miércoles, 27 de mayo de 2009

Leni Riefenstahl y la danza que la llevó a Hitler.

Todas las fotografias y videos aparecidos en este Blog fueron obtenidos a través del Internet, su uso es exclusivamente informativo y referencial.




“Lo más bello que he visto en una película ha sido la danza del mar de Leni Riefenstahl en La montaña sagrada”
Adolf Hitler (1)




De niño aprendí que las escenas que veía de la época nazi habían sido creadas por una sola mujer, Leni Riefenstahl. Yo acostumbraba guardar en mi memoria toda la información sobre Alemania por aquello del mítico origen de una parte de la familia de mi padre, mi bisabuelo había formado parte de una ola de inmigrantes alemanes que habían llegado a México a principios de siglo; como no quedaba mucho de esos orígenes, cualquier dato cercano a lo alemán era primordial para reconocerlos, y las escenas de una Alemania mítica, fueran nazis o no, venían con las tomas de la Riefenstahl. Con el tiempo aprendí de la derrota alemana en la segunda guerra mundial, y que aquella mujer-artista estaba vetada en el mundo del arte debido a su contacto con Hitler; aprendí que no podría ver ninguna de sus películas pues estaban prohibidas, y que su pasado había acabo totalmente con su carrera cinematográfica (2). El tiempo y la constancia de una creadora maravillosa difuminaron esas prohibiciones y vetos, y aunque fue después de su muerte (en 2003, a los 101 años de vida), Leni y yo pudimos al fin conocernos (3).

En algún momento de los años 90 se publicaron las memorias de Leni Riefenstahl traducidas al español (Lumen publicó una edición en 1991); cuando quise ir a comprar el libro descubrí que había sido retirado de todas las librerías en menos de un mes, digo retirado porque no podía imaginar que en México se hubiera agotado un libro de memorias de una cineasta “desconocida” para la mayor parte de los mexicanos, a excepción de los cineastas de profesión; yo había en mi camino preguntado si no a todos sí a la mayoría de mis amigos artistas e intelectuales sobre ella y nadie, absolutamente nadie la conocía. El libro habia sido retirado porque no se había vendido, así de simple.

Fue hasta el año 2006 en Pekín que encontré en aquella ya mítica tienda de DVDs piratas, en el barrio de Sanlitun, una versión de la edición japonesa de sus obras completas más algunos documentales sobre su vida y sus últimos trabajos; aparte de algunos problemas debido a la calidad de la copia, la colección me fue de una gran utilidad para conocer de ella la mayor parte de su producción fílmica y parte de su vida.

En mi última vista a Nueva York en enero de éste 2009, descubrí sus memorias en la que llaman “la libreria más grande del mundo”, Strand Book Store, un almacén repleto de libros de segunda mano que es una delciia para cualquier aficionado a la lectura; ésta era la primera edición norteamericana, publicada en 1993: “Leni Riefenstahl. A Memoir.”

Aquellas memorias son un verdadero testamento aclaratorio sobre todos los malentendidos, leyendas y mentiras que han envuelto la vida de esta creadora fílmica desde su contacto con el hombre más poderoso del mundo en los años 30 del siglo XX y hasta el fin de la segunda guerra mundial. Sin olvidar el lado morboso de conocer las versiones de la historia de la Riefenstahl, la lectura de esta obra es un fascinante encuentro con la creación cinematográfica (secretos de edicion, iluminación y formas de trabajo), y un encuentro con la historia del siglo XX; envuelta en detalles pocas veces reconocibles desde el punto de vista de los “perdedores” de la gran última guerra. Otra cosa hubiera sido de la fama y la vida de Leni Riefenstahl de haber ganado Alemania.

Descubrimos entonces a la Riefenstahl directora de cine, pero también a la fotógrafa, a la viajera, y lo que me hace escribir esta entrada, a la bailarina.


Iniciando su carrera artística como bailarina, Leni llegó al cine por la danza misma, de ahí a la creación cinematográfica y a su conctacto con Hitler. Aún cuando se inició tarde en el mundo de la danza (empezó a estudiarla a los 19 años), fue una bailarina con una cierta fama, dió recitales en varias partes de Europa con cierto éxito pero se mantuvo “aislada” de los eventos dancísticos de primer orden del momento. En la historia de la danza europea prácticamente no hay palabras para la presencia de la Riefenstahl en sus escenarios (No lo hay tampoco, claro está, para las estrellas de los ballets alemanes que decidieron quedarse al lado de los nazis y eran auspiciadas por su ministerio de cultura). Aún así no deja de haber tenido contacto con escuelas y teatro importantísimos de su época, tales como el considerado el teatro más importante de Alemania en su momento el “Deustches Theater” de Max Reinhardt (4), quien la contrató para trabajar bailando “solos”, y quien además la quería para su versión de la Pentesilea de Kleist. Así, bailando y encantando personalidades con su actuación, llegó también a Hitler.

Ella misma, en sus memorias, nos cuenta como Wilhelm Brückner, secretario de Hitler, la contactó porque Hitler mismo quería conocerla; según Riefenstahl y parafraseando a Brückner, Hitler decía:

“Lo más bello que he visto en una película ha sido la danza del mar de Leni Riefenstahl en La montaña sagrada”(ver nota 1)

“La danza del mar” es una secuencia dentro de la película “La montaña sagrada” (Der Heilige Berg) dirigida por Arnold Fanck (5). En ella, vemos a la Riefenstahl bailando en una coreografía de lo que denominaríamos ‘danza moderna”, más cercana al tipo de danza del estilo de Isadora Duncan que de los estilos expresionistas que se daban en esos años en Alemania. Un montaje de esa danza moderna que reinterpretaba a la danza griega, con movimientos que ofrecían libertad e idealismo, todo frente a paisajes marinos alemanes, nada más adecuado para atraer la atención de un líder politico que adoraba la idea de un renacimiento clásico, esta vez en el arte y la cultura alemana.


Leni Riefenstahl cuenta en sus memorias sobre ese su primer encuentro con Adolf Hitler y “la danza al mar”:

“Caminábamos en la playa, Brückner y Schaub nos seguían detrás a corta distancia. El mar estaba en calma y había un aire cálido fuera de temporada. Hitler miraba al horizonte con sus binoculares y me comentó sobre varios tipos de barcos que él podía ver, y yo tuve la impresión que hablaba de ello con mucho conocimiento. De pronto, comenzó a hablar sobre mis películas. Me hizo entusiastas comentarios sobre mi “danza del mar” y me dijo que había visto todos las peliculas en las que yo había aparecido.”(6)

Es un encuentro mítico claro está, un encuentro de gigantes de la historia, enamorado él de la obra creativa de ella (tal vez de ella misma también) y ella arrobada por la personalidad de aquél (núnca lo negó).


En la misma película aparecen otras tres danzas, "Danza al mar" esta vez sobre la escena, "Sueño que florece", y "Devoción", que terminan para nosotros siendo un muy interesante documento sobre un estilo de bailar y de representar en la Alemania de los años 20 del siglo pasado.

Video: Danza “Traumblüte” (Sueño que florece) Leni Riefenstahl en “La montaña sagrada” 1926




Video: Danza “Hingebung” (Devoción) Leni Riefenstahl en “La Montaña sagrada” 1926





Una lesión en la rodilla la obligó a tomar la decisión de dedicarse completamente a actuar y a dirigir cine, olvidando los recitales de danza para siempre (7); decisión considerada afortunada al menos para la historia del cine.

¿Qué hubiera sido de la Riefenstahl de haber seguido bailando? Tal vez no mucho, propensa a las lesiones su carrera definitivamente iba a truncarse en pocos años, además no poseía un verdadero cuerpo de bailarina y sus movimientos, a excepción de algunos momentos afortunados, era en general pesado y poco ágil. Podemos achacar estas impresiones al material fílmico de la época pero creo más bien que estamos ante el ejemplo de una exitosa carrera de bailarina debido a la personalidad más que a la habilidad técnica y creativa; aún así, las escenas filmadas con ella bailando tienen un gran impacto en quien las observa. La belleza de esa "danza al mar" es una combinación de juegos de edición y cámara sumada a una fuerza que emana la danza de Leni; es una danza mítica poco antes de unos de los años más convulsivos de la historia de la humanidad.

La belleza y la personalidad de Leni Riefenstahl, bailase bien o no, iban destinadas al estrellato y a la historia.




(1) “The most beautiful thing I have ever seen in a film was Riefenstahl’s dance on the sea in The Holy Mountain” Palabras de Adolf Hitler. Leni Riefenstahl parafraseando Wilhelm Brückner, ayudante de Hitler. Leni Riefenstahl, A Memoir. St. Martin’s Press. Newy York, USA, 1993.
(2) ”Olympia” podía ser vista en cineclubs y algunas instituciones públicas, pero núnca estuvieron a mi alcance durante mi infancia y adolescencia. Sus tomas podían ser vistas en noticieros especialmente cuando se hablaba de las olimpiadas y de la época nazi.
(3) Leni Riefenstahl encontró trabajo primero fotografiando y filmando tribus africanas y al final de su vida filmando corales en el Caribe y Las Maldivas.
(4) Reinhardt, judío él mismo, tuvo que dejar Alemania durante la persecución nazi.
(5) ”Der Heilige Berg” 1926. la secuencia es llamada en alemán “Tanz an das Meer”.
(6) "We walked on the beach, Brückner and Schaub following a short distance behind. The sea was calm and the air unseasonably warm. Hitler looked out the horizon through his binoculars and told me about the various types of boats he could see, and I had the impression that he was quite knowledgeable about them. Soon, however, he began to speak about my films. He made enthusiastic comments about my “dance on the sea” and told me he had seen all the films I had appeared in.” Leni Riefenstahl, A Memoir. St. Martin’s Press. Newy York, USA, 1993.

(7) Su última aparición como bilarina es en su película "Tiefland", donde baila una coreografía de flamenco.

jueves, 21 de mayo de 2009

Marionetas y Títeres de vara de Fujian y Guangdong en el Museo de Macao



Otra corta entrada, esta vez dedicada a una visita que realicé al museo de Macao en la isla del mismo nombre, al sureste de China, en enero de 2006. Un interesante museo donde podemos aprender sobre los orígenes del té (¿sabían ustedes que la palabra "té" nos viene del fujianés y no del mandarín?) y por supuesto aprender sobre la historia de Macao misma, pero también sobre las artes escénicas chinas y en especial el teatro de marionetas desarrollado en la región.





Macao, una antigua isla portuguesa en Asia, fue principalmente habitada por chinos de las provincias de Fujian y Guangdong, y evidentemente muchas de sus tradiciones vienen de esas dos regiones. Una de las fuentes del teatro chino de marionetas es la provincia de Fujian, y dos ciudades son famosas por ello: Quanzhou (debido a sus marionetas) y Zhangzhou (debido a sus títeres de guante); pero también una importante fuente de los llamados "títeres de vara" es la provincia de Guangdong. Se cree que las marionetas de Quanzhou y los títeres de Guangdong fueron primero introducidos en Macao por los chinos mismos y de ahí llevados a Europa por los portugueses durante el siglo XVI.

Algunas de las marionetas y títeres de los que hablo están en la exposición permanente del museo de Macao.


sábado, 16 de mayo de 2009

Imágenes de un "Taller de Teatro Corporal" en el Teatro Penghao, Pekín.




Desde el 21 de febrero de éste 2009 David Limaverde, un actor brasileño que estudia en la Academia Central de Drama de Pekín
(中央戏剧学院), dirige un "Taller de Teatro Corporal". Fuí solamente a echar un ojo a su trabajo y tomar algunas fotos para la memoria visual que desarrollo en Internet (y que es mi Blog).

El Teatro Penghao es un relativamente nuevo espacio para teatro y danza en Pekín (alrededor de un año de vida apenas); lo considero un interesante proyecto de promoción artística en una ciudad tan negada al teatro joven como lo es Pekín; los administradores se dedican a promover cualquier tipo de actividad escénica en él, y principalmente aquellas provenientes de los alumnos egresados de la Academia Central de Drama que está a unas cuadras del teatro. De igual manera las puertas del espacio están abiertas a artistas escénicos extranjeros que como David desean mover un poco más su estancia creativa.




lunes, 11 de mayo de 2009

Festival Monlam 2009 (Año Nuevo Tibetano) Día 3: Procesión de la estatua de Buda Maitreya en el Monasterio Rongwu.






Día 3
Procesión de la estatua del Buda Maitreya en el monasterio Rongwu


Fotografías de la procesión de la estatua del Buda Maitreya en el monasterio Rongwu
Si por alguna razón las fotografías de la presentación se ven mal, haz click dentro del recuadro y te llevará a la página de Picasa donde están todas las fotos.




Narración del evento


Después de dos días de eventos verdaderamente extraordinarios, la idea era descansar un poco e incluso dudamos de ir a ver lo que considerábamos una repetición de la procesión del templo Niantog dos días antes, aquella ceremonia como la de la develación del Tanka habían durado cada una más de cinco horas y creíamos que una repetición iba a ser casi insoportable. Obviamente estábamos equivocados.

El inmenso monasterio de Rongwu no sólo albergaba a cientos de monjes novicios sino que para este evento especial habían llegado muchos más de los monasterios vecinos; éste al parecer iba a ser el primer evento en el que hiciera presencia el Lama Rimpoché, el segundo en jerarquía (después del Dalai Lama) dentro del budismo tibetano.

La conocida estructura se repetía: monjes iban y venían por toda la plaza y en grupos a través del monasterio se les veía ataviados nuevamente para una ceremonia especial, llevando diferentes objetos, cada uno con tareas muy definidas. Dentro del templo principal se reunían una cantidad verdaderamente inusitada de ellos (intenté contar y me detuve en 300 hasta que me cerraron las cortinas). La atmósfera parecía un tanto más caótica que la de los días anteriores, pareciera que no iba a haber una estructura de presentación, pero no fue así; todo se realizó como ya lo habíamos experimentado.

Alrededor del medio día la ceremonia preparatoria dentro del templo terminó y la mayoría de los monjes novicios que rezaban dentro salieron en un flujo interminable, grupos y grupos de mantas rojas salían de ese lugar deperdigándose dentro y fuera de la plaza. Llegué a ver algunos que en grupos de 5 o 6 se metían a autos último modelo y entre la multitud que esperaba la ceremonia pitaban la bocina del auto para hacerse paso y salir del lugar para dirigirse a "comer" (al menos eso me informaron).

Así que debíamos esperar porque todos los monjes, o al menos los novicios, debían irse a comer. La espera no fue larga, menos de 30 minutos y todos estaban de vuelta.

Los cornos sonaron y el caos de la plaza se acrecentó; esta vez preferí situarme en un espacio un tanto alejado y poder hacer tomas desde una pared para controlar más la cámara y no luchar entre los empujones de la gente, así podría usar el zoom de mejor manera para aquellas tomas que lo necesitaran. No fue un paraíso pero me gustó el ángulo desde donde tomé todo; además pude tener contacto con algunos de los espectadores tibetanos, que sin preocuparse que yo no entendía nada de su idioma, comentaban sobre la ceremonia, sobre la presencia del Lama Rimpoché y sobre lo que iba a venir, ¡toda una delicia!

El Lama Rimpoché se sentó en lo alto del templo en una gran terraza, con un grupo de monjes y cerca de un grupo de chinos privilegiados; los demás, todos, estábamos repartidos debajo de ellos en la plaza.

La presentación de grupos, jerarquías religiosas, objetos, estandartes fue inmensamente larga (evidentemente en el video la edité y la hice muy corta). Esta vez pude disfrutar un poco más de cómo llegaban a sus formaciones circulares, observar los objetos que portaban y en especial del "vestuario" de los altos líderes religiosos dentro de la ceremonia: el vestuario del mayor lider (el Lama Rimpoché) era tan simple como el de cualquier monje, pero no así el de aquellos que participaban abajo en la ceremonia de presentación; ellos, los principales, me recordaban a los actores de tragedias griegas ataviados en enormes trajes y máscaras marcando su diferencia con el mundo terrenal; como esos actores trágicos los monjes de Rongwu usaban una especie de zapatos altos o zancos (algunos de más de 5 centímetros de alto) que sólo había visto en la ópera china, además de una gran cantidad de telas de diferentes colores con "hombreras" para hacerlos más grandes y poderse repartir mejor alrededor del cuerpo; llevaban también, como en personajes de ópera china, aditamentos propios de su jerarquía y simbolismo espiritual (bastones, predicadores, etc), y sombreros especiales.

En la siguiente foto que tomé en el monasterio de Niantog se puede observar un ejemplo de la manera de vestir a la que me refiero arriba. Los monjes de las trompetas calzan pequeños zancos, mientras el principal unos muy estilizados, los tres con un exceso de telas y el principal con una hombrera de un lado.


En las siguientes dos fotos tomadas del video en Rongwu, podemos observar el mismo fenómeno "teatral" del vestuario de los monjes. En la primera foto notamos la diferencia entre el personaje ataviado especialmente para el evento y los otros monjes con el pueblo mismo. En la segunda foto, verdaderamente especial, se muestra al fondo a uno de esos "personajes" saliendo del templo, lo remarcable es que su solo vestuario le da una un peso muy grande, es una salida de personaje épico diría yo. (Todas las fotos las pueden agrandar para verlas mejor haciendo click en ellas)




Los juegos de semejanzas son inevitables, yo sé que no descubro absolutamente nada, el ligue entre religión y evento teatral es más que evidente en la tragedia griega, y el ligue entre evento religioso y evento teatral en las ceremonias tibetanas es reconocido por cualquier antropólogo social e investigador de artes performativas. Digamos que aquí lo experimentaba en vivo y lo disfrutaba pero lo más importante de todo, lo documentaba. Eso me hacía inmensamente feliz.

Una vez que la presentación tuvo lugar y los monjes empezaron a salir de la plaza, como en el día anterior la gente se abalanzó literalmente hacia las puertas del templo. Desde aquella puerta salían monjes que jalaban el lazo envuelto en gasas blancas, y que como un cordón umbilical los ligaba a la carroza del Buda Maitreya. Murmullo y agitación por todas partes; su salida resultó tan descuidada y caótica como la del día anterior, sólo que está vez no fuí acarreado por la multitud y pude observarlos desde un punto más estable.

Una de las imágenes más impactantes fue aparición de la carroza desde el templo principal, enorme para la puerta, al parecer inmensamente pesada e intentando sacarla entre la multitud que se agolpaba para tocarla, aventarle gasas blancas o ayudar a cargarla. Como une pequeña capilla montable, decorada en colores y oro, con su Buda "enjaulado" en ella. El mismo Lama Rimpoché y los monjes de la terraza aventaron sus gasas a la carroza cuando pasaba debajo de ellos. Era la develación del tanka, un momento sumamente religioso, extático tal vez, pero dilatado, un tiempo largo entre la algarabía religiosa y espiritual de todo un pueblo: la gente cantaba, los cornos sonaban, muchos rezaban, aventaban puños de arroz y aquellos papeles de colores con mantras impresos en ellos. Adoro ese canto religioso de las mujeres del pueblo tibetano, el canto que llamo "agudo", un canto que sé que desde ese viaje aparecerá continuamente en mis sueños.

En su camino hacia la salida de la plaza del templo principal la carroza estuvo a punto de caer, no sabíamos si la gente se mofaba o se espantaba por ello, su sorpresa era un tanto extraña, para nuestro códigos culturales; la sombrilla con el hombre que la escoltaba sí cayó y tardó mucho en volver a abrirse atrás ella pero lo logró.

Cuando la procesión pasó por donde yo estaba pude usar el zoom de la cámara y tomar un close-up del Buda Maitreya: quedé sorprendido, yo veía, sumergido en mi cultura cristiana, una virgen católica dentro de su pedestal; ésta vez, debía hacer la trasposición de lugar, de "objeto", era la estatua de un Buda, una estatua dorada con un buda de cara femenina.

La multitud se agolpaba violentamente, no había ya manera de salir de ahí sin ser "movido" también. Una vez afura de la plaza principal, la procesión podía tener lugar en la mayoría de las capillas y templos del monasterio, eso duraría una o dos horas más, aunque el guía nos decía que seguramente sólo darían una vuelta al templo y para evitar más estragos meterían la carroza por detrás.

Había sido demasiado; estaba contento y cansado. Dejé ir la carroza y a la gente que iba tras ella, para mí el evento había terminado cuando salí de la plaza.

Ahora quería descansar, bajar todo ese material a la computadora, tratar de editar algunas fotos, pensar en aquello, y esperar, al día siguiente vendría el evento por el que expresamente había querido ir a Amdo, la danza-teatro Cham.



miércoles, 6 de mayo de 2009

Marguerite Duras, una segunda vez.





Yo sabía que en algún otro momento de mi vida habría de leerla una y varias veces más, que necesitaría de su ritmo y de su vaga (por efímera) comprensión del amor; que al leer en su lengua habría de disfrutarla más, sentirla más y hasta llorar con ella.

Marguerite Duras llegó a mí más de 20 años atrás, cuando ni siquiera yo había encontrado a nadie para amar. Ella era solamente "L'Amant" y algo de teatro y cine. La leí, la escuché, y la miré con su enorme y horrenda cara, con ese cuerpo anfibio y el desmadre de libros que la rodeaban; lo único que me sorprendía de todo aquello era la seguridad en ese momento que obsesivamente nos escribía; entonces sus deformes ojos se volvían penetrantes, y se quedarían por siempre plasmados en mi memoria, Duras era sólo sus ojos y sus temas para mí.

Simplemente, no podía comprender porque lo que todos consideraban una enorme literatura y una enorme persona, a mis ojos y a mis oídos era sólo esa imagen de la obsesión, de la fealdad y de la constancia en el escribir.





En un avión he vuelto a encontrarla, en la oscuridad de un vuelo de 14 horas y en una continua noche de año nuevo 2009. Mientras leía "L’amant de la Chine du Nord", su última gran obra, las palabras de Duras se mezclaban con aquellas que había leído hace más de 20 años, cuando yo no había amado a nadie, cuando estaba sólo enamorado del teatro, de mi cuerpo, de mi futuro. Entonces , con el recuerdo de esos años y de mis lecturas, debía detener la lectura, ¡demasiadas obras leyendo a un mismo tiempo dentro de mi cabeza!, y otra vez apareciendo ese espejo del pasado que al pasar los 40 años de vida se me ha abierto descaradamente. Me veo en cada palabra que leo, me recuerdo en cada palabra que repito, admiro lo escrito por aquello que ha hecho en mí con el tiempo.


Recordé aquella puesta estudiantil de "Agatha", donde no participé, pero que miré con atención. Era la época donde yo descubría el Naturalismo chejoviano de González Caballero, aquella técnica actuacional de los haikús y del dolor interno, de la confusión y del inmenso gusto por actuar, de las lágrimas que hablaban de amor y de la soledad. Agatha... Admiraba al director y al grupo, a mis amigos, y estaba enamorado de su hacer, tal vez también de ellos, no sé. Se quedaban tan cortos en la profundidad que percibía del diálogo que no sentía los textos de Duras (¡confiaba tan poco en ellos!), no percibía el abismo emotivo de la relación incestuosa, del descaro y del dolor del no poderse amar más. Quise acercarme al director, tan joven como yo, y compartir mi teatro y sus logros. Hablé con él, le ofrecí “mi secreto”, los poemas japoneses que me habían llevado a sentir aquello que sabía hacía falta en su puesta, y una encantadora sonrisa me dio las gracias.

Yo sabía entonces que leer a Duras y verla en escena o en una pantalla necesitaba de ayuda, necesitaba de un pasado enorme, de una técnica, de un espectador con historia, y no de jóvenes con sueños de crear, incluyéndome a mí con mis experiencias y mis secretos.

Aquella ayuda fue vana, no fui tomado en cuenta; la obra no siquiera se llevó a un estreno, sus integrantes se dispersaron y el teatro dejó de ser un medio en sus vidas… Recuerdo con tristeza cómo aquél hermoso director de escena fue muriendo poco a poco tan joven como yo era, y mientras lo veía meditando bajo una tormenta, yo aprendía que la plaga que aterrorizaba nuestras vidas sexuales en los años 80 lo había cubierto a él y lo derrotaba. Agatha y su impotencia se identificaba con todo ello, quedaban grabados en mi pasado.

Por ello también Duras se quedó grabada en mi vida teatral, se implantó con su sutileza en un recuerdo de muerte, de impotencia, y quizás, no puedo saberlo, también de amor y desolación.

Como muchos nos perdimos el rastro uno al otro, ella se había convertido en un nombre más, en literatura de otros. Hasta aquella larga noche del avión sobre el mar, donde todo vino de nuevo. ¿Tenía que estar yo viviendo en China para conocerla otra vez? ¿Tenía que haberme perdido en enormes y turbulentas relaciones para reconocer que aquello de lo que hablaba era amar en la ignorancia a un extraño?

Los amantes reconocen las diferencias culturales, los hermanos incestuosos reconocen las diferencias sociales… Todos nos amamos con la imposibilidad de que sea una totalidad. Las palabras chinas escuchadas de otros lados me revientan mi memoria: nosotros occidentales no somos más que putas en busca de libertad, caos, incesto, locura, ambición y dinero, ¡adoramos la libertad que sólo nos ha llevado a la degeneración! Mientras ellos, en su inmensa hipocresía de siglos, deben seguir sus tradiciones, aparentar sabiduría, y nunca caer en la vergüenza, ¿por qué ofrecer la vida y el gozo a costa del amor, que es una estupidez?

Leer nuevamente a Duras, 20 años después, me saca carcajadas, sarcasmos, y dolor. La eterna desgracia de su amante chino es la victoria de la pequeña putita francesa, de lo occidental... Esos escritos valen más que una vida de respeto en una sociedad anquilosada y pútrida que terminan en una llamada telefónica dicendo que "siempre la ha amado".

He debido tocar manos chinas, su pieles y sus impotencias; he debido respirar el calor sofocante de la China del norte, de la Indochina y de Siam, y sumergirme en todos los ríos que las cruzan. He debido odiar y saber de las diferencias culturales, sociales, de raza… Conocer la impotencia de amar hasta el final por las diferencias culturales, y entonces así, sólo vivir para escribirlas.

Volví a leer a los amantes, a su Agatha, compré sus libros, sus obras, ví sus películas, he pensado sobre ello y en ella; he vuelto a ver su cara anfibia y su pasado en vicios y en el comunismo. No es mi diosa, ni mi teatro, ni mi literatura pero sí es un poco de mi comprensión del amor y las culturas.

Sabía que la obra final que se escribiera sobre ese amor primerizo debería ser la mejor, porque era aquella que escribía después de haber hablado todo, que era de todos conocida… Cuando no hubiera más anécdotas de qué hablar habría de hablar de lo escencial, limpiar las verdades y decirlas con la simpleza de la narración de imágenes, que no es poesía en sí misma y está tan cercana a ella, que la supera cuando aquella se descuida. Esa es "L'Amant de la Chine du Nord", el amante de la China del norte.

Yo sabía que en algún otro momento de mi vida habría de leerla una y varias veces más, que necesitaría, como necesito al agua, de su ritmo y de su vaga (por efímera) comprensión del amor; que al leerla en su propia lengua habría de disfrutarla más, sentirla más y hasta llorar con ella. Yo sabía que siendo ahora un escritor podría también volverla a vivir.

Ahora que cierro sus libros y mis ojos, gozo de un sentimiento fantasmal. He descubierto una cortísima y durable respuesta a un haikú; y lo disfruto, y lo descanso.

Tal vez a la Duras no haya que leerla más de dos veces en una vida.



viernes, 1 de mayo de 2009

Marionetas javanesas de vara en el Museo asiático de San Francisco




En marzo de éste 2009 visité el Museo de Arte Asiático de San Francisco (San Francisco Asian Art Museum), y tomé algunas fotos de la colección de marionetas de vara javanesas en exhibición.

Parece que el museo posee una colección de docenas de este tipo de marionetas ( y muñecos de otros teatros más), pero sólo unas cuantas están en aparador. (1)

La siguiente información venía dentro de la placa informativa de la colección (en inglés en el original):


"Rod Puppets (wayang golek) of Java, Indonesia.


Indonesian Puppet Traditions


Amond the performing arts traditions of Indonesia, the most familiar to outsiders is the shadow puppet theater (wayang kulit).


Another important, though less well known, Indonesian performing arts is the theater of three-dimensional rod puppets (wayang golek). Unlike the shadow puppet theater, which has been nurtured in the aristocratic courts of Central java,wayang golek has been a popular, nonaristocratic tradition. It has flourished along the northern coast and western Java.


The puppet theater of Indonesia is not a children's theater, although children are often fascinated by it. Its stories are derived from the great Indian epics the ramayana and the Mahabharata (which are familiar in varying degrees in much of Southeast asia), as well as from other literary works ad incidents of history. The stories come from both Hindu and Islamic contexts.


Performances


A sole puppeteer not only manipulates all the puppet characters but also speaks for all of them, at the same time creating sound effects and directing the accompanying musical ensemble.

Performances continue for many hours. They must not be interrupted for fear of causing disruptions in the everyday world, which the puppet world is seen as paralleling. because the puppet theater, in addition to portraying furious battles and raucous comedy,examines the most serious issues facing society, amaster puppeteer is thought to posees great spiritual power.

The Puppets


The puppets, carved of wood, are brightly painted, and dressed in clothing and jewelry of batik and other fabrics, leather, sequins, and beads. Their hands can be turned by the pupeteer, and their long arms are hinged at shoulders, elbows, and wrists, allowing the puppeteer to use the rods attached to the hands to create a wide range of expressive gestures.


The facial features, colors, and costumes of the puppets identify the characters they represent, from beautiful princesses to noble warriors to scheming courtiers to mischievous clowns to exalted gods. The Indonesian audience usually knows the stories presented, can recognize the puppet characters, and is aware of their powers and weaknesses as well as the quirks of their personalities. The characters are so familiar that you can say "our neighbor is acting like Bhima," and everyone will know what you mean.
"











Hay varios video en Youtube sobre Walang golek, aquí uno de esos links: http://www.youtube.com/watch?v=4u-0Pa3fGF4



domingo, 26 de abril de 2009

Teatro y los primeros films americanos 2: Comedia. (Documentos sobre una olvidada forma de actuar)

Esta es la segunda entrada de la serie dedicada al "teatro y los primeros films americanos". Repito la introducción aparecida en la primera entrada.


Introducción


Como ya he hablado en otra entrada del Blog, "Sarah Bernhardt y Eleonora Duse, documentos audiovisuales en la red y una manera de extinta de actuar", las primeras películas mudas son verdaderos documentos sobre olvidadas formas de actuar. Hace unas semanas quedé gratamente sorprendido al encontrar en el sitio de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos una gran colección de películas norteamericanas de finales del siglo XIX y principios del XX, la mayoría de ellas la simple transposición de representaciones teatrales breves o extractos de piezas de teatro: comedia, acrobacia, danza, melodramas e incluso algún tipo de tragedias .

La diferencia con otros cortos de cine filmado por Edison o Méliès (documentales o juegos de imágenes, trucos de cámara e incluso historias hechas especialmente para el cine) es que éstos que muestran en el sitio de la librería del congreso fueron realizados porque eran piezas de teatro o espectáculos interesantes para cualquier "escenario", interesantes para el ojo común, fueron escogidos porque eran un camino viable y práctico para el nuevo medio de comunicación visual, el cine; eran productos escénicos comunes y con cierto éxito en el teatro del momento, algunos de ellos basados en obras de teatro regularmente puestas en escena en la época. El cambio, si lo hay, al convertirlos en cine se da debido a la imposibilidad del usar el sonido y por lo tanto un texto para escuchar, pero en ningún momento se da apun el gran estilo del reconocido cine mudo de los años posteriores: en suma, estos cortos presentados aquí eran teatro puro, teatro que era filmado, el cambio aquí era sólo de lugar y no de estilo de actuación. Las dos principales compañías que se muestran, Mutoscope y la American Biograph, cambiaron su sencillo estilo de hacer las cosas cuando DW Griffith entró a dirigir Mutoscope y cuando ésta se unió a la compañía de Edison (con la compra por Edison de una gran parte de Mutoscope) para hacer un gran empresa conjunta.

Así pues, tenemos aquí algunos documentos sobre movimiento físico y actuaciones en el teatro de finales del siglo 19 y principios del 20. No se trata de grandes actores, ni siquiera de estrellas, sino de actores y artistas comúnes, y ahí creo radica su interés documental e histórico.

Podemos tranquilamente y con calma ver las posiciones de sus cuerpos, las cadenas de acciones físicas, los gestos, incluso reconocer el tempo y ritmo utilizados en la escena norteamerican hace más de un siglo.

Una vez más, y éste ha sido el objetivo de mi proyecto en el Blog, podemos observar los documentos expuestos como la muestra de una diferente forma de actuar, como un punto de referencia para reconocer lo que hemos llamado hasta hace unos años "buena actuación " y "mala actuación" durante la dictadura del realismo en el siglo 20.


Película cómicas


Esto es lo que el sitio de la Librerpia del congreso de estados Unidos dice sobre su colección de películas cómicas de antes de 1910 (en inglés en el original):


Comedy acts in various forms--including monologists, two-person acts with a straight man/woman and a comic foil--and broad farcical sketches were dominant forms of variety stage entertainment. When these comic sketches were translated to silent film, however, the important element of dialogue was omitted. The examples found in this collection, therefore, largely feature non-verbal humor that could be easily understood in screen.

While these examples are certainly typical of vaudeville humor, there is unfortunately no way of knowing whether these particular skits were actually performed on the stage. It is possible that some skits were adapted for use in these motion pictures or that only the less verbal parts of the acts were used. These motion pictures did, however, use typical vaudeville sets, humor, and stereotypical characters from the vaudeville stage.

Some of the acts featured in this collection were based on characters from comic strips, including Alphonse and Gaston, the Happy Hooligan , and Foxy Grandpa. These characters were also used in stage shows. (...)"


Alphonse and Gaston, corto cómico filmado en 1903




jueves, 23 de abril de 2009

Concurso Hispanoamericano de Dramaturgia


Recibí un correo de parte de Luis Alejandro Simón, director del Club de Teatro "Bárbara Simón" que para festejar el 50 aniversario del Banco Interamericano de Desarrollo (institución al a que pertenece el Club) promueve un concurso hispanoamericano de dramaturgia. Aquí el el texto que me envió:


El Club de Teatro "Bárbara Simon" de la Asociación de Empleados del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) festeja el Cincuenta Aniversario de esta Institución con el lanzamiento del "Concurso Hispanoamericano de Dramaturgia".

Este evento reparte entre sus ganadores, US$ 17.000 en efectivo más un impactante paquete de premios especiales.
Les invito a leer las bases del concurso en nuestra página web:
www.teatrobid.org

Adjunto al presente el afiche del Concurso, agradeciendo sinceramente su difusión.
Su gestión será de vital importancia para acercar esta convocatoria a los dramaturgos chinos o a los dramaturgos hispanoamericanos que viven en China. Esperamos que esta propuesta sirva de estímulo para abrirles el camino a una carrera internacional y les brinde nuevas oportunidades de desarrollo artístico.

( ... )

Le agradezco por anticipado ayudarnos a difundir nuestro Concurso en China.

Atentamente,
Luis Alejandro Simón
Director General
Club de Teatro"Bárbara Simon"

Asociación de Empleados del BID

1300 New York Ave. N.W Washington, D.C 20577 - USA "


Fuí entonces a la página, www.teatrobid.org, a la que todos pueden accesar, y copié las bases del concurso:

Concurso Hispanoamericano de Dramaturgia

En Celebración del
Cincuenta Aniversario del BID

El Club de Teatro “Bárbara Simon” de la Asociación de Empleados del Banco Interamericano de Desarrollo (BID), convoca a los autores teatrales a participar del Concurso Hispanoamericano de Dramaturgia en celebración del Cincuenta Aniversario del BID. La Asociación de Empleados del BID es un organismo representativo de los empleados, que entre otras finalidades, promueve el bienestar de los empleados a través de actividades sociales, culturales, de deportes o recreacionales.

Los dramaturgos contemporáneos hispanoamericanos tienen por delante un arduo camino para convencer a los teatros de la posibilidad de estrenar sus piezas teatrales y es aquí donde los concursos literarios desempeñan un papel fundamental: avalar la calidad de un dramaturgo y abrir así una oportunidad que eventualmente impulsará su carrera artística. El público tendrá entonces la última palabra y decidirá el destino de su obra, mediante su aceptación o su rechazo. Pero para llegar a abrir el telón, los concursos constituyen en nuestros días una gran puerta que conduce a un dramaturgo al escenario.

Para participar de este concurso los autores podrán escoger una de las siguientes categorías:

  1. Gran Comedia Hispanoamericana para un mínimo de siete personajes (Escrita en español)
  2. Hispanos en USA, but sin estereotipos (Escrita en español, inglés o spanglish).
  3. Teatro Infantil (Escrita en español)

Podrán participar del Concurso los ciudadanos nativos o extranjeros que cuenten con más de cinco años de residencia comprobable en cualquiera de los países miembros del BID:

Alemania, Argentina, Austria, Bahamas, Barbados, Bélgica, Belice, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Costa Rica, Croacia, Dinamarca, Ecuador, El Salvador, Eslovenia, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Guatemala, Guyana, Haití, Holanda, Honduras, Israel, Italia, Jamaica, Japón, México, Nicaragua, Noruega, Panamá, Paraguay, Perú, Portugal, Reino Unido, República de Corea, República Dominicana, República Popular de China, Suecia, Suiza, Suriname, Trinidad y Tobago, Uruguay y Venezuela.

Las obras presentadas no tendrán limitaciones de propuestas estéticas y deberán ser originales (no adaptaciones), inéditas, no estrenadas, no haber sido premiadas anteriormente, ni escenificadas con anterioridad en ningún país, ni tampoco podrán estar participando en procesos de selección de ningún otro concurso durante el periodo de tiempo comprendido desde el comienzo de la fase de selección hasta el fallo de premiación de este concurso.

El jurado seleccionará 4 ganadores por categoría otorgando premios por la cantidad total de US$ 17.000 en efectivo que se suman al siguiente paquete de premios especiales:

  1. El Club de Teatro “Bárbara Simon” representará la obra ganadora de la categoría “Gran Comedia Hispanoamericana para un mínimo de siete personajes” en el Auditorio Enrique Iglesias (EVI) del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) en Washington, D.C., durante su temporada teatral 2010/2011.
  2. El ganador del primer premio de la categoría “Gran Comedia Hispanoamericana para un mínimo de siete personajes” viajará a Washington, D.C. con los gastos de viaje y alojamiento pagados para estar presente en el estreno mundial de su obra.
  3. El Club de Teatro “Bárbara Simon” publicará en 2011 una selección de las 10 mejores obras del Concurso (ver detalles en Bases). La publicación será posteriormente distribuida a teatros y bibliotecas de Hispanoamérica que determine el Club de Teatro.
  4. El Thalia Spanish Theatre (Nueva York) representará la obra ganadora de la categoría "Hispanos en USA but sin estereotipos" en Estreno Mundial en producción bilingüe durante su temporada teatral 2010/2011.
  5. La Sociedad Educativa de las Artes Inc., SEA (Nueva York) seleccionará una de las obras ganadoras de la categoría “Teatro Infantil” para ser representada durante su temporada teatral 2010/2011.
  6. El Teatro GALA, a través de su programa infantil GALITA (Washington, D.C.) seleccionará una de las obras ganadoras de la categoría “Teatro Infantil” para ser representada durante su temporada teatral 2010/2011.

La convocatoria se abrirá el 1 de abril de 2009 y concluirá el 1 de septiembre de 2009.

Las obras deberán enviarse, por duplicado a:

Luis Simón
Director Ejecutivo
Concurso Hispanoamericano de Dramaturgia
Asociación de Empleados del BID
1350 New York Ave. N.W – Stop B-0670
Washington D.C. – 20577 -USA

Auspician este concurso: Banco Interamericano de Desarrollo (BID); Asociación de Empleados del BID; Asociación de Familias del BID; Centro Español de Washington, D.C.; Embajada de España en Estados Unidos; Embajada de Venezuela en Estados Unidos; Embajada de Uruguay en Estados Unidos; Telemundo; Centro Dramático Nacional (Ministerio de Cultura, España); Thalia Spanish Theatre; Teatro GALA y la Sociedad Educativa de las Artes Inc. (SEA) y el Ministerio de Cultura de Guatemala.
Solo serán aceptadas aquellas obras que cumplan todos los requisitos detallados en las bases del Concurso.

Bases:
Documento en Español (PDF)

Convocatoria:
Abr 1 - Sep 1

Enviar Obras a:
Luis Simón
Director Ejecutivo
Concurso Hispanoamericano de Dramaturgia
Asociación de Empleados del BID
1350 New York Ave NW
Stop B-0670
Washington, DC 20577
USA

Consultas:
Ana Nuchowich
Productora General
Correo: teatrobid@iadb.org
No se aceptarán consultas telefónicas de ningún tipo, ni se recibirán obras enviadas por correo electrónico.


lunes, 20 de abril de 2009

东宫西宫 "Palacio del este, Palacio del oeste"… video de un montaje y un pretexto para hablar de la censura al evento artístico en la China de hoy.



El montaje de 三枝橘制作 Thèâtre des trois oranges (“Teatro de las tres naranjas”), 东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste", en enero de 2009 en Beijing, trajo consigo una común actitud dentro de los representantes del gobierno chino, la censura.

China tiene y siempre ha tenido una política cultural focalizada en mantener lo que ha llamado durante siglos “la salud y armonía del pueblo chino”; por más que esas vagas palabras hayan sido interpretadas de formas muy distintas en sus cacareados 5000 años de civilización, lo que es cierto es que los artistas chinos jamás han gozado de una libertad creativa sino hasta que han salido de su país (desde mediados del siglo XX). Así que quien decide ser un creador en la China continental debe entonces atenerse a las consecuencias y actuar acorde; ejemplos de ello son las notas e historias, algunas dolorosas, de decenas de escritores y directores de cine, que a partir de alguna obra creada el gobierno chino ha reaccionado censurando y prohibiendo al artista seguir creando o presentando su creación por dos, tres o diez años (en otros tiempos la cárcel o incluso la vida), debido a que considera que la pieza de arte en cuestión es un acto en detrimento de la imagen china o de los chinos en el extranjero y/o atenta contra la salud y la armonía del pueblo chino.

El día del reestreno (la obra fue estrenada en la versión de esta compañía en 2006) de 东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste”, se dió una confusión entre las personas que habíamos sido invitadas; en el teatro decían (si uno hablaba por teléfono o preguntaba en el lugar) que la obra no sería presentada o que no estaba en el calendario y que esa noche se representaría 火车带我去哪里, que se traduciría en algo así como "¿A dónde me lleva el tren?", otra obra china. Ante la extrañeza del acto, me decidí corroborar con Xavier Froment, el director del montaje y de la compañía, y en una frase amable dentro de un mensaje de texto desde su teléfono móvil nos aclaraba que la obra iba a ser representada ese día como estaba planeado pero sin el nombre real, los censores (Xavier les llama "el gobierno") habían decidido que no era un tema apropiado y la pieza no debía estar en archivo como “en función”. Así que la función tuvo lugar en el teatro indicado pero con otro nombre (lo que no me aclaró si eso apaciguaba la orden de los representantes del gobierno o sólo se les ocultaba el acto). Lo que sí es claro es que al llegar se nos vendían los boletos, que sí tenían el nombre real de la pieza, y se nos quitaban inmediatamente para que no quedara ningun rastro de esa representación (1). Las fotos siguientes muestran algo de esa confusión.



东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” es una pieza escrita por el dramaturgo Wang Xiaobo en los años 90 del siglo pasado, y habla sobre una relación sadomasoquista homosexual entre un policía y un hombre que busca sexo en los baños de los parques aledaños a la plaza Tian’anmen. La pieza se hizo famosa a través de una película del mismo nombre (1996) y que le provocó a su director un encierro domiciliario además de la prohibición creativa durante algunos años por parte del gobierno chino (2). No tengo claro si la versión de Trois oranges está basada en el film o el en texto original de Wang Xiaobo.

Tengo entendido que los censores no visitan los montajes antes de leer una sinopsis del montaje o la pieza a poner en escena; en este caso ellos no necesitaban nada más que saber el nombre de la obra y reconocerla dentro de su lista de obras prohibidas; sin embargo por cuestiones burocráticas o simple desidia debieron hacerlo hasta el último momento o quisieron lavarse las manos proponiendo el cambio de nombre de obra al teatro.


Fotografías de 东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” (Pekín. Enero, 2009)
Nota: si tienes algún problema en ver bien ésta serie de diapositivas, haz link en el recuadro y te llevará a la página de Picasa.com en donde están las fotos.






东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” es un montaje interesante y valiente en el contexto del teatro chino actual (y con la historia de la película que tiene detrás de sí); no hay desnudos pero hay escenas claras de sexo entre hombres y toda una coreografía sadomasoquista homosexual muy evidente; los textos son claros e incluso duros en cuanto a las palabras y las frases utilizadas, conteniendo mucho slang pekinés usado entre homosexuales. Al director, Xavier Froment, le reconozco ya una característica en la actuación de sus actores: una aparente pasividad corporal, como evitando el tradicional exceso de la actuación realista china; sus actores pareciera se mueven en una muy definida coreografía, teniendo en la mayor parte del tiempo claras y concretas tareas escénicas a realizar, evitando así cualquier juego de improvisación. Las imágenes en escena, otra punto crucial en Froment, necesitan de una gran preparación en la escena misma, y cuando llegan a definirse, en su climax, muestran una fuerza y una penetración total en el espectador. Puedo recordar que en un intercambio de frases por casi cinco minutos, el policía (actuado por Kang Luqi) se dedica a amarrar con un gran lazo a su contraparte, pero esa accción no tiene relación directa con el texto dicho, sólo hasta el final, en un momento violento de texto y emoción la preparación adquiere sentido (podrán ver las imágenes tanto en el video como en las fotografías expuestas). La escena final nos lleva a la pasión desatada en el policía; él, que no había aceptado el juego autodestructivo y seductor del hombre de los baños, explota y literalmente viola al hombre hasta la saciedad.

A través de mis años viviendo en China he aprendido que aún cuando no esté escrito en una ley hay decenas de prohibiciones en la escena china: está prohibido el sexo explícito, los desnudos, las palabras altisonantes, los temas religiosos, los temas políticos, mencionar al gobierno actual, tratar temas sociales, tratar en general temas de actualidad, los temas escandalosos, y varios etcéteras que quieran sumar. He aprendido que es mejor montar piezas aceptadas en la lista (que nadie conoce de bien a bien), y que en general son las llamadas clásicas antes que montar o crear cualquier nueva obra; he aprendido también que el teatro en la calle no existe en su sentido moderno, no hay, y simplemente no se hace; he aprendido que en el arte vale esperarse todo y dedicarse al juego de las adivinanzas de qué es lo aceptado o no, de cuál es la tendencia y cuál no, de cuál es el futuro que quiero y cuál el que no quiero ni para mí ni para mi familia o incluso amigos y compañeros de trabajo. Las venganzas de los "atentados" a la salud y la armonía del pueblo chino pueden ser devastadoras en la vida creativa y biológica de cualquier artista chino.

Recuerdo haber sido testigo de varios actos de este tipo. Apenas llegando a Pekín en 2005 fue suspendida la muestra de cine lesbico-gay que se realizaba en la zona industrial-artística de Dashanzi 798, entonces aún una zona de arte alternativo; en 2007, se suspendió una feria-encuentro de practicantes del Tatoo Art cuando ya llevaba un día, debido al éxito que había tenido y a la difusión en los medios mostrando demasiada gente fuera de lo normal en un espacio cultural chino, el pretexto fue que el recinto no soportaba la cantidad de gente; en 2006 y 2007 fueron suspendidos por la policía dos eventos performativos, un grupo de jóvenes que buscaba sorprender a la gente en la calle dándole abrazos de cariño, y un grupo de danza irlandés que tenía planeado hacer una improvisación en la calle comercial de Wangfujing.

El caso que me es más cercano porque incluyó a un artista mexicano, fue durante la Bienal de Arte de Beijing, donde había incluídos varios artistas mexicanos (omito nombres); uno de ellos fue obligado a borrar parte de su obra o de no hacerlo ser expulsado de la bienal y del país (3). Su obra constaba de un tríptico con imágenes de hombres colgados después de una aparente ejecución, y en los tres cuadros estaba escrito en chino la declaración de los derechos humanos. Estábamos a un mes de los juegos olímpicos y al parecer todo aquello que sonara a política y crítica era materia sumamente sensible para el gobierno chino. No tengo claro de qué manera se dieron las negociaciones, pero es seguro que las hubieron y que en ellas estuvieron representantes mexicanos (incluyendo el consejero cultural de la embajada de México en China), pero se aceptó lo que en su momento consideré y sigo considerando una humillación al artista, al arte mexicano y al arte en general, que el pintor mexicano borrara el texto en chino a cambio de permanecer dentro de la Bienal (¿qué le dijeron? ¿qué le hizo no respetar su obra?). Tengo entendido que él pidió que ese "borrado" (en pintura blanca) fuera hecho por un familiar de alguien muerto en Tian’anmen; no puedo asegurar si logró que aquél familiar se prestara para ello pero el acto del “borrado” fue concretado, vi la obra, la mancha blanca existía sobre unos muy poco claros caracteres chinos y, ¿qué puedo decir?, había perdido todo su valor estético y moral. La pieza adquirió un nuevo contexto, es cierto, pero el acto fue, es y seguirá siendo una vergüenza.

东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” es un ejemplo más de los juegos de la censura china, y 三枝橘制作 Thèâtre des trois oranges está acostumbrada a ello. El montaje se dió y pudimos valorar la pieza, con un contexto diferente también, aún cuando creo que el espacio no era el indicado para ella. Disfrutamos de las actuaciones de sus dos actores, que sigo considerando de una extraña monotonía ...con aquella sensación que el escuchar el chino en escena me da, y también de sus imágenes, pero mucho más disfrutamos de aquél valor de seguir haciendo un teatro libre en chino y con chinos en estas condiciones.


Video 1: 东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” (Primera parte)
"East Palace West palace" (Part 1) A Théâtre des Trois Oranges production in Beijing. By Gustavo Thomas
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Video 2: 东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” (Segunda parte)
"East Palace West palace" (Part 2) A Théâtre des Trois Oranges production in Beijing. By Gustavo Thomas
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Video 3: 东宫西宫 "Palacio del este, palacio del oeste” (Tercera parte)
"East Palace West palace" (Part 3) A Théâtre des Trois Oranges production in Beijing. By Gustavo Thomas
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Punto final…


No he podido quitar de mi memoria una entrevista que la BBC le hizo al escritor chino, Liao Yiwu, autor que volvía a crear después de 4 años de cárcel y censura continua de su obra durante años debido a sus escritos lleno de dolor y furia, escritos referentes a los acontecimiento de la plaza de Tian’anmen en 1989 (4). Él en una actitud sumamente pasiva, antiemotiva, hablaba de haberse vuelto hacia la espiritualidad y haber olvidado el odio, la rebeldía y la pasión, y ahora con cierto tinte de sabiduría prefería dedicarse a tocar la flauta que había aprendido a tocar en la cárcel y lograr que en algún momento sus escritos fueran leídos y no destruídos del todo. Cuando el periodista al final de la entrevista le pidió exponer su pensar como cierre, él prefirió en lugar de hablar que fuera escuchada una pieza tocando él su flauta. Escuché esa música como una metáfora a la impotencia, como el final trágico de quien ha sido vencido por la fuerza universal del estado y por su censura, alguien que sólo espera su iluminación como héroe derrotado.

Liao Yiwu era un mudo tocando una flauta para seguir hablando.





(1) Como dato curioso, encontré el diario en internet de alguien en China que mencionó el acto (aconsejo copiar el texto en chino y usar el traductor de Google para leerlo al español):

"我没有想到这场话剧这么好看。
今天晚上七点半的演出,我紧赶慢赶在终于7点12分时入场,很幸运的找到了一个第二排的位置。
果然前排是对了,情不自禁的屏住每一个呼吸,全然入戏。我真怀疑看话剧如果坐在5排以外简直毫无意义。
东宫西宫在星光现场门外贴的告示名字叫《火车带我去哪里》,刚开始时我不明白,但是后来,谁在乎呢。谁在乎火车开往哪里,或者锁链通向哪里。
就像他说的那样,感觉到被需要着,束缚着,即使疼痛,甚至羞耻,也是快乐的。既然喜欢,那么就去爱吧。男人也好,女人也好。悖于常理也好。落寞也好。只要诚实面对自己的心。
衙役个子很高不是重点;他身长九尺,有着紫色的头发和金黄色的眼睛,这也不是重点。他抓到女贼后没有送交官府,没有放她自由,而是做了第三个选择。他要了她,从此以后把她铐在柱子上,据为己有。她喜欢这样的选择,白天,她就画眉施粉等待他回来,为了晚上他能够更加爱她。花容月貌在脂粉与时间中渐渐流逝,最后变成残花败柳。但这又怎样呢。觉得爱,那么就去爱吧。
阿兰坦白说:“死囚爱刽子手,女贼爱衙役,我们爱你们。除了这个还有什么选择?”
东宫西宫在表演上很大胆。对SM了解一些的人会看到更多东西。。我第一次知道原来话剧的视觉效果也可以这么厉害。而话剧想表达的感觉,最后也在久久不息的掌声中得到了肯定。我忘不了阿兰的眼睛。黑暗里依然闪烁如星光。他那么忠实于自己的感觉,不管目光,不管伦理,甚至不管自己的伤痛与毁灭。下贱与尊严都需要被重新定义。灯光瞬间转换,突然映出阿兰血红的长衫。疯狂的做爱。
散场后,我正在预订下一次的演出门票,人走的已经差不多了,一回头突然看见那三位话剧演员,和热情的观众一起留影。他眼睛依然那么明亮。那个时候我真的很想去问,为什么要选择这样少数派的题材。接受者虽不少也终究有限,限制又多。这条路,会辛苦吧。。也正是这样,才尤为珍贵。爱极了阿兰,台上的阿兰,台下的阿兰,阿兰可能是你,可能是我,也可能是他." http://www.douban.com/note/24835337/
(2) "East Palace, West Palace is a remarkable film. In 1997 the Chinese government put its director, Yuan Zhang, under house arrest and confiscated his passport. His friends smuggled the movie out of the country so that it could be shown at the 1997 Cannes film festival. We are at once talking of a film with political and artistic implications. The movie is tightly focused on a nightlong interrogation of a gay man, detained in a public park by a policeman. The political ramifications are clear, implying not only a broader indictment of the repressive regime in China, but also addressing the issue of intolerance of human differences everywhere. On the more personal level, East Palace, West Palace explores with unexpected sophistication and intimacy the expression of emotional and sexual feelings through the personal history related by the protagonist, even as he seduces his captor. Beautiful camerawork, top notch acting, and wonderful use of sound, music, and interposed theatrical images combine to make this a revealing, touching, and convincing exposition on the complexities of love.It seems only fair to alert potential viewers that the pacing is slow as the film gradually builds in intensity. Patience is required, but it is also generously rewarded." Arthur Lazere. Culturerevulture.net
(3) Si uno va a la página de las piezas mexicana de la Bienal (traducción del chino por google), podremos descubrir que la obras de los artistas mexicanos no pueden verse (al menos en servidores chinos que es donde yo los veo), aún cuando uno de los mexicanos, Javier Marín, fue uno de los ganadores de la muestra. Aquí el link de la páginas de obras de artistas: http://www.bjbiennale.com.cn/artists/work_search-e.asp
(4) Se puede ver la entrevista completa en la página de la BBC: http://news.bbc.co.uk/1/hi/programmes/hardtalk/7316423.stm


Gustavo Thomas. Get yours at bighugelabs.com

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