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sábado, 10 de agosto de 2013

Improvisación de Butoh en el cementerio de la iglesia de Saurbaer, Norte de Islandia (Diciembre, 2013)




Aquí les comparto el video de donde extraje las fotografías publicadas unos meses antes en este Blog sobre la improvisación que realicé en el cementerio de la iglesia de Saurbaer, en el norte de Islandia. Les comento que la temperatura en ese momento era de menos 15 grados centígrados más los vientos congelados (que bajan la temperatura a algo así como menos 20), así que imaginen que el movimiento de la cámara es lo que los cineastas llaman "toma subjetiva" y no que quien está tomando se estaba muriendo de frío.

Como es ya común en mis vídeos de Butoh, la música que ustedes escuchan no fue aquella que yo escuchaba durante el momento de la improvisación (que en este caso no hubo).

Espero que les agrade.

Video
Improvisación de Butoh en el cementerio de la iglesia de Saurbaer, Norte de Islandia (Diciembre, 2013)




Texto, fotografías y vídeos en este Blog son propiedad del autor, excepto cuando se aclare otra autoría. Todos los derechos son reservados por el autor de este Blog. Si existe algún interés en usar textos, fotografías o vídeos propiedad del autor, sea uso comercial o no, es necesario hacer una petición por escrito y dirigirla por correo electrónico a Gustavo Thomas a gustavothomasteatro@gmail.com.


lunes, 11 de marzo de 2013

"Sayonara" y "I, Worker". Dos piezas de teatro contemporáneo japonés en Toronto.

"I, Worker" (Fotografía de Tsukasa Aoki, tomada del programa de mano)


Después de algunos meses sin haber visto ni una función de teatro (estaba totalmente dedicado a publicar mis propias obras, escribir poemas, entrenar Butoh y editar fotografías) regresé a mi papel de espectador a ver dos pequeñas piezas del dramaturgo japonés Oriza Hirata: "Sayonara" (さようなら) y "I, worker" (働く私) como parte del Robot Theatre Project.   

Las funciones de estas obras a su vez eran parte de un festival alrededor de la cultura contemporánea japonesa organizado por la Fundación Japón en el Street Berkeley Theatre, aquí en Toronto, Canada.  

Fue interesante regresar a ver teatro no solamente por la calidad de las obras montadas sino por lo curioso de los participantes: la mitad de los actores de las dos piezas son robots reales. 

El programa de mano nos informaba lo siguiente sobre el projecto:  

"El Robot Theatre Project inició hace cuatro años en la Universidad de Osaka. El objetivo inicial de nuestro proyecto fue cambiar el estatus de los robots de simples objetos de exposición científica para convertirlos en elementos esenciales dentro del arte teatral. En estas exposiciones, donde los científicos se reúnen para presentar sus últimos logros en robótica, veíamos que mientras los robots dejaban "impresionados" a los visitantes en realidad nunca llegaban a "conmoverlos", entonces quisimos mostrar que los robots podían también conmover a la gente. Creemos que nuestra misión debería ser ayudar a las nuevas corrientes de investigación que exploran cómo los robots pueden formar parte de la sociedad humana, a que los robots puedan ser creados sin aislar a la gente ni asustar a los niños o a los ancianos." (1)  

Sayonara estaba hablada en inglés y en japonés (con subtítulos al inglés), y I, Worker totalmente en japonés (también con subtítulos al inglés), así que no había problema en entender aquello que era dicho sobre la escena. 

Sayonara, como su nombre lo define se refiere a una despedida, despedida de la vida de un humano real, una mujer, que va a morir pronto, y de un androide que le ha servido de compañía y que comienza también a tener ciertos problemas técnicos que ya no es posible resolver sin ser destruído. La pieza esta llena de poemas nostálgicos y también hace referencia al desastre nuclear de Fukushima en el 2011.  

I, Worker es la historia de la relación de dos parejas, dos seres humanos y dos robots que les sirven, mostrándonos cómo interactúan cuando uno de los robots se niega a realizar su trabajo común, exactamente como el marido de la pareja humana lo ha hecho tiempo atrás con su propio trabajo.  

Robots reales en su relación con humanos en una casi no imaginaria ciencia ficción. Interesante por las preguntas que puede provocar en el espectador (aunque se verá que no tantas), pero que considero se queda un tanto corta de visión en exponer esa relación en un futuro no muy lejano, al menos en la sociedad japonesa o del mundo desarrollado.  

Los robots no trabajan aún en nuestras casas pero han estado presentes en la literatura de ficción y en el cine desde hace décadas. Podemos recordar películas y series de televisión que han usado robots como personajes desde las casi estúpidas ocurrencias de principios de los años sesenta hasta las oscuras y extrañas reacciones provocadas por la obra maestra de Kubrick "2001, A Space Odyssey", y de ahí una casi interminable lista: Star Wars, Blade Runner, Terminator, etc... con esos robots-personajes accionando e interactuando con humanos de maneras más allá de la imaginación del humano común. Así que, entrenados como espectadores para ver robots en el mundo del espectáculo lo estamos perfectamente, de eso no hay duda. Para decepción nuestra vemos, nosotros, los espectadores super enetrenados en ficción, que estos robots no tienen casi movimiento (el androide de Sayonara) y los que parecen venidos de una serie de los años sesenta son lentos y poco simpáticos (los de I, Worker).   

Viene entonces mi pregunta, ¿qué hay de nuevo en estas piezas?, ¿el pensar en las posibles relaciones reales entre los robots y los seres humanos? Pero, ¿acaso no han estado ya presentes en decenas de novelas y filmes? Yo creo que sí y de maneras verdaderamente profundas y extremadamente variadas. Ahí no hay nada realmente novedoso.  

Lo único que puedo ver de nuevo en estas "exploraciones" es que nos ofrecen la llegada de la robótica al teatro, con robots como actores que son parte del espectáculo, como un género, primero de ciencia ficción y después que será de la vida normal. Evidentemente no estamos viendo eso aún, no son actores y ni siquiera son esos los robots que dicen ser, son máquinas que se mueven y que tienen ciertos programas de lenguaje dirigidos por control remoto desde una cabina.   

A mí, en lo personal, me ha parecido una especie de demostración promocional de las habilidades de los robots, que funciona como toda promoción viva al estilo de un 'happening comercial' o un acto de relaciones públicas para acostumbrarnos como espectadores a ver el producto en situaciones similares a las de la vida, no más que un escaparate para exponer los logros de las compañías que los fabrican e instituciones que los desarrollan, precisamente como en una exposición científico-comercial.   

Lo que sí es que tendremos que esperar muchos años más para que empiecen a tener mayor habilidad y comiencen a actuar de una manera en que realmente nos conmuevan, porque en esto que vimos lo hicieron muy poco, formaban parte del espectáculo pero no eran actores y las piezas eran exageradamente simples.   

Aquí podrán ver el video promocional de la Fundación Japón (en inglés):








(1) En inglés en el original: "Robot Theatre Project began four years ago at Osaka University. The initial goal of our project was to change the status of robots from being merely displays at expositions to becoming essential elements of theatre arts. At these expositions, where scientists gather to present their latest technologies, we saw that while robots "impressed" audiences, they never "moved" them - and we wanted to show that robots could really move people. We believe that our mission should be to help lead current research efforts that examine how robots can be part of the future of human society - how robots can be created so as not to alienate people, or scare children or the elderly." 



(2013) Texto, fotografías y vídeos en este Blog son propiedad del autor, excepto cuando se aclare otra autoría. Todos los derechos son reservados por el autor de este Blog. Si existe algún interés en usar textos, fotografías o vídeos propiedad del autor, sea uso comercial o no, es necesario hacer una petición por escrito y dirigirla por correo electrónico a Gustavo Thomas a gustavothomasteatro@gmail.com.



domingo, 26 de agosto de 2012

Danza ritual Bugaku (舞楽) en la capilla Meiji de Tokio. (2011)

Bugaku Dance Performance at Meiji Shrine (2011)
Danza Ritual Bugaku. Capilla Meiji. Tokio, Japón. (Por Gustavo Thomas. 2011)

 En mayo de 2011 tuve por fin la oportunidad de ver en vivo una representación de danza 舞楽 Bugaku y en uno de los más hermosos recintos rituales del Japón, la capilla Meiji de Tokio. Bugaku son un conjunto de danzas de corte con más de 1200 años de antiguedad y que hasta los años 50 del siglo pasado estuvieron ocultas al público. 

Evidentemente no conozco mucho de sus características pero al parecer la que ví en la capilla Meiji es un estándar de todas esas danzas: movimiento muy lentos, rítmicos y suaves con gran altivés (reales le llaman) con danzantes vestidos a la usanza budista (aunque la capilla Meiji en este caso es sintoísta). El acto dancístico es muy corto, la música y los músicos tiene una gran importancia, y la preparación y la salida de los danzantes ocupan la mayor parte del tiempo de la presentación como sucede comúnmente en casi todos los espectáculos rituales japoneses. Sobre todo es la belleza visual lo que ha quedado en mi memoria, pero esa, claro está,  es la apreciación de un ignorante de la cultura performativa japonesa.

Espero disfruten las fotos y el video.

Bugaku Dance Performance at Meiji Shrine (2011)
Danza Ritual Bugaku. Capilla Meiji. Tokio, Japón. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Bugaku Dance Performance at Meiji Shrine (2011)
Danza Ritual Bugaku. Capilla Meiji. Tokio, Japón. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Bugaku Dance Performance at Meiji Shrine (2011)
Danza Ritual Bugaku. Capilla Meiji. Tokio, Japón. (Por Gustavo Thomas. 2011)


Pueden ver en otra entrada de este Blog algunos rollos antiguos con dibujos de esta danza que tomé en mi primera visita a Tokio en 2008: http://gustavothomasteatro.blogspot.ca/2010/03/antiguo-documento-con-imagenes-de-una.html  








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viernes, 17 de agosto de 2012

Función de Butoh de 石井満隆 Mitsutaka Ishii y 大森政秀 Masahide Ohmori en el teatro Terpsichore (Tokio, 2011)

石井満隆 Mitsutaka Ishii and 大森政秀 Masahide Ohmori Butoh Dance Performance at Terpsichore (Tokyo, 2011)
Mitsutaka Ishii (der) y Masahide Ohmori (izq). Función de Butoh. Terpsichore, Tokio. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Mitsutaka Ishii (石井満隆), alumno y compañero de compañía de Tatsumi Hijikata (土方 巽), es ya una leyenda dentro del Butoh en Japón; Masahide Ohmori (大森政秀), un tanto más jóven que Ishii, y también relacionado con el Butoh de Hijikata, posiblemente tenga menos fama pero posee una fuerza verdaderamente sorprendente sobre de la escena. 

En la presentación que tuve la oportunidad de ver en el pequeño y legendario teatro Terpsichore, en Nakano, en mayo de 2011, la presencia escénica de Masahide Ohmori es lo que más ha quedado en mi memoria: en su primera coreografía de la noche, un solo, Ohmori, quien posee un físico impresionante debido a una especie de absceso o tumor en la parte derecha de su cabeza, vistiendo un traje negro de mujer estilo victoriano, con su cara y brazos maquillados de blanco y sus cabellos totalmente revueltos (como es normal ya en el Butoh), nos mostraba lentamente un desplazamiento lleno de tensión con música de Wagner como fondo. Simplemente no había manera de que, como espectadores, nuestros cuerpos se hicieran hacia atrás debido a la fuerza que nos lanzaba literalmente ese hombre; fueron 10 o 15 minutos de esa coreografía y mi nervios aún se saltan de ese recuerdo.

Cada uno presentó un solo, y posteriormente una coreografía conjunta donde Ohmori prácticamente fue solo una compañía de Ishii, que preponderó en su movimiento.

Aún con la fuerza de la presentación de Ohmori esa noche, el público japonés se mostró profundamente respetuoso de la presencia misma de Mitsutaka Ishii y le dió el mayor aplauso. Esta presentación se convertía así mismo en un homenaje a este legendario (ya lo he dicho) bailarín de Butoh.

No me fue permitido tomar fotos de la presentación, claro está, pero pude tomar fotografías del momento de los aplausos y de una pequeñísima improvisación que hicieron al final como agradecimiento, además de fotos del coctél de despedida esa noche. Como dato extra, comento que el lugar estaba lleno de bailarines, críticos y amigos del mundo del Butoh en Japón, y entre ellos pude reconocer al ya también famoso Ko Murobushi.

Es un maravilloso recuerdo, y no quería dejar de mencionarlo ni compartirlo, aún sin un documento directo del momento que he comentado y que me dejó tan impresionado.

石井満隆 Mitsutaka Ishii and 大森政秀 Masahide Ohmori Butoh Dance Performance at Terpsichore (Tokyo, 2011)
Mitsutaka Ishii (izq) y Masahide Ohmori (der). Función de Butoh. Terpsichore, Tokio. (Por Gustavo Thomas. 2011)

石井満隆 Mitsutaka Ishii and 大森政秀 Masahide Ohmori Butoh Dance Performance at Terpsichore (Tokyo, 2011)
Mitsutaka Ishii (der) y Masahide Ohmori (izq). Función de Butoh. Terpsichore, Tokio. (Por Gustavo Thomas. 2011)

石井満隆 Mitsutaka Ishii and 大森政秀 Masahide Ohmori Butoh Dance Performance at Terpsichore (Tokyo, 2011)
Mitsutaka Ishii (izq) y Masahide Ohmori (der). Función de Butoh. Terpsichore, Tokio. (Por Gustavo Thomas. 2011)







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martes, 3 de enero de 2012

In Between, una función de Butoh y Danza por Yoshito Ohno y Lucie Grégoire en L'Agora de la Danse, Montreal (2011)

In Between, A Performance By Yoshito Ohno (大野庆人) and Lucie Grégoire at L'Agora de la Danse (Montreal. 2011)
In Between, by Yoshito Ohno and Lucie Grégoire (Montreal. 2011)

Danza de recuerdos y memoria
quien recuerda deviene recuerdo
Fuerza intangible
ligereza
intangibilidad
danza de dos culturas
danza de dos tradiciones
seres  diferentes que se juntan
se encuentran en la esencia del tiempo
de los tiempos
y la memoria
su voz que no se oye es suave
y yo desde mi oído también aplaudo y bailo
movimiento de ensueño
transparente exposición de imágenes
¿puede hablarse de amor en movimiento?
veía sus ojos, en ellos profundidad del tiempo
sus manos son obsesivas,
tensas,
sus dedos juntos, están llenos
¡sus cuerpos son culturas!

El cuerpo como presencia en movimiento.
He visto que lo desconocido se vuelve normalidad.

Al final dos encantadores fantasmas
en un ritual de amor
se encuentran con nuestros propios ojos y nos dicen adiós.


Yo estaba profundamente emocionado por poder ver al fin al maestro Yoshito Ohno sobre la escena; las únicas experiencias las había tenido a través del video y en el estudio de su padre (Kazuo Ohno Dance Studio) en Yokohama, pero ahí estaba siendo un guía y sólo en muy pocos momentos se ponía a trabajar pequeñas series de movimientos. Así que viajar a Montreal (5 horas de tren desde Toronto) no era nada en comparación de la experiencia de ver por primera vez en vivo en escena a quien considero mi maestro de Butoh.

In Between es un proyecto, parte de una trilogía (la segunda parte), que Yoshito Ohno ha estado trabajando con Lucie Grégoire desde el año 2008. Lucie trabaja principalmente con técnicas de danza moderna pero ha estado en los últimos años muy cerca del Butoh y lo incluye también en su trabajo. Por supuesto Yoshito Ohno sigue las enseñanzas de su padre, Kazuo Ohno, así como su rica experiencia de trabajo con Hatsumi Hijikata (en diferentes lapsos de su vida profesional) desde los años 50 hasta los años 70, incluso una de las coreografías de In Between fue dirigida por Hijikata (y adaptada a este montaje). Yoshito es un verdadero heredero de los maestros creadores del Butoh.

Los dos, Lucie Grégoire y Yoshito Ohno, representaron In Between el miércoles 16 de noviembre de 2011 en L'Agora de la Danse en Montreal, Québec. El montaje nos mostró varios solos y duos, que poco a poco fueron mezclando personalidades y técnicas.
Mi principal interés era obviamente el observar el trabajo del maestro Yoshito, pero el trabajo de Lucie fue tan poderoso y la pieza entera de una gran unidad que me fue imposible no ver y disfrutar de los dos trabajos.

In Between es el encuentro de dos culturas del cuerpo en movimiento, Butoh y Danza moderna, pero también el encuentro de dos personalidades artísticas. Ninguno de ellos deja fuera su pasado técnico y cutural (Yoshito japonés y Lucie quebequense), ninguno de ellos deja su propio estilo de movimiento y cada uno nos expone, en movimiento, su visión de las artes escénicas; así presenciamos un encuentro exitoso, que alcanza una unión de muy alta calidad artística.

El estilo de trabajo de Yoshito Ohno es simple y claro; nosotros, espectadores, podemos diferenciar claramente cada acción de su representación; su movimiento es tan concreto que podemos prestar atención a sus ojos o sus piernas sin perdernos de otras partes de su movimiento; Yoshito sabe perfectamente cómo manejar la atención del espectador. Sus manos fueron especialmente extrañas y hermosas, casi sin movimiento en ellas pero siempre cargadas de energía. Lo sentíamos en su temblor energético y nunca podíamos dejar de mirarlo.

Habiendo dos estilos de musica, había dos épocas (de hecho había varias más), y las imágenes ligadas a ellas explotaban suavemente en frente de nosotros. Me es imposible olvidar los movimientos de la espalda y brazos de Lucie Grégoire, así como aquél niño disfrazado de conejo (o conejo en sí) que Yoshito Ohno nos ofreció en algún momento.

Uno a uno sus solos devinieron duos y su discurso físico nos resultó claro y simple; no importa el qué decían con exactitud, nosotros observábamos su música, su pasado, sus sueños, nosotros podíamos ver a sus familiares sobre la escena.

In Between, A Performance By Yoshito Ohno (大野庆人) and Lucie Grégoire at L'Agora de la Danse (Montreal. 2011)
Yoshito Ohno y Lucie Grégoire. In Between. (Montreal. 2011)

Como en un ritual los dos buscaron por sus ancestros, por sus propios fantasmas. Y lo que vimos al final, dos encantadores fantasmas viniendo del pasado en un amorosa unión, es una de las imágenes más bellas y simples que se puedan ver sobre una escena.

Al final de In Between estábamos profundamente satisfechos y felices.










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miércoles, 7 de diciembre de 2011

El Rito de la Primavera de Min Tanaka en L'Ópera Comique (1987)


Min Tanaka


Algunos descubrimientos valen la pena compartirlos inmediatamente y eso es lo que hago ahora con esta grabación de la producción de "El rito de la primavera" dirigida por Min Tanaka en L'Ópera Comique en 1987.

Yo tenía algo de información sobre el trabajo de Tanaka gracias a Jocelyne Montpetit, la butoka montrealesa con la que he trabajado en el último año; ella conoció al maestro Tanaka durante los años 80 e incluso trabajó dentro de su companía durante algún tiempo. El pasado noviembre durante el taller que tomaba con ella en Montréal me comentó sobre alguien que había publicado un video de esa producción de El rito de la primavera en Youtube y que debería verlo si quería entender mejor las palabras que ella nos había transmitido sobre le tabajo de Tanaka.

Por razones que considero verdaderamente fortuitas olvidé el dato y no fue sino hasta hoy que caí accidentalmente con el link en Youtube y miré toda la pieza. Desde luego no estoy capacitado para hablar sobre el tabajo del maestro Tanaka, pero creo necesario mencionar que él fue considerado uno de los más importantes herderos del trabajo de Tatsumi Hijikata, el fundador del Butoh, y no solo eso, sino que es considerado un artista de suma importancia independientemente de su relación con el Butoh.

"El rito de la primavera" se puso en escena un año después de la muerte de Hijikata y fue considerado totalmente como un trabajo ejemplar de Butoh (al menos a los ojos de los occidentales), y como un ejemplo claro de aquella rama de Butoh llamada Ankoku Butoh o "Butoh de las tinieblas", creada por Hijikata mismo. Al mismo tiempo se desarrollaba la otra famosa rama del Butoh con Kazuo Ohno, aquella que muchos han denominado Butoh de luz.

Disfruten de esta grabación completa de la producción de "El rito de la primavera" dirigidia por Min Tanaka en L'Ópera Comique en 1987.

 El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 1/7
El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 2/7

 El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 3/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 4/7

 El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 5/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 6/7

 El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 7/7





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lunes, 31 de octubre de 2011

Un "performance" en Carmona, España

 Gustavo Thomas durante Un performance en Carmona, España
(Arte Digital por Gustavo Thomas. 2011)


Estas son algunas fotografías, pinturas digitales y dos videos del performance que Mary Jordan, Barrett Wissman y yo trabajamos en Carmona, España, durante la fiesta de aniversario de Ana Corberó y Nabil Gholam el 25 de septiembre 2011.

Ninguno iba preparado antes de viajar a Carmona para dar un espectáculo, todo fue acordado minutos antes: Mary y yo le pedimos a Barrett que tocara en el piano una pieza "intensa", entonces marcamos el inicio y final de mi desplazamiento dentro de la alberca al aire libre, y eso fue todo.

En la fiesta, como era de esperarse, había niños e hicieron sentir su presencia durante el performance pero fue interesante lidiar con su comportamiento y casi se volvió un reto para el éxito de nuestro trabajo. Por supuesto que el maravilloso paisaje andaluz que teníamos de marco ayudó a hacernos totalmente el día.

Debo decir que ésta fue mi primera presentación como practicante Butoh (Butohka se le dice) en público en vivo, ya que antes, todas mis presentaciones, habían sido en los talleres de trabajo y a través del internet. Curiosidades de la vida.


Mary Jordan y Gustavo Thomas durante Un performance en Carmona, España.
(Arte Digital por Gustavo Thomas. 2011)



 







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martes, 5 de julio de 2011

Función de Kecak en Pura Dalem Taman Kaja, Bali (2009)

Kecak Performance at Pura Dalem Taman Kaja (Bali, 2009)
(Fotografía de Gustavo Thomas. 2009)

Kecak (también llamado Cak) es una de las más conocidas artes escénicas balinesas, una mezcla entre pieza coral religiosa, obra de teatro y danza coreografiada, representada principalmente por un enorme coro de hombres provenientes de la localidad del templo donde se presenta.  Esta no es una forma escénica antigua como tal, fue creada alrededor de los años 30 del siglo XX a partir de una forma de danza (ésta sí antigua) llamada Sanghyang (literalmente "trance" en balinés). Algunos le dan el crédito como fundador al artista alemán Walter Spies, quien vivió en la isla por muchos años*, mientras otros le dan el crédito a dos maestros balineses, I Gusti Lanang Oka y I Nengah Murdaya.

Miguel Covarrubias, quien estuvo en Bali alrededor del año 1930, no supo de la existencia del Kecak como la forma teatral que hoy disfrutamos, pero sí tuvo conocimiento (y escribió sobre ello en su libro "Island of Bali") del Sanghyang y del uso de la palabra "kecak" en los cantos que acompañaban el trance de la danza. Kecak evolucionó a una forma teatral compleja cuando fue separado del trance y una historia, fuera del Ramayana o de cualquier otra épica hindú, fue adherida a los ya de por sí impresionantes cantos corales.

En la actualidad, aún cuando el Kecak está separado de la danza de trance, regularmente se representa acompañado de una pieza de Sanghyang. En el caso de la representación que ví en Ubud al final se representó el "Sanghyang Djaran" o "Danza de trance del caballo", pieza de la que hablaré en la siguiente entrada de esta serie de artes escénicas de Bali.

Kecak Performance at Pura Dalem Taman Kaja (Bali, 2009)
(Fotografía de Gustavo Thomas. 2009)


Para hablar de lo complicado del juego de ritmo y tempo en el Kecak prefiero citar (en traducción) el libro "Balinese Dance, Drama and Music"(1). No es necesario conocer los conceptos musicales que hay detrás para disfrutarlo claro está, pero puede ayudar a una mayor comprensión a los interesados en la teoría del espectáculo:

"El canto vocal polirrítmico que compone la mayor parte de la representación se canta en partes que embonan unas con otras.  La mayoría de los miembros del coro conocen al menos cuatro patrones rítmicos diferentes: el cak telu  sincopado (de tres sílabas), el cak lima (cinco), el cak nem (seis) y el simple y no sincopado patrón cak ocel (tres y siete sílabas). También está el improvisado panyelah (cinco sílabas). Los ritmos sincopados requieren tres voces: polos (tiempo fuerte), sangsih (tiempo débil) and sanglot (intermedio). Los patrones entrelazantes de tres y seis golpes se catan dentro de un ciclo de gong y se marcan en la melodía con un sonido similar al de un gong,  sirrrrr.  El patrón de cinco golpes y el no sincopado son más libres.  Todos los patrones se ponen sobre el kajar y la melodía. El kajar es el gong para contar el tiempo, que se vocaliza en Kecak con el sonido pung. La melodía se canta como yanger yangur yanger yanger yang sir."

Lo que ví aquella noche en Pura Dalem Taman Kaja (el templo Dalem Taman Kaja) en Ubud fue una presentación de la comunidad Taman Kaja. Como se mencionó al principio, los miembros de la agrupación viven en el mismo barrio (llamado Desa en balinés), que en este caso es el Desa Pakraman Taman Kaja. 

¿Qué puedo decir sobre mi experiencia al ver esta función de Kecak? Fue una representación llena de fuerza, de energía y de un enorme poder vocal. No sólo percibí imágenes visuales sino vocales también. Sí, la voz de esos cien hombres cantando, como una sola y como cien, ha quedado totalmente grabada en mi memoria, y aún hoy, al recordarlo, puedo sentir la poderosa vibración en mi piel, y puedo ver el movimiento de sus manos y sus cuerpos en una unidad entre acción y sonido. Puedo decir que fue una experiencia visual muy interesante y curiosa, pero una experiencia auditiva única.

Afortunadamente pude grabar casi toda la función, así que tengo fotografías y video para compartir. Les pido su comprensión al ver el video, aquella noche caía una verdadera tormenta y el espacio de público y escena tuvo que reducirse bastante (al menos no cancelaron la función); yo no sólo me encontraba muy cerca del escenario sino que además debía de luchar por no mojarme y evitar los paraguas de los otros espectadores.

Programa de la función de  Kecak en Pura Dalem Taman Kaja, Ubud (2009)

Esta es la historia que el programa nos cuenta sobre el pedazo del Ramayana que se ve en la función (en inglés en el original):

La historia es un fragmento del Ramayana, la épica hindú. (...)
El Príncipe Rama, heredero al trono del reino de Ayudya, y su esposa Sita, han sido desterrados del reino por el rey Dasarata como resultado de los engaños de la madrastra de Rama.  La historia comienza con la llegada de Rama y de Sita acompañados del hermano de Rama, Laksmana, en el bosque Dandaka.
El trío ha estado siendo observado por el deomonio Rajwana, rey de Alengka, que desea a la bella Sita.  Rahwana envía a su primer ministro Marica a intentar aislar a Sita para que Rahwana la pueda secuestrar.  Los poderes mágicos de Marica lo transforman en un venado dorado y entra al bosque y, cuando Sita ve al venado dorado, queda tan fascinada por él que pide a Rama que lo capture para ella.  Rama persigue al venado, dejando a su hermano Laksmana con la estricta instrucción de proteger a Sita.  Cuando Sita cree escuchar un llamado de ayuda de rama, fuerza a Laksmana a ir tras Rama, acusándolo de cobarde, yendo él a ayudar a Rama con gran reticencia después de dibujar un círculo mágico en el suelo y diciéndole a Sita que bajo ninguna circunstancia debe salir del círculo.  
Sita, sola en el bosque, se vuelve blanco fácil de los engaños de Rahwana, quien se ha disfrazado de viejo sacerdote y ruega a Sita que le dé comida, puesto que tiene frío y hambre.  Sita cae ante el engaño, sale del círculo para darle al viejo sacerdote algo de comida, y Rahwana la toma y la lleva a su palacio.
Una vez de vuelta en su palacio en Alengka, Rahwana intenta todo para seducir a Sita, sin éxito.
Entretanto, Hanoman, el mono blanco, un buen amigo de Rama, está buscando a Sita por todos lados.
En el palacio encAlengka, Sita se desahoga contando la historia de su cruel destino a la sobrina de Rahwana, Trijata, quien había empezado a amar a Sita; cuando Hanoman aparece para decirle que es el enviado de Rama y lo prueba mostrándole el anillo de Rama, Sita le da a Hanoman una horquilla para el cabello hairpin para mostrar que sigue viva y lo envía de vuelta con rama con el mensaje de que vaya a rescatarla.
Mientras tanto, Rama y Laksmana están buscando en el bosque a Sita cuando Meganada, el hijo de Rahwana, aparece y entra en combate con Rama y Laksmana. Meganada usa sus poderes mágicos y tira una flecha que se convierte mágicamente en un dragón que domina a Rama and Laksmana y éstos son atados con cuerdas
El ave Garuda, Rey de todas las aves, buen amigo del Rey Dasarata, ha estado observando los problemas de Rama desde las alturas y baja al rescate, liberando a los hermanos de sus ataduras.
Rama y Laksmana continúan en su camino para rescatar a Sita y se les une Sugriwa, Rey de los monos, y su armada de monos.
Este fragmento del Ramayana llega a su fin con la batalla entre Sugriwa y su armada de monos y Meganada y su armada de demonios, la cual termina con la derrota de Meganada.









* Walter Spies vivió en Bali durante varios años, y formó parte de la comunidad artística de la isla, influenciando de muchas maneras las artes tradicionales. Su historia personal con Bali y su influencia en el arte local e internacional son toda una historia aparte.
(1) Balinese Dance, Drama and Music. By I Wayan Dibia and Rucina Ballinger. Periplus Editions, Singapore, 2004.






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jueves, 28 de abril de 2011

Una función de calle de teatro tradicional de marionetas japonés: Un escena de borracho y El león y las mariposas.

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)


El pasado domingo 24 de éste 2011 fui a disfrutar de una gran fiesta en Yokohama, el Festival de actores callejeros de la calle Noge (Noge Street Performance Festival). Este festival ha tenido lugar cada año desde 1974 (estamos en su 37a edición) y se presentan en él docenas de actores y juglares que vienen de todas partes de Japón y del mundo entero. Por supuesto mi interés radica en aquellos espectáculos que no son regularmente vistos en occidente y por supuesto este festival es una delicia en ese sentido.

Entre todos esos espectáculos estaba un teatro tradicional de marionetas, con un espectáculo de teatro puramente de calle, lleno de encanto, de simpleza y verdaderamente interesante para el viajero teatral que soy.

Tomé por suerte algunas fotografías y dos videos. Disfruten.


Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

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