diciembre del mismo año que buscando libros en inglés en la misma cadena pero esta vez en Bangkok, Tailandia, tuve la oportunidad de verlo de nueva cuenta: “Covarrubias en Bali” es un libro tal vez de mediano corte en el ámbito de los libros de arte, especialmente ahora que se observa una mejora en la calidad de esta clase de productos. Sin embargo, para un mexicano (como yo lo soy) puede representar algo más que un libro de arte de mediana calidad, y para uno de mi edad mucho más; debo explicar por qué:

La mayoría de los textos escolares de educación primaria de los años 70 en México (no puedo hablar de otros años que no fueron los míos) estaban llenos de ilustraciones provenientes de la mano de Miguel Covarrubias, además, existían especialmente para los niños de primaria las famosas “monografìas” que todos debíamos comprar en cualquier papelería. Varias de estas monografías estaban hechas con sus ilustraciones: hojas impresas con mapas del mundo y representaciones de las costumbres, vestuario y lugares importantes de cada país, todo en hermosos colores y de una aparente ingenuidad (al final realizadas por un caricaturista), ingenuidad que mostraba y enseñaba.

Debemos entonces imaginarnos que, cuando vi ese libro no vi a Covarrubias, vi a mi niñez y a una gran parte de mi educación sobre la geografía del mundo. Fue una atracción debido al uso y desgaste del tiempo, observaba el recuerdo. Adoré el libro.

Después de la sorpresa del primer encuentro fue entonces que adquirí conciencia de aquello que había llegado a mis manos, “Covarrubias en Bali”… Era ésta la primera oportunidad en mi vida para profundizar en la obra de un hombre que solo había sido un ilustrador educativo para mi vulgar bagaje cultural. A partir de ese encuentro puedo reconocer en él a un gran artista mexicano, un viajero, un estudioso, políglota, antropólogo social, y sin más ilustrador, pintor, dibujante, y en especial un investigador de las artes escénicas.

Covarrubias viajó junto con su esposa, la bailarina norteamericana Rose Covarrubias, durante dos ocasiones a la isla de Bali en los años 30 del siglo pasado, allí observaron, estudiaron y tomaron notas de todos los aspectos de las Artes escénicas en la isla. Bali es un caso especial sino único en la historia de la humanidad: una porción de tierra, relativamente pequeña, llega a poseer tal riqueza de manifestaciones escénicas como danzas rituales, danzas de entretenimiento, teatro ritual, Opera, Música, y teatro de marionetas.

El matrimonio Covarrubias se dedicó durante esas dos estancias en la isla a recabar información práctica para la difusión de la cultura balinesa en el mundo, y el rsultado de su trabajo fue reconcoido en su momento: varios números de la revista Asia dedicado a la isla, entrevistas, reportajes, confección comercial de ropa al estilo Bali, reconocimiento mundial de la riqueza teatral de esa cultura, etc… Bali se quedó en el mundo de los hombres comunes (a los que Miguel siempre se dirigió) gracias a esta pareja y otros tantos artistas e investigadores que visitaron esa isla en busca de un refugio al apabullante momento dedicado al progreso tecnológico de la humanidad.

La importancia de su material ilustrativo y fotográfico es enorme a mi punto de vista. Cada danza vista por Covarrubias posee un dibujo con los aspectos generales de la representación además de varios otros con sus principales posees, pasos, y movimientos; Rose tomó decenas de fotogafías de todo ello, y espero, anhelo, que en algún lado haya también algo de material fílmico.Las notas de Covarrubias se vuelven una delicia para la mirada, por la belleza de las líneas, por la interpretación del movimiento y la rareza de los temas.

Como mexicano me sentí orgulloso de lo que otro compatriota hizo explorando mundos tan ajenos al nuestro, pero como gente de teatro me siento profundamente agradecido por el material que dejó, y que con este libro se tiene ahora a nuestra disposición.

Video que muestra un slideshow del libro(1):


“Covarrubias in Bali”
by Adriana Williams and Ye-Chee Chong
Editions Didier Millet
Singapore 2005

(1) El gobierno chino regularmente bloquea este sitio, y en aquellos sitios que lo desbloquean no pueden verse los videos directamente; si ese es el caso, pongo la dirección URL del video que se muestra en Youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=xkv8UDnkyeo

Una moderna compañía de Marionetas de Beijing, una gran decepción.

Desde hace más de año y medio que vivo en Beijing y durante todo ese tiempo había buscado ver un teatro tradicional de marionetas pero la respuesta que recibía a mis preguntas sobre dónde verlo era solo que viajara a las provincias para ver teatro de sombras, no con marionetas. El teatro de marionetas nació en el sur de China, y el lugar con mayor tradición es la provincia de Fujian (1); aunque tengo planeado en un futuro cercano un viaje a esa región yo esperaba que la capital de este renaciente imperio tuviera entre sus planes culturales la manutención de una compañía nacional de marionetas tradicionales o al menos montara periódicamente espectáculos con compañías educadas en esa tradición, como lo hace con muchas otras arte representacionales. Había logrado encontrar en el mercado de artesanías de Panjayuan algunas marionetas de gran tamaño, marionetas fabricadas para el turismo, así mismo en otra ciudad al centro sur, Xi’an, encontré otro grupo de muñecos de menor tamaño con otro estilo de fabricación, pero imposible ver una puesta en escena con ellas. ¿Tendría que esperar ese viaje a Fujian o a Taiwán donde dicen que se tiene una de las más altas técnicas del manejo de marionetas en el mundo (2)? Mala suerte tal vez.

Fue hasta los festejos del Año nuevo chino en Beijing que una compañía de marionetas que trabaja en el unico teatro en la ciudad especializado en ello decidió montar como ocasión especial una de la aventuras del Rey Mono, publicitando que era el montaje de una historia tradicional con el Rey Mono como protagonistas y con marionetas de gran tamaño; el comentario unánime a esa publicidad fue que era una oportunidad unica de ver este tipo de trabajo.

Encontrar el teatro en Beijing no fue difícil, el taxista conocía bien el lugar. El Teatro, al final para niños, era una especie de castillo occidental como los chinos lo conciben; haciendo a un lado prejuicios y comparaciones con la arquitectura del Teatro Nacional de Bunraku (impresionante) en Osaka (3) o el Joe Louis Theatre (sobrio y educativo) en Bangkok (4), entramos a ver el espectáculo entre esas paredes pintadas en rosa y naranja.


Fue decepcionante. Lo que vi fue solo un intento moderno de recrear una opera clásica china con marionetas de mediano tamaño y con el uso de una técnica muy pobre del manejo de las mismas. La sorpresa era mayor sabiendo que los chinos poseen un trabajo técnico envidiable en todo su teatro tradicional. Imitaban la opera tradicional sin la menor idea de la tradición. Debo aceptar que, como en todo trabajo de marionetas, se lograba cierta simpatía por los “muñecos” y sus movimientos, mucho más recordando los actores de la Opera de Beijing que he visto actuando esas piezas, pero en absoluto me sentía maravillado por la fuerza y la perfección que uno observa cuando se ve muy en especial el Bunraku japonés o el Teatro de marionetas tailandés.

El video habla mejor que mis palabras, y espero pronto tener editados el material visual que recabé en la representación en Tailandia y Japón, para tener un mayor punto de comparación entre estos teatros.


Es claro que en el origen del teatro asiático están la artes escénicas de la India y China, y que en el origen del teatro de marionetas está indiscutiblemente China. Sin embargo puedo asegurar que en la actualidad, el Bunraku de Japón, o los teatros de marionetas de Tailandia e Indonesia son poseedores de la más alta técnica de este tipo de teatro, no más China continental. ¿Habrá China perdido las fuentes de esa tradición, y solo le queda ayudar a sobrevivir su teatro de sombras (5)? Espero que mi viaje a Fujian me dé algunas respuestas más claras.


(1) Este es el link a un pequeño sitio con fotos sobre las representaciones que se pueden ver en el pequeño pueblo de Tianluokeng, Fujian:
http://www.tabblo.com/studio/stories/view/205147/
(2) En este sitio se presenta un poco de la historia del teatro de marionetas y a uno de los más improtantes maetsros taiwaneses:
http://www.hexagramm.fr/petitmiroir/anglais/histoire/maitre_uk.php
(3) Estuve en el Teatro Nacional de Bunraku en Osaka en julio de 2006..
(4) Estuve en el teatro Joe Louis en Bangkok en diciembre de 2006.
(5) Link a las páginas de Youtube que contienen dos videos tomados en mi viaje al pequeño pueblo de Wuzhen (cerca de Hangzhou) que muestran una pequeña pieza de teatro de sombras chino:
http://www.youtube.com/watch?v=zq4fVPPvhD8
http://www.youtube.com/watch?v=WfuyqjD1v20

Film de Eisenstein sobre el arte de Mei Lanfang. (1935)

Se dice que cuando en 1935 Mei Lanfang actuó en la antigua URSS su presentación tuvo tal fuerza y novedad que cambió la manera de ver el teatro de los más grandes creadores de ese país. Entre esos maravillados creadores soviéticos estaba Eisenstein, quien obsesionado por filmar extraños e importantes momentos y personalidades, aprovechó la visita de Mei Lanfang y le pidió una sesión especial para filmarlo; la sesión tuvo lugar el 29 de marzo de 1935. El resultado fue 5 minutos de película mostrando a Mei Lanfang representando algunas de las partes de su nuevo estilo de hacer la Opera de Beijing; a pesar de que el proyecto de película de Eisenstein nunca se concretizó, esos 5 minutos de película es una material invaluable para el mundo del teatro.(1)

Encontré una pequeña parte de este film y estoy muy feliz de poderlo compartir. (2)

Película de Eisenstein (3) :

(1) George Banu escribió sus versión de esta visita: "Eisenstein qui le rencontre dès le 12 mars lui propose de le filmer. Et le 29 mars, juste à la fin des représentations, une longue séance de tournage aura lieu, mais sans que le film projeté soit réalisé. Par ailleurs Eisenstein écrit la fameuse étude A l’enchanteur du jardin des poiriers, qu’il va reprendre trois fois dans la période 1935-38, et il offre à Mei son article, paru en anglais, The Principle of Film Form, avec une dédicace lourde de significations à l’heure du « réalisme socialiste » : « A M. Mei Lanfang, le plus grand maître de la forme, mon article essentiel sur la question »" (Mei Lanfang : procès et utopie de la scène occidentale, by Georges Banu)
(2) Cortos extraídos de un documental para la televisión china.

Muay Thai, Muay Boran, Box Thai. Bangkok es la cuna de una cultura escénica.

Muay Thai en el estadio Lumpini de Bangkok. (2006)

Tailandia es la mítica Siam, Bangkok su capital desde el siglo XVIII, y su gente, los “tai”, son un mundo en sí mismos; es un pueblo orgulloso de haberse mantenido fuera de cualquier invasión extranjera y de preservar aquellas manifestaciones culturales que los hacen únicos. Las artes escénicas forman parte esencial de ese legado que se preserva: Lakhon (Danza), Khon (Teatro), Nang yai (Teatro de sombras), Teatro de Marionetas, además de su impresionante arte marcial, Muay Tai (1). Es evidente que en el origen del Arte Marcial no están presente las Artes Escénicas sino el aspecto marcial, sin embargo el tiempo ha llevado a esta técnica especial de lucha a convertirse en un espectáculo como tal y en uno de los espectáculos de más éxito entre el pueblo tai. Fui al estadio Lumpini en Bangkok a experimentar un arte escénica más que un arte marcial y no me decepcioné.

El estadio Lumpini es una de las mecas del Muay Tai, multitudes de tailandeses y extranjeros van a gritar, apostar y vivir una noche de verdadera emoción cuya fuente de alimento es el escenario-ring. Como si volviéramos en el tiempo a los teatros antiguos de Asia o Europa, la vida en ellos es impredecible: explosiones de energía en todas partes, movimiento, música, comida, dinero, excitación, y el drama de la pelea, la acción misma. Los peleadores aquí son estrellas, se saben vistos, son atractivos, estudian sus movimientos, manejan al público, ganar es fama y dinero, el punto culminante de su vida de pugilistas está sobre el ring-escenario, y eso se da momentos antes, durante e inmediatamente después de la pelea, el punto máximo es el lapso en que sucede el evento escénico.

Occidente conoce Muay Tai como Box Thai, una pelea que se ha convertido en un evento regulado por leyes internacionales y del espectáculo televisivo, sin embargo bastante permanece aún de su origen: aunque no es una obligación cada uno de los boxeadores realiza antes de la pelea una danza ritual en honor a sus maestros llamada Wai Kru; música tradicional estrictamente estructurada se toca durante toda la sesión; y existe un código ético-religioso (budista) en su conducta dentro del ring. Aún así la comecialización, los tiempos de la televisión, y el dinero mismo, han rebajado la fuerza de estas tradiciones y algunas se han relajado; para evitarlo grupos de puristas han retomado el modelo antiguo de este arte marcial, el Muay Boran, que literalemente es “pelea a la antigua”.

Muay Boran no usa las reglas internacionales, sino las reglas básicas del antiguo arte marcial; está estructurado en el mayor sentido ritual y aunque ya existen torneos, se da como exhibición durante las noches normales de eventos en los estadios más reconocidos. La noche del 8 de diciembre de 2006 tuve la oportunidad de presenciar una de estas sorprendentes peleas además del común y espectacular Muay Tai.
El video y las fotografías son los mejores medios con los que puedo compartir esta extraordinaria y sorprendente experiencia como espectador:

Serie de diapositivas de la noche del 8 de diciembre en el estadio Lumpini

Video de Muay Boran (no editado): danza ritual (Wai Kru) y una pelea llena de crudeza y sorpresa.

Video de Muay Tai: un espectáculo en sí mismo. El público entra en contacto con el ritmo de los golpes y sus gritos van a la par que ellos.

Varios de los siguientes sitios hablan sobre historia, reglas, música y boxeadores de Muay Tai y Muay Boran. El último link es una entrevista a un antropólogo francés que estudió el Muay Tai en carne propia y conoce bastante sobre los aspectos rituales de este arte marcial:

http://www.muaythai.com/
http://www.bangkok-city.com/muaythai.htm
http://www.wmtc.nu/html/wmc03_mthist.html
http://www.horizonmuaythai.com/history.html
http://www.eurasie.net/webzine/article.php3?id_article=460


(1)La dificultad del idioma tailandés me hace imposible traducir algunos de los medios escénicos. En el caso de la frase Muay Tai, hay que aclarar que los tailandeses hacen una occidentalización de su idioma y convierten el arte marcial en Muay Thai, el quitar la H es una españolización mía.

Recordando INHALACIONES

Esférica Ludens, Compañía de Arte Representacional presenta:

“Inhalaciones”

Autor y director: Gustavo Thomas
Reparto: Guadalupe Durón, Javier de la Vega, Cecilia de León, Francisco Camacho
Diseño de Escenografía e Iluminación: Gustavo Thomas, Edgar Ocampo
Video, Fotografía: Edgar Ocampo and Esférica Ludens
Atrezzo: Esférica Ludens
Producción ejecutiva: Gustavo Thomas
Técnicos: Viridiana Martínez, Foro Contigo América
Producción: Esférica Ludens, Compañía de Arte Representacional.

Foro Contigo América
México, D.F.
Julio-Septiembre 2000

"Inhalaciones" (2000) Slideshow. An Esferica Ludens Theatre Production. from Gustavo Thomas on Vimeo.

Singular crítica aparecida en una página electrónica mexicana, Skene:

ESFÉRICA LUDENS PROVOCA LA POLÉMICA SOBRE LA PESTE HUMANA
* Texto y dirección de Gustavo Thomas sobre la crueldad, nacimiento y vida
Por: Alejandro Laborie Elías

El grupo Esférica Ludens provoca una inquietante polémica sobre el teatro de la crueldad y la peste humana, vista desde la perspectiva del poeta francés Antonin Artaud, en una atrevida y arriesgada interpretación escénica. A partir de un texto y dirección de Gustavo Thomas, intitulado "Inhalaciones", se trasladan al escenario los conceptos, recalcando que se trata de una interpretación, de Artaud y Dalí, en una propuesta donde "el aborto, la posición de la mujer ante los hombres, la guerra de Vietnam, el nacimiento y el suicidio juegan dramáticamente".
Una obra "tremendista" cuya hipótesis es que el amor nunca ha funcionado, que inicia con una carta de Dalí dirigida a Gala, su eterna musa, en la que la habla sobre los horrores del mundo. Cuatro personajes que encarnan, en una representación teatral, a la humanidad, con una óptica en la que todos los seres humanos están enfermos de mentiras, sufren la angustia metafísica y el espíritu tan corrompido que los lleva a creer que las cosas son tan malas que es preferible morir que sufrir.
Un montaje extraordinariamente violento, donde cada tema es asumido sin ningún tipo de misericordia, con toda la brutalidad de la realidad, al menos desde la conciencia del autor, que rebasa la imaginación del mismo marqués de Sade, Dante, Maquiavelo y Hitler en su conjunto. Abortar cuando no se tiene algo mejor que hacer; el amor como necesidad y no como sentimiento; el suicidio como un nacimiento y el nacer como el principio de una muerte lenta, culminación del dolor y el sufrimiento humano. Si la puesta en escena no acaba con el espectador es porque el tratamiento tiene una especial "belleza" y porque en esta aventura experimental y de búsqueda hay un atractivo, que dependiendo de la lectura personal de cada quien, provoca una catarsis imposible de explicar con palabras. El público, desde su butaca, ve como con una precisión quirúrgica, los actores exploran, con gusto y detalle, la esencia del dolor, el caos, la injusticia, la tragedia, que en su conjunto son lo que denominan "La Peste". Un "espectáculo" próximo a la multimedia, que se vale del video, de excelente manufactura, que penetra en el interior del cuerpo y del espíritu, para desnudarlos, también con una crueldad inusitada; el aborto y el nacimiento ante los ojos del espectador; el suicidio que termina con el cuerpo pero que acaba con el alma...
Una escenografía e iluminación, de Edgar Ocampo y Esférica Ludens, que crean un inframundo espeluznante, con una serie de objetos inmersos en el simbolismo, que como tal deja la posibilidad para los menos sensibles de no atolondrarse ante esa caja negra en que se convierte el pequeño espacio escénico. El ambiente se concretiza con la música creada por Elliot Goldenthal, cuyo tema "Oratorio a Vietnam", logra que oiga el que no quiere ver, en esta obra que desborda la capacidad de asombro y que queda al margen de cualquier clasificación de género que de ella se quiera hacer.
Una obra valiente para valientes y que a pesar de todo lo dicho, en el subtexto quedan algunos valores, si no de forma, al menos de fondo, quedando la interpretación, como es inevitable en el teatro, a la capacidad y voluntad de cada asistente.
"Inhalaciones" se representa en el Foro Contigo América, ubicado en Arizona No. 156 (entre Pensilvania y Viaducto Río Becerra), colonia Nápoles, los sábados a las 19:00 horas.

Kanze seinen Kenyu Noh: taller de apreciación de Noh.

El Sábado 29 de julio de 2006 en Kyoto, Kanze Seinen Kenyu Noh(1) presentó en el Teatro Kanze (Kanze Kaikan) un taller especial de apreciación de teatro Noh. Era verano y los niños estaban de vacaciones, así que era una buena oportunidad de atraerlos y mostrarles cómo apreciar este teatro. Al día siguiente habría una sesión completa de 6 horas de duración de Noh y Kyogen. (2)

El programa del taller de ese sábado decía: “Jóvenes actores van a dar una demostración de Tamoe, ikkaku sennin, y Tsuchigumo, así como explicaciones sobre vestuario y pequeñas lecciones de actuación de Noh.” Los tickets costaban ¥1,500 ($15,50) y ¥1000 ($11,00) para estudiantes.(3)

Desde las 10:00 am hasta las 2:00 pm familias completas, en un teatro lleno a toda su capacidad, se diviertieron (era evidente su emoción) aprendiendo como apreciar uno de sus más preciados tesoros nacionales.

Como me era y me es actualemente imposible entender japonés me decidí por videograbar algunas partes de las demostraciones así como de las explicaciones y lecciones del taller. Siempre he pensado que en este tipo de evento es mejor compartir con datos concretos, fotos y videos mi experiencia, las impresiones más allá de lo que ví serían completamente inexactas sin conocer el contenido de las palabras dichas ahí.

Los actos del evento tuvieron el sigiuiente orden:

9:30 Entrada al teatro.

Se nos había pedido estar a las 9:30 am pues el evento comenzaría a las 10:00 am; así lo hicimos, llegamos en punto y a esa hora el teatro Kanze ya estaba completamente lleno: familias enteras, la mayoría con niños menores de 10 años, pero también mucha gente mayor de 60 años.

10:00 Demostración de tres piezas de Noh: Tamoe, Ikkaru sennin, y Tsuchigumo.

Las demostraciones comenzaron en punto; la compañía presentó pequeñas partes de las tres piezas con explicaciones de los movimientos, forma de cantar y las historias.

El video que tomé muestra a uno de los actores de Noh realizando la primera parte de una representación sin vestuario ni máscara, y otro actor explicando; se buscaba que el espectador viera literalmente lo que hay debajo del fastuoso vestuario y de las máscaras al momento de la representación, así como dar a conocer la coreografía como tal y la perfección de los detalles con que se trabaja sobre la escena. (4)

12:00 Las siguientes actividades tuvieron lugar al mismo tiempo(5):

- Hall del Teatro: explicación del vestuario, máscaras y textos.

La parte más complicada para mí pues hablando los expositores en japonés me fue imposible entenderles. El hall se repartió en tres salas de conferencias con ejemplos del vestuario uno, de las máscras otro, y de los textos en otra parte. Entonces decidí probar dentro del teatro.

- Escenario (dentro del teatro): lecciones de cómo usar el vestuario, las máscaras y cómo caminar con ello.

Bellísimas imágenes donde los niños visten el vestuario profesional y usan así mismo máscaras reales; los maestros los vestían y les mostraban la manera de usarlo, de moverse, de mirar y hablar con ello.

- Primer piso (salones de ensayos): pequeñas lecciones de canto, manejo del abanico, de recitación de textos, coreografías con objetos distintos, etc.

La gente estaba ávida por tomar las pequeñas lecciones; uno tras otro se sucedían para tomar un trabajo personalizado, pues no hay otra manera de transmitir el Noh, la enseñanza de los movimientos, el canto y manejo vocal es de maestro a discípulo, uno a uno, y así lo hacían en las lecciones.

El Noh se había vuelto una experiencia familiar, una diversión para unos y una manera de encontrarse con la gente común que va a nutrir las butacas de sus teatros. Es innegable que el Noh está alejado de la época, que es duro y frio en su estructura, que se necesita dedicación para disfrutar de su enorme belleza pero aquí se demostró que existe un verdadero esfuerzo para que esa distancia entre el tiempo y percepción de la vida común actual tenga un punto de encuentro con la intangible presencia (fuera del tiempo) que posee el Noh.

Diapositivas de los talleres de vestuario, máscaras, declamación y manejo de abanico.

(1) Kanze Seinen Kenyu Noh, es la compañía encargada de manejar el teatro. Como todas las compañías de teatro tradicional en Japón, su estructura es principalemnte familiar, auqnue hoy en día se han abierto a la llegada de actores no cercanos a ninguna d las familias involucradas en el Noh desde hace siglos.
(2) Ver la entrada del 21 de febrero de 2007: http://gthomasteatro.blogspot.com/2007/02/kanze-seinen-nekyu-noh-tres-piezas-de.html . Ahí doy un recuento detallado de la representación completa del domingo 30 de julio de 2006, incluyendo sinópsis, video y fotografías.
(3) El programa dentro del tetaro estaba totalmente en japonés; este extracto lo obtuve de la nota en una revista editada en inglés. Sobre el costo de los boletos, me sirvió mi credencial de estudiante de la Universidad de Qinhua en Beijing donde estudiaba chino, así que pude conseguirlo a ¥ 1000.
(4) Es un pena que por un error haya perdido la segunda parte de esta grabación donde este mismo actor representaba la misma parte de la pieza con todos los elementos exteriores.
(5) El que después de las demostraciones los talleres y explicaciones se dieran al mismo tiempo, no molestaba en absoluto y creaba una verdadera dinámica de trabajo donde todos estaban haciendo algo, era una especie de feria del Noh, alegre y ruidosa. Una experiencia formidable.

Recordando "La Cura"

“La Cura”

Autor and director: Gustavo Thomas
Actores: Guadalupe Durón, Natalia Guadarrama and José Antonio Ordaz (1)
Diseño de Escenografía e Iluminación: José Enrique Gorlero (2)
Coreografía: Ariel Miramontes
Atrezzo: Javier Tovar
Producción ejecutiva: Marisa Gómez
Técnico: Azgard Ramírez
Producción: Roma Teatro…

Foro Luces de Bohemia
México, D.F.
Junio-Julio de 1998

José Enrique Gorlero:

“Historias enajenadas en el pasado. Lenguaje en síntesis, apretado, meticuloso. Referencias de la ficción y de la realidad. Búsqueda personal por los meandros de historias compartidas. Gustavo Thomas construye en la profundidad de su laboratorio; allí los actores son el origen del viaje. Fracaso de la memoria (el tema, sin duda, compete a esta generación); derrota amorosa. El suceso que pudo haber sido, la caricia que debió existir. Inseguridad del presente. Crisis. Probablemente “la cura” sea metáfora, ausencia, vocación de cambio.

“La sexualidad como un pasatiempo de los derrotados, la intimidad como una consecuencia de la soledad más profunda. Compromiso y otra vez, ausencia. Criaturas de fin de siglo: un ciego, la que se vende, el fantasma o el ángel de la muerte.

“Quizá la reflexión de Thomas incluya una severa investigación de recursos teatrales, la misma síntesis textual que deviene en imagen, sonido, economía de espacios y gestos. Sí, es la otra generación que sobrevuela nuestro teatro, con la fuerza que seguramente alcanzará las transformaciones.”

(1) Después de La Cura estos tres actores y dos más entusiastas se me unieron en un nuevo proyecto llamado Esférica Ludens, Compañía de Arte Reepresentacional que duró hasta 2005 y es una parte muy importante de mi vida artística.
(2) José Enrique Gorlero: amigo, poeta, dramaturgo, director de teatro, diseñador de iluminación y crítico nacido en Buenos Aires, Argentina; vivió y trabajó en México desde 1975 hata su muerte meses antes de la temporada de La Cura.