lunes, 21 de abril de 2008

Vergonzoso espectáculo de calle en Chengde



Es triste reconocer que dentro de la tradición del teatro de calle en China permanecen algunos eventos que muy bien habrían hecho en desaparecer, como tantos otros, para bien de la imagen del país ante los visitantes.

China es una nación llena de contradiciones. Los derechos de los animales (y también de los humanos) no son respetados de la misma manera que occidente ha tratado de hacerlo desde hace varios años (1). Los chinos aseguran poseer leyes que otorgan esos derechos pero que tienen una perspectiva diferente a la de occidente y debemos entenderlos. Yo debo aceptar que me cuesta hacerlo, mucho.

En China es una práctica común la extracción de bilis de oso (por ejemplo) para fabricar medicina tradicional; es normal vender en los supermercados pescados, mariscos, tortugas y ranas, todos aún con vida, en condiciones de hacinamiento poco sanitario, por la sola idea de "frescura"; uno puede ver sin problema que se lelve a su mesa en cualquier buen restaurante langostas moviéndose aún (agonizando) y que ya ha sido cortada su carne y puesta cruda en pedazos sobre su vientre; así mismo es común usar animales en publicidad o programas de televisión donde son maltratados abiertamente para dar una imagen de comicidad al espectador. También (sí, el teatro no se salva) he encontrado que realizar espectáculos de calle con animales y su domador se practica aún.

El pasado sábado 18 de abril de este 2008 realicé un pequeño viaje a la ciudad de Chengde; apenas saliendo de la estación del tren pude ver cómo un "domador" realizaba un simple pero cruel espectáculo de calle con animales, tres monos amarrados del cuello y latigueados para realizar algunas acciones "cómicas". Como hace 100 años en muchas naciones se podía ver, hoy por hoy en Chengde, pude constatar la existencia de este tipo de teatro en el que un grupo de ignorantes se congregaba para disfrutar de la crueldad hacia tres animales.

Perdí un poco de tiempo intentando tomar la cara del "domador" y exponer su estado mental (no sé si lo logré) pero el video es claro en exponer lo que he descrito anteriormente. Tuve que detener la grabación porque un hombre, compañero del domador, intentaba con mucha insistencia hacerme pagar por ello y me negué a hacerlo.





Desgraciadamente éste no fue el único ejemplo que pude ver en Chengde, en mi camino al hotel vi otro más (también con monos), así que puedo asegurar que es una práctica regular en esta parte del país.

Es una pena porque en la misma Chengde pude encontrar más ejemplos de teatro de calle tradicional que yo buscaba con emoción (y que compartiré en otra entrada, claro). Ya lo sé, no todo es perfecto.


(1) Gracias a comentarios expuestos en el Blog en inglés pude recordar y reconocer que China no es un país aislado en donde sucede ésto, Japón comparte este tipo de espectáculos de tradición callejera muy a mi pesar (¡la sociedad japonesa es tan extraña!). Por otro lado es importante reconocer también que en occidente se hacen espectáculos con animales, sí, y muchas veces de una gran crueldad; la diferencia está tal vez en la opción del rechazo y de ser motivo, en su caso, de una persecución legal; además de haberse creado ya una conciencia al respecto en el público en general.



viernes, 11 de abril de 2008

Función de marionetas durante la época de la revolución cultural en China (1972)



En 1972 Michelangelo Antonioni fue invitado por el gobierno chino (se dice que entre ellos estaba Den Xiaoping) a una estancia de algunas semanas en China, para que filmase los "logros" de la Revolución Cultural.

Antonioni filmó de acuerdo a las indicaciones de los consejeros chinos que siempre estuvo a su lado, en los lugares que le indicaron, a las personas y grupos que le dijeron, y aún así el documental en su producto final fue prohibido (1). Gracias al arte de la edición Antonioni hizo de un documental dirigido a la propaganda política una muy sutil pero rebelde (por cruda y simple) exposición crítica de los logros de ese famoso experimento social.

No pretenderé hacer una reseña o crítica del film; el texto anterior es sólo un preámbulo a la presentación de una escena (entre varias) de la vida cotidiana china de los 70s, una función de marionetas en el teatro Chang'An en Pekín.

Todo Pekín a cambiado, enormemente, y el teatro Chang'An también, es simplemente imposible reconocerlo.


La función es la puesta en escena de un grupo de marionetas de gran tamaño que imitan a una orquesta musical. No hay, como el realismo socialista lo exigía y más aún la ideología de la revolución cultural, ningún atisbo de tradición, todo es imitación de la realidad o en todo caso de una realidad ideal, y en este caso no hay exposición de ideas, solo una representación musical. Las marionetas están vestidas como niños o adolescentes maoístas, con sus pañoletas rojas y sus uniformes blancos, cuerpos y caras que semejan salud, felicidad, entereza, seguridad.


El público popular chino como siempre feliz, disfrutando todo aquello que se le pone enfrente, riendo a sus anchas ante el menor movimiento de ojos de las marionetas. Antonioni le da su lugar a ese público antes de la representación y permanece presente con el sonido de sus grandes carcajadas durante toda la interpretación musical.


El documento del director italiano es en esta escena como en todo su documental, directo, claro, simple; es en el contexto de la China del año 1972 en donde se sitúa y profundiza nuestra apreciación de lo que vemos; y es ahora aquí, en este Blog, que es a su vez dirigido al contexto del arte escénico y en especial al del teatro de marionetas, un punto que tal vez pocos han atendido del film.

El manejo de las marionetas parece de una profesionalidad absoluta, y es verdaderamente entretenido; algunas presentan mucha "vida", como aquella marioneta que toca el er-hu (esa especie de diminuto violín-chelo que se posa sobre el muslo, tan característico en la música china).





(1) Tuvo su primera y única presentación en China hasta el año 2005.

lunes, 7 de abril de 2008

Teatro de calle en la China de hoy (II)



Nota:
Esta es la segunda parte de la entrada que inicié el 25 de marzo de 2008: El teatro de calle en la China de hoy (I)


Acrobacia y teatro de calle en Shanghai en 1927


Observemos varios espectáculos de calle ofrecidos en Shanghai en el año de 1927.

Gracias a la preservacion de un documental alemán dedicado a mostrar la vida en Shanghai en el año 1927, podemos observar escenas tanto de teatro callejero cómico, como de acrobacia y artes marciales (que han estado siempre ligados en la historia del espectáculo en China), incluyendo a la ópera china misma que siempre tuvo una vertiente de teatro en interiores (palacios, casa de té, teatros mismos) y presentaciones de calle.

Es inegablemente una muestra de la vida que poseían las calles chinas en los años 20 del siglo pasado y que ahora estan completamente perdidas a excepción de los momentos de las ferias populares.


Teatro de calle en Shanghai (1927)



Espectáculo acrobático en una calle de Shanghai (1927)




Espectáculo de artes marciales en una calle de Shanghai (1927)



Espectáculo de artes marciales en una calle de Shanghai (1927)





Se dice que una gran parte de la evolución de la Opera de Beijing (Opera de Pekín) en el siglo XIX se dió en los eventos al aire libre: las características de su música, de sus movimientos y de sus historias tiene mucho que ver con que en sus incios las óperas estaban pensadas para atraer la atención de espectadores en medio del gran alboroto de fiestas, ferias u otros eventos especiales. Ese tipo de ópera china no existe más, al menos en las grandes ciudades chinas donde ahora es toda una institución cultural llena de profundidad y fineza, sólo para conocedores (y turistas).

El espectáculo de calle en China, por lo tanto, carece en la actualidad de una estructura dramática, es en general una serie de actos aislados de canto, acrobacia o danza. Nunca, hasta ahora, me he topado con un evento escénico que tuviese una estructura dramática, a no ser que hubiera sido alguna presentación de escenas de la Opera de Beijing al aire libre.

Los eventos de masas tanto del gobierno como de la televisión, estrictamente controlados, ofrecen un ejemplo de la evolución del espectáculo de calle. Los grupos y compañías antes aislados, independientes, han sido absorbidos por el gobierno y por las grandes empresas de medios; han dejado de existir, y en su lugar tiene lugar inmensas coreografias donde hasta 10000 personas realizan alguna forma del Taijiquan o 500 niños vestidos de monjes shaolin realizan alguna de sus rutinas; coregografías donde decenas de bailarinas realizan algun baile tradicional acompañando a un cantante de fama o simplemente presentándose para los turistas cada dterminado tiempo en una funcion sobre un templete permanente en algún sitio de interés.

El evento callejero de carácter político es inexistente, y no dudo en pensar que su alto de grado de riesgo como una de las causas de su inexistencia.


Dashanzi 798


El espectáculo deja de serlo y se ha convertido en “performance”; ésto le ha dado a Beijing una singular manera de expresión no peligrosa (hasta ahora) para las leyes chinas; el lugar especial para trabajarlo es el centro cultural Dashanzi 798, el principal espacio dedicado a la cultura de vanguardia en China.

Un grupo de fábricas abandonadas de los ya poco gloriosos años comunistas (algunas aún siguen trabajando), se han ido convirtiendo en el nuevo Soho de la China poderosa económicamente; el lugar alberga decenas de galerías, tiendas de artesanías, cafés y restaurantes así como uno o dos espacios escénicos interesantes. Por las características de sus bodegas, calles y plazas (o espacios abiertos) se ha dado toda una serie de eventos que los utilizan y los transforman.

Video Festival de Performance en Dashanzi 798:



Entonces, en Dashanzi 798 no se ven espectáculo callejeros sino “performances”; como tales éstos eventos guardan cierta escencia del teatro de calle: improvisación, la idea de un evento único (cada función lo es en el teatro de calle debido al azar del público y el espacio), y una conceptología escénico-artística.

Mucho más ligados a las artes visuales (Pintura, Escultura y video) estos “performances” se han convertido en la más seria forma de espectáculo de calle en la ciudad. Aún así muchos de estos eventos tienen sólo la singularidad de ser públicos y no escénicos, carentes de estructura dramática o con la idea de un "espectáculo" (como muchos de los "performances" de los hermanos Gao por ejemplo, alguna vez parte del grupo de artistas de vanguardia en Dashanzi y ahora aclamados internacionalmente). Una vez más, la mayoría de estos "performances" se dan con artistas plásticos extranjeros.

Video Ameret performance:



Mi experiencia puede ser considerada mínima en cuanto la historia del "Performance Art" en China, y mucho más que yo he llegado a este país después de haber habido una interesante explosión artistica desde los años 90 hasta principios del año 2000. Desde 2005 se han prohibido toda clase de eventos "rebeldes" o de crítica directa que pudieron tener lugar años atrás. Así esa explosion ha devenido en pequeños eventos con poca publicidad: no más fuego y explosiones a todo lo largo de la muralla china o gente colgada en esculturas en plena calle.

Sólo como referencia (y con precaución, confiando en las fuentes desconocidas de las que se nutre el sitio) ofrezco una cita (en inglés) de Wikipedia donde se comenta sobre esta explosion del "performance art" al que hago referencia:

"Performance art in China has been growing since the 1970s as a response to the very traditional nature of Chinese state-run art schools. It is becoming more and more popular in spite of the fact that it is currently outlawed. In 1999 the importance of contemporary ChineseChinese artists in the Venice Biennale. In recent years many of these artists have made performances specifically for photography or film. Interest in Chinese art has never been higher. art was recognized by the inclusion of 19 contemporary.

Some of the more extreme examples of Chinese performance art have become notorious in the West. In 2000, Zhu Yu, a painter and performance artist from Cheng Du, created a scandal by taking a number of photographs of himself, supposedly, eating a foetus as a protest against state abortions as a means of population control. Peng Yu and Sun Yuan have also worked with human body parts as well as with live animals and are equally notorious. Some younger performance artists who have exhibited widely in the west in 2005-6 are Shu Yang organiser of the Dadao performance art festival in Beijing, Yang Zhichao, famous for having his identity card number branded on his back and Wang Chuyu who went on hunger strike as part of an exhibition called Fuck Off that took place in Shanghai in 2000 in opposition to the Shanghai Biennale.

They acknowledge a debt to older performance artist/ curator Ai Weiwei. Other well known artist are Ma Luming and Zhu Ming.

The 1996 film Frozen (Chinese title: Jidu Hanleng; 极度寒冷) by Chinese director Wang Xiaoshuai, made under the pseudonym Wu Ming, has as its protagonists a group of Chinese performance artists, who are shown engaging in several street performances in the film."


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La calle es fascinante para el creador teatral, es el teatro que va a la escenografía, la vida que es sorprendida por el evento ficticio del teatro. El gobierno chino le teme por su carácter sopresivo y liberador, y ha buscado si no reprimirla sí manejarla, supervisarla hasta la casi extinción… Pero la esperanza que radica en la esencia del espectáculo de calle en todas esas partes de la China actual que hemos visto aquí abre algunas puertas tanto a la imaginación como a la libertad misma del pensamiento.



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miércoles, 26 de marzo de 2008

Un nuevo video con Sarah Bernhardt en escena: Le Duel d'Hamlet

Añado este video, recientement subido a Youtube, a mi entrada del 9 de enero de 2008: Sarah Bernhardt y Eleonora Duse. El documento audiovisual en la red y comparaciones de una forma extinta de actuar.


Sarah Bernhardt actuando Hamlet (1900)




La página de Yotuube tiene la siguiente nota (original en inglés):

"Uno de una serie de films sobre puestas en escena producidos por el "Phono-Cinéma-Théâtre" para la exposición de París de 1900. Los filmes fueron sincronizados con grabaciones fonográficas, sin embargo en el caso de este film la grabación (hoy perdida) se cree que haya sido solamente el sonido del chocar de las espadas."


- Nota original en inglés:

"One of a series of films of stars of the stage produced for the Phono-Cinéma-Théâtre at the Paris Exposition of 1900. The films were synchronised with phonograph recordings although in the case of this film the recording (now lost) is believed to have been the sound effect of the sword clashes."


martes, 25 de marzo de 2008

El teatro de calle en la China de hoy (I)

Nota introductoria: Después de 3 años en China y con la experiencia que me ha dado el buscar todo tipo de teatro en vivo, vaya por donde vaya, puedo unir y explorar un poco más sobre un tema bastante poco usual, su teatro de calle. Hago uso tanto de videos anteriores como nuevos.
Lo que escribo es una parte, claro, de mi personal punto de vista, pero los videos, estoy seguro, pueden dar un real y mayor acercamiento al tema.



El teatro de calle en China o las “manifestaciones escénicas callejeras en la China actual”. (1)


La tradición europea del teatro de calle ha devenido en los ultimos años en un fantástico desarrollo tanto de las técnicas de actuación como de dirección y estructura dramática, y ha esparcido su influencia por todo el mundo. Grupos como el Odin teatret, Tascabile de Bergamo y Potlach, han creado incluso una nueva escuela o vertiente dentro del teatro mismo.

Latinoamérica, Australia y Norteamérica han unido sus individuales tradiciones de teatro de calle a estos nuevos hallazgos del teatro europeo dándole a los eventos de masas momentos inolvidables de creatividad escénica. Así mismo la legendaria tradición teatral de oriente, en especial de la India y Bali, han sido una fuente tanto de inspiración como de intercambio con estos movimientos del teatro de calle actual.

El teatro de calle chino en cambio ha estado cerrado al mundo, en algún momento durante la revolución cultural completamente borrado, y hoy por hoy (2008) se enfrenta a un momento difícil para su existencia.

El teatro de calle está prohibido en China.

La frase es dura, y es también mentirosa. No, no lo está; no hay hasta donde yo sé una sola línea en las leyes chinas que lo prohiba, pero como todos lo sabemos, no tiene que estar ahí escrito para ser prohibido. La prohibición que sí está es en la manifestación pública sin permiso de las autoridades (policía) y en cualquier manifestación pública que ponga en peligro la seguridad de los asistentes o de la nación, etc. Los eventos de Tian'An men en 1989 dejaron un mal recuerdo a las autoridades chinas, y hoy por hoy, ni los olímpicos ni el crecimiento económico desmesurado han dado las pautas para una abertura en ese término (2).

Aún con esa política china en la que se lleva de paso a las actividades artísticas (excepción de la pintura y escultura), con un poco de suerte y estando a la caza de ello, las manifestaciones escénicas callejeras pueden ser vistas en alguna parte de sus inmensamente pobladas ciudades. Mi experiencia se centra en las dos más importantes, Beijing y Shanghai.



Wangfujing y el parque Chaoyang



Como las plazas y las calles chinas no pueden ser tomadas por sorpresa y prácticamente no se da un permiso a grupos de teatro de calle (yo no he visto uno solo en un espacio abierto en tres años que he vivido aquí), es dentro de los centros de diversión o cultura y en ocasiones muy especiales en la calle de Wangfujing, la mayor calle comercial popular de Beijing, donde esos espectáculos tienen lugar.

Esa sorpresa inicial de este tipo de teatro desaparece por supuesto, y el espectador se enfrenta al juego del espectáculo programado de calle, como en los festivales de teatro en cualquier parte del mundo; queda sin embargo el hecho que el público en general no sabe que el espéctáculo tendrá lugar ahí pues el lugar comúnmente no se usa para ello; se permite un pequeño engaño entonces por el bien de la sorpresa teatral.

Hasta ahora no he presenciado sino algunas danzas o desfiles (turísticos o comerciales) en esa calle; sé por fuentes directas que se han hecho también algunos intentos con “performances” que han sido suspendidos por no tener los permisos indicados. Toda manifestación artística en Wangfujing ha sido extranjera, ningún chino ha participado en ella.

Algunos fotos aparecidas en internet sobre eventos en Wangfujing:



El parque Chaoyang por su característica de ser en parte un parque de diversiones ha acogido varios espectáculos programados (y por lo tanto sin temor a la sopresa), espectáculos que en otras partes del mundo pertenecen al teatro callejero. No he sabido de ningún grupo chino que se haya presentado en los ultimos años.

En el video obervamos al grupo australiano Strangefruit con parte de su espectáculo Synchroswing.

Synchroswing in Pekín




Mendigos en Shanghai



Es también posible ver o darle el nombre de espectáculos callejeros a algunos eventos que se dan en la vida cotidiana.

En Beijing no está permitido mendigar y escasamente se ve a algunos haciéndolo en la zona donde los extranjeros se divierten, Sanlitun, pero no así en ninguna otra parte de la ciudad. Es en otras ciudades, como Shanghai, donde el número de pobres ha superado a las instituciones, y los ciegos, inválidos y demás en difíciles condiciones además de pedir dinero comienzan (o retoman de la tradición china) a usar algún tipo de “arte escénica” para ganarse la vida, principalmente la música.




Liulichang en la feria del año nuevo chino



Otro lugar con posibilidad de albergar algún tipo de espectáculo de calle son las ferias especiales, donde las instituciones de cultura del gobierno contratan algunos artistas a hacer sus actos; el público que asiste en grandes cantidades debido a la celebración del año nuevo o alguna fiesta patriótica, puede observar actos de calle con mucho de improvisación.

La ferie del año nuevo que se realiza en la famosa calle Liulichang (Hepingmen) en Beijing, recibe a más de un millón de personas por día y además de cientos de puestos de comida y baratijas hay tanto escenarios para danzas y canto como simples “espacios” definidos por los espectadores donde se dan eventos acrobáticos o dancísticos.







El Teatro Nuo y los teatros tradicionales al aire libre


Aunque no es parte de mi tema creo importante mencionar que el teatro y danzas tradicionales al aire libre han formado parte escencial de la vida artística de China durante cientos de años. Así como en la feria de Liulichang en Beijing se pueden dar espectáculos acrobáticos y dancísticos, en algunas parte de China se ofrecen también espectáculos de operas al aire libre, además de danzas tradicionales.

Todos estos espectáculos forman parte de un programa turístico del gobierno chino, están ligados a la educación cultural en el sentido que cada región "debe" ofrecer sus danzas y teatro como parte de su acervo a los visitantes. Mucho de ello ha perdido su caracter religioso o popular original.

No tengo hasta ahora conocimiento de ningún espectáculo de corte moderno o contemporáneo chino en este sentido.


Danzas tradicionales


Entre los teatros tradicionales al aire libre está el llamado Teatro Nuo, surgido en la zona de Fujian en el sur de China, es uno de los únicos tipos de teatro tradicional que al parecer mantiene sus orígenes rituales (3).

Teatro Nuo



Ofrezco dos video con imágenes de teatro al aire libre en la China de los años 1927 (seguramente en ocasión de alguna feria religiosa), tanto de ópera como de teatro de títeres:




(1) Con “manifestaciones escénicas callejeras” me refiero a todo evento que tiene un inicial sentido escénico dirigido a un espectador que no se está ahí especialmente por verlo sino que se topa con él en su camino; el carácter “sorpresa” del teatro de calle es primordial en mi definición.
Teatro al aire libre es otra cosa, ahí donde sólo falta el techo de un edificio teatral no es espectáculo de calle; no me referiré a ello en estas nota.
(2) El gobierno chino ha prometido de alguna manera no prohibir las manifestaciones públicas duarante las dos semanas de los Juegos Olímpicos en agosto de este 2008, pero los eventos en Tibet y las continuas incursiones de activistas protestando en el recorrido de la flama me hacen suponer que esa promesa no será cumplida.
(3) Jo Riley en su "Chinese Theatre and the actor in performance" (Cambridge Studies in Modern Theatre. Cambridge University Press) explora el origen ritual de este tipo de teatro y sus similaridades con la opera de Pekíng (opera de Beijing) através de sus actores principales.



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jueves, 20 de marzo de 2008

Pinturas con escenas de la Opera de Pekín en el teatro Huguang

El teatro Huguang en Beijing (Huguang Guild Hall es conocido en inglés) es uno de los más antiguos de la ciudad; construido primero en 1807 y destruido varias veces, tuvo su final reconstrucción en los años 90 del siglo pasado.

En sus corredores hay varias pinturas con escenas de la Opera de Pekín (Opera de Beijing).



miércoles, 5 de marzo de 2008

Un día completo de Sumo. Ritual y Espectáculo en pleno siglo XXI.




Apenas había terminado mi tercer día visitando Tokio y ya había tenido una de las más interesantes experiencias de mi vida como espectador, un día completo en el Ryogoku Kokugikan durante la novena jornada del torneo de Sumo del 2008.

Sumo es uno de los más importantes deportes-espectáculo del mundo: televisión, prensa e internet cubren cada torneo hacia todo el mundo, pagando y cobrando por ello. Pero la lucha que llamamos Sumo es también un antiguo ritual japonés que sigue vivo, profundamente vivo, gracias a la idea de tradición que el japonés posee y por supuesto a las características de este maravilloso arte marcial.

Los luchadores de Sumo son semidioses, ellos luchan para poner el universo en orden; bailan, trabajan religiosamente para ser perfectos, para ser los más grandes, los más altos, los más fuertes, y son a su vez estrellas de la sociedad de consumo. Cuando vemos de cerca a un luchador de sumo nos sentimos débiles y pequeños; ellos existen y sosn fantásticos porque nos recuerdan que el ser humano es una raza superior, que poseemos un cuerpo sorprendentemente maleable (cada luchador puede crecer más de 2 metros y pesar literalmente cientos de kilos) y que somos capaces de luchar con inteligencia, es decir dentro de un ritual.

El ritual es parte de nuestra inconsciente ciencia natural, ligada a nuestras raíces corporales y a nuestros impulsos, pero también el ritual es un elaborado juego de leyes, imágenes e historias que sólo pueden ser posibles con la inteligencia y la imaginación humana.

El 21 de enero de 2008 me dirigí a disfrutar y a admirar esta antigua lucha ritual; fuí también a presenciar un espectáculo como ningún otro, y mis expectaciones fueron superadas.

Como lo mencioné anteriormente éste era el noveno día del torneo de este 2008, un día completo lleno de ceremonias, de danzas rituales, presentaciones y desde luego luchas, espectaculares luchas.

No quiero escribir mucho sobre ello, experimenté este evento teatral (con su dote de improvisación en cada pelea) como un espectador y no como un investigador; a partir de ese día he tratado, claro, de analizar el programa completo, revisando cuidadosamente mis notas sobre lo que vi, escuché y sentí en aquél momento, y espero utilizarlo en mi trabajo futuro. Pero es la impresión lo que quiero compartir, esa impresión tan grande que tuve al ver a los luchadores y sus fantásticos cuerpos usando su inteligencia para ganar una batalla, una extremadamente elaborada batalla ritual.

Los siguientes párrafos son traducidos directamente de volante de información que los organizadores dan junto con los boletos; los videos y algunos comentarios sobre lo que vi y experimenté ayudarán a hacer un tanto más viva la experiencia de aquél día:


Tabla de eventos en un día de torneo.


8:30 hrs


Las puertas se abren

El día comienza con el batir de los tambores (que se encuentran a lo alto de una torre de madera situada a la entrada del estadio), dando la bienvenida a los fanáticos al maravilloso mundo del gran sumo. Se pueden ver también, en la afueras del estadio, los coloridos banderones con los nombres de cada uno de los luchadores.




8:40 hrs

Luchas preliminares

Estas son peleas entre novatos peleadores de sumo aún en periodo de entrenamiento.

8:50 hrs

Luchas de la división Jonokuchi-Makushita

Este es el inicio de las peleas reales, que principian con los jonokuchi (los de más bajo rango) y continúan hasta la división makushita (pre-intemedios).

14:00 hrs

A partir de las 14:00 horas los luchadores de la división mayor (makuuchi) comienzan a llegar a la puerta sur del estadio.

Nosotros llegamos en ese momento, así que pudimos observar la llegada de esos enormes luchadores y cómo docenas de fanáticos los vitoreaban y saludaban.



14:30 hrs

Entrada ceremonial de los luchadores de la división Juryo

Ataviados con su delantal ceremonial, llamado kesho-mawashi, los luchadores de la división Juryo o intermedios hacen su entrada al ring. Los luchadores dentro de este nivel son considerados ya unos luchadores profesionales de sumo.


14:50 hrs

Luchas de la división Juryo

Los luchadores en este nivel son las promesas para el sumo de la división mayor, algunos por lo tanto pelean con veteranos que ayudan a promoverlos a través de competir con ellos. Al terminar estas luchas se da una pausa que es conocida como nakairi.

Nosotros usamos este descanso para ir al restaurante del estadio y comer "chanko", el platillo que acostumbran comer los luchadores de sumo para lograr los pesos que necesitan. El "chanko" es una especie de gran estofado o sopa con varios tipos de vegetales combinados con toda la carne a la mano (pescados, mariscos, pollo, res, etc.). Por supuesto terminé mi plato sintiéndome como si estuviera preparado para pelear esa misma tarde.





15:30 hrs

Presentación del presidente de la asociación

En los días de apertura y clausura del torneo el presidente de la asociación japonesa de sumo sube al ring con los peleadores rankeados en el más alto nivel, dando la bienvenida y agradeciendo al público su presencia.

Como nuestra visita fue en un día intermedio no me tocó ver esta presentación.


15:50 hrs

Entrada ceremonial de los luchadors de la división Makuuchi

Los luchadores de la división mayor suben al ring con sus brillantes y vívamente decorados kesho-mawashi (faldas o delantales), crean un círculo y después se dirigen hacia el público con movimientos rituales de sus brazos y palmas.

Aquí la gente aprovecha para gritarle su apoyo a sus favoritos.




15:55 hrs

Entrada al ring del gran campeón, Yokozuna

Los llamados yokozuna o grandes campeones (son siempre 2) hacen también una entrada ceremonial sobre el ring; acompañados de otros dos luchadores. Los campeones, cada uno y separadamente en su propio ritual, aplauden ceremonialmente y golpean el suelo con sus pies, elevando el grito de la multitud que los sigue con respeto y cierta euforia.

Fue uno de los momentos donde me sentí más interesado y en donde pude percibir más claramente lo diferente de nuestras culturas.




16:15 hrs

Peleas Makuuchi

Estas son las peleas de la división mayor, los luchadores mejor rankeados durante el torneo pelean hasta el final.

Estas peleas inician regularmente alrededor de las 17:30 horas. El video que muestro es la pelea principal del día, como estaba acompañado pude tener dos diferentes ángulos de la misma pelea, así que ustedes podrán disfrutarla un poco más claramente.

La pelea es entre Wakanosato, un luchador que estaba rankeado un tanto bajo a partir de su desenvolvimiento en los últimos días del torneo, y el mejor de todos, Hakuho, hasta ese momento sin ninguna derrota. Desde luego quien ganó fue Hakuho.


17:15 hrs

Ritual final de los mejores luchadores del torneo

El día final del torneo (el día 15), los mejores tres luchadores tanto del lado este como oeste (siempre son dos lados peleando), suben al ring y realizan una breve ceremonia enarbolando su triunfo.

Como estuvimos en el día 9, no presenciamos este evento. Es una pena, lo sé.



17:55 hrs

Danza ceremonial del arco

Después de la ultima lucha del día, un luchador de bajo rango entra al ring y realiza una danza ceremonial con un arco, la danza es llamada yumitori-shiki.

Otro momento donde el ritual se hace presente, y donde la gente participa de una manera singular con sus gritos.





Tambores

La salida del estadio es acompañada con un singular sonido de tambores que viene de una torre de madera situada a la entrada del complejo; según dicen el batir del tambor es una invitación a regresar al día siguiente. El utlimo día del torneo la torre permanece en silencio.





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Teatro de Arbol presenta en El Foco "La Excepcional Familia Barroco-Colonial de la Narvarte", texto de Antonio González Caballero




No poseo más infomación sobre El Foco, más de la que ya ofrecí en la pasada Entrada del 7 de febrero de 2008, lo que sí tengo es material visual que me llegó de México y que quiero compartirlo:


1- Una vista general de El Foco y sus actividades.




2- Una edición especial de la exposición de dibujos de González Caballero en la galería de El Foco.

Versión en VIMEO


3- Una pequeña muestra con algunas escenas de la obra escrita por González Caballero, "La Excepcional Familia Barroco-Colonial de la Narvarte", dirigida por Wilfrido Momox.







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viernes, 29 de febrero de 2008

Recordando Tríptico Telefónico, los inicios del proyecto Esférica Ludens.




En el camino de los recuerdos que ya he tenido en este Blog con 4 montajes (1) de la época de trabajo en escena con Esférica Ludens (1997-2003) me hundo ahora recordando Tríptico Telefónico (tres continentes al cable).

El proyecto surge junto con la nueva compañía, pues el primer trabajo que Esférica realizó como grupo teatral fue la lectura dramatizada del texto “Un solo de teléfono” de Felipe Galván, para la presentación, en la Escuela de Teatro en el CNA, de la Revista española Art Teatral. Ahí los dramaturgos mexicanos Felipe Galván y Emilio Carballido, y el director de la revista , el español Nel Diago (2), todos fungieron como nuestros padrinos (impuestos por nosotros claro), y así el proyecto Esférica Ludens estaba en marcha.



La compañía había tenido ya un montaje previo, “La Cura” que no llevaba en la firma el nombre de Esférica Ludens sino el de “Roma Teatro…” (nombre acuñado por nuestro querido amigo José Enrique Gorlero), así que no fue sino hasta la presentación de la revista que tuvimos nuestro primer trabajo sobre la escena ya con el nombre de la nueva compañía, Esférica Ludens.

Felipe Galván estuvo a gusto con nuestra especial dramatización de su texto y nos invitó a hacer más con él, a llevarlo a escena formalmente. El texto era corto, algo menos de 20 minutos, así que necesitábamos otra pieza o más para tener 1 hora como mínima duración para crear un espectáculo. En el proceso se unieron dos textos propuestos también por Felipe Galván y a su vez ligados al tema de la primera pieza, el teléfono: “Umbral” de Francisco Zarzoso, y “La Fiesta particular” de Alejandro Jornet.




Los apoyos vinieron principalmente de la embajada de España (los otros dos autores son españoles) y de la Casa Museo de León Trotski. Buscamos más apoyos (3) pero éramos y siempre fuímos una compañía muy joven y con ideas no fáciles de asimilar, nuestros proyectos eran riesgosos en calidad porque buscábamos una manera de encontrarnos estética y técnicamente; difícil encontrar quién confiara su dinero en ello. El presupuesto aprobado por la embajada fue suficiente para cumplir con el montaje de las tres piezas en una pequeña temporada en la Casa Museo de León Trotski que en ese momento a su vez era nuestra casa de trabajo.

En el proceso de creación de Tríptico Telefónico, estrenamos “Letanía” (octubre 1998), esa sí la primera gran producción de Esférica como arte representacional.



Ya dedicados de tiempo completo a Tríptico Telefónico pudimos incluir a la mayor parte de la compañía en el montaje, teniendo en cuenta, según mis planes, que todos trabajaran con la parte básica del proceso de creación de personaje del método de actuación del maestro Antonio González Caballero, y a su vez con el uso de unas cuantas acciones físicas creadas por ellos mismos en base al método de acciones físicas usado por Stanislavski, Grotowski y la Antropología Teatral. Ahí estaría la base de nuestra evolución técnica en todo el proyecto esférico.



Eso fue en el campo teórico de la actuación; en el campo práctico del montaje y de las interpretaciones de las piezas, las cosas se sucedieron de manera interesante, que sin dejar de lado la importancia suprema de las palabras en las tres obras, el imponente uso del cuerpo que nos impusimos le dio una singular característica al montaje, culminando como una especie de farsa coreografiada. La música que decidí utilizar, encomendado a que siendo desconocidos no tendríamos problemas con los derechos, le dio al montaje un ritmo y un sabor también bastante singulares: dos piezas musico-vocales de Meredith Monk y una canción, “El fracaso de mi amor”, compuesta y cantada por Paquita la de Barrio.



No pretendo hablar de todos los detalles del proceso, al final era un incipiente montaje comparado con las ambiciones y los sueños del momento, pero hicimos todo nuestro esfuerzo para cumplir con los primeros objetivos técnicos y para llevar al estreno los textos que se nos habían encomendado. Creo lo logramos, recordando el nivel de mis compañeros actores y el mio propio como director de escena, de la evolución técnica obtenida hasta ese momento y por supuesto de las limitaciones económicas y de producción siempre presentes en las puestas denominadas independientes.



Felipe Galván escribe en un correo electrónico a Francisco Zarsoso informándole sobre el reciente estreno en el Museo Trotski de la ciudad de México:


“Paco:


Te comento mis impresiones del estreno, ya puedes presumirlo en todo el mundo, el pasado sábado.

El teatrito del museo Trotsky es de setenta butacas, la asistencia era de poco más de la mitad. Yo fuí solo porque ando en gira y mi gente del D.F. estaba cansadísima y la de Puebla no se arriesgaba a venir (hasta que compruebes que está bien), de modo que me metí en la soledad sin acompañante(s) y me dispuse a disfrutar a los muchachos de "Esférica ludens".

El trabajo tiene un énfasis corporal bastante acentuado, pero indudablemente los textos míos, y supongo que los tuyos y los de Alejandro, están perfectamente respetados. Lo interesante es que la dirección de Gustavo Thomas y la capacidad interpretativa de todo el elenco, con aquel énfasis de expresión corporal, trasciende lo que el código literario expresa. El enriquecimiento es conmovedor y, sin pecar de mano suave, creo que los tres textos han crecido enormemente.


Al final anunciaron mi presencia y bajé a los aplausos (númerito inevitable en estreno), ahí dije que era importante que tú y Alejandro vieran esto, que ya sea que vinieran o que el montaje fuera a Europa; creo que sería importante. La emoción que el equipo me transmitió debe ser también disfrutada por ustedes dos y nuestro padrino (el académico valenciano y hermano de cafetera(s) de quien esto escribe) Nel Diago.


Ya te diré más cosas, por lo pronto envío este, pidiéndote por favor lo reenvíes a Alejandro porque de él no tengo noticias.

Obviamente mando copia de esta comunicación al elenco y a Nel.
Espero pronta recomunicación tuya y ojalá Jornet de señales de vida rápido por aquello de los permisos.

Un abrazo desde México.


FELIPE GALVÁN.

P.D. Ya los muchachos te enviaran un tanto de cartel, programa, prensa, etc. Yo por ahora te reenviaré el diseño de pases de 2 por uno, para que conozcas los diseños publicitarios que están usando (bastante "coloridos").”



A continuación la ficha técnica del montaje y un slideshow que preparé para recordar el montaje:

TRÍPTICO TELEFÓNICO (TRES CONTINENTES AL CABLE)
ESPECTÁCULO FÁRSICO EN SIETE PARTES


AUTORES
Felipe Galván (Puebla-México) "Un solo de teléfono"

Francisco Zarzoso(Marruecos-España) "Umbral"
Alejandro Jornet(Cataluña-España) "La fiesta particular"

ACTÚAN
Guadalupe Durón
Antonio Ordaz
Alejandro Yustiaza
Diana Adán
Javier de la Vega

DIRIGE

Gustavo Thomas

TÉCNICO
Herman Padilla





Video Slideshow "Tríptico telefónico" Esférica Ludens.




(1) La Cura (1997), Letanía (1998), Inhalaciones (2000), Oscuridad (2002).
(2) Nel Diago fue realmente un padrino bastante generoso pues nos escribió una carta oficial de recomendación redactada en muy buenos términos.
(3) Entre ellos la Fundación Telmex, todo un caso de clara humillación cultural.


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martes, 12 de febrero de 2008

Emilio Carballido, el grande, muere, y con él el teatro moderno mexicano.




Aún cuando quedan grandes dramaturgos herederos de la corriente moderna del teatro en México, es indudable que fue Carballido su principal exponente, por su cuantiosa obra, por su calidad y por la escuela que enarbolaba.

Como en una familia había visto a mis maestros y compañeros de mis maestros morir y dejar tras ellos su obra, y como en muchas familias también había visto como Carballido se convertía en uno de los grandes que permanecen, que parecen indestructibles, que no mueren. Ví morir a Oscar Liera, a Sergio Magaña, a Héctor Azar, a González Dávila, a González Caballero, a Hugo Argüelles, pero Carballido, más viejo que todos ellos (y más grande dirían algunos), permanecía. Hoy martes 12 de febrero en China, leo la noticia de su muerte a través de los periódicos electrónicos de México (internacionalmente, hoy al menos, no aparece) y he dicho: "el maestro", mientras contemplaba su foto.

Inevitablemnte comencé a recordar.

Recuerdo cómo durante mi adolescencia mi maestro, Antonio González Caballero, lo mencionaba a veces como a un amigo y a veces como un rival, cómo en otros momentos se burlaba de su voz imitándola (y que coincidentemente era tan particular como la suya misma), y también recuerdo cómo se burlaba de que a él, González Caballero le dijeran González Carballido, cosa que a Carballido según palabras de González Caballero no le gustaba pues a veces le achacaban su "Señoritas a disgusto" por ejemplo.

Entonces fuí a mi experiencia con su obra y su persona.

Recuerdo sus obras durante mi formación como actor, obras para escolares; me llegan sonrisas a partir de su comicidad, su retrato tan cercano a lo mexicano común, sus groserías y su falta de interés en decir algo o criticar desde la escena.

A Emilio Carballido me lo presentaron tal vez unas 4 o 5 veces, y todas sucedieron como si fueran la primera para él. Le hablaron de mí, le dieron a leer obras mías, fue padrino de una serie de lecturas que en su inauguración yo mismo hablé con él y al mismo público, en donde incluso refutó algunos comentarios míos, y siempre inevitablemente me lo volvían a presentar, y para él era la primera vez. Con algunos otros hubiera sido molesto pero con él era todo muy simpático, cómico; al principio yo achacaba el olvido a que siempre, desde mi punto de vista, estaba algo borracho (él, no yo); después, simplemente lo achaqué a que yo para él no era nadie y no le ofrecía nada, lo que ubicándome en esa posición me hacía mucha más divertida cada nueva experiencia con a su lado.

Sus palabras y su obra nunca llegaron a mí como las de un maestro al que pudiera seguir, sino como las palabras del maestro de otros, perteneciente a otra corriente (¿cuál era la mía?), el exponente de otros ideales estéticos.

Recuerdo cómo a una investigadora norteamericana interesada vagamente en mi trabajo le propuse leer mi teatro de una manera diferente a la manera en que se lee el teatro de Emilio Carballido o sus seguidores (teatro del que ella se considera una experta); lo tomó como falta de respeto y acaso un acto de absurda soberbia, no dijo más, nunca leyó mis textos.

Decenas y decenas de dramaturgos mexicanos le deben alguna publicación y algún apoyo de montaje o incluso de ayuda gubernamental; la prensa lo respetaba muchísimo y ante los escándalos siempre salía avante. Chismes y comentarios de los que no puedo asegurar nada llegan también a mi memoria.

Alguna vez visité su casa, estaban construyendo el metro... no sé por qué no recuerdo más. Ni siquiera por qué estuve ahí dentro ese día. Me viene la imagen de una mesa grande y papeles, libros, hojas amarillas y hojas blancas, revistas, polvo, gatos. Hay en mí una historia no escrita y por inventarse de ese no tan claro recuerdo.

He hablado del Teatro Moderno porque en él, en su obra, lo veo. Los ideales del modernismo teatral en México se van con él, el realismo teatral mismo (naturalismo dirían otros) se va con él, la maestría del genero, del retrato de la sociedad desde la sociedad misma, del lenguaje coloquial, de las estampas históricas.

Es como si Carballido en el logro de la belleza del género nunca hubiera querido arriesgarse a las vanguardias que respondían a ese modernismo, a las exploraciones que lo cuestionaban, y que el resultado de ello fue el llegar a ser tan grande como tan grande puede ser una corriente que tuvo a sus más importantes exponentes 100 o 50 años atrás. Sin duda en México él es la cumbre. El costumbrismo de González Caballero y Sergio Magaña desaparecerán en los archivos, el de Carballido permanecerá como el ejemplo, como la más alta expresión, de eso no tengo duda.*

Recuerdo los montajes "históricos" de los años 80 con la Compañía Nacional de Teatro, aquellas piezas de 4 o 5 horas o de varios días con un elenco de todas las estrellas del momento; pero también recuerdo los montajes escolares y aquellos de los llamados "comerciales"; todas sus piezas puestas en escena eran éxitos relativos de público, funcionaban. Sin ser la apoteósis su trabajo era un éxito continuo. Eso es profundamente respetable, vaya si no.

Ante la muerte de uno de los grandes, como lo es Emilio Carballido, sólo me queda seguir pensando. Releeré sus obras, repensaré lo que escuché de él, recordaré sus tonos y sus ademanes, intentaré dejar en mi memoria lo más posible, y años después, veré qué sucedió con todo ello.


* Sobre sus novelas, cuentos y demás obra, la ignorancia me apabulla, pido disculpas por ello.


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