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jueves, 13 de septiembre de 2012

Una función de Kyogen en el Teatro Nacional de Noh (国立能楽堂) en Tokio. (2011)

Programa del Teatro Nacional de Noh con sellos de la temporada 2011. (Gustavo Thomas © 2011)

Como es de esperarse no hay visita que haga a no importa cuál ciudad japonesa donde no busque la posibilidad de ver una función de teatro tradicional, teatro que admiro y disfruto muchísimo. En mayo de 2011, en Tokio, pude ir a ver una función solo de Kyogen, el estilo cómico que acompaña regularmente las presentaciones de Noh. Como fue dentro de un teatro no pude tomar ninguna fotografía o video de la representación, pero sí aproveché para hacer algunas tomas del edificio y del bellísimo "escenario" del Teatro Nacional de Noh (国立能楽堂).

Los teatros modernos para Noh y Kyogen son teatros dentro de teatros, como si el espacio del Noh fuera una escenografía permanente: el espectacular teatro de madera (que se dice no ha cambiado en su forma y materiales de elaboración desde el siglo XVI) está cubierto por una construcción de sala de espectáculos moderna, con la consecuente adición de butacas en donde originalmente solo era un espacio abierto para espectadores dentro de los templos sintoístas.

National Noh Theatre Stage (Tokyo, 2011)
Escenario dentro del Teatro Nacional de Noh. Tokio, Japón. (Gustavo Thomas © 2011)

National Noh Theatre Stage (Tokyo, 2011)
Escenario dentro del Teatro Nacional de Noh. Tokio, Japón. (Gustavo Thomas © 2011)


La iluminación, moderna, es dirigida al "escenario" (el teatro Noh original) de una manera totalmente abierta, no hay cambios de luces ni hay juegos de atmósferas con luz. Es acaso en las representaciones nocturnas en los templos o al aire libre en algún festival (vi una en Osaka con los actores sobre un bote, por ejemplo) donde se usan antorchas que logran una atmósfera muy especial al montaje, pero el uso de luz electrica como parte del diseño de una producción de Noh o Kyogen no se ve jamás.

Esta representación de Kyogen tuvo un tinte especial para mí porque por primera vez en mi vida una representación de teatro japonés tenía subtítulos, traduciendo lo que se decía: cada asiento de este teatro posee una pantalla, que uno escoge sea en japonés o en inglés, pudiendo así seguir la función sin dedicarse solamente al movimiento y a la música (lo que es interesante pero en momentos muy cansado). Una adición maravillosa para aquellos que no hablamos japonés, pues hace de verdad que la representación sea un evento muy disfrutable en todos sentidos; por primera vez en mi vida viendo teatro japonés pude reír a través de entender verbalmente la comedia y no solo por su aspecto visual. Joyas de la modernidad que se agradecen.

Pantallas con subtítulos dentro del Teatro Nacional de Noh. Tokio, Japón. (Gustavo Thomas © 2011)


La mayoría de los espectadores son gente de más de 50 años, muchos de ellos se quedan dormidos apenas empieza la función, pero una gran parte disfruta verdaderamente el espectáculo, se nota que lo conoce y que sabe lo que hay que esperar de él. No es ya un teatro ritual, claro está, y no es un teatro de grandes actores de fama y gritos del público ante escenas cumbre como el Kabuki, pero es un tipo de teatro que se respeta muchísimo, se aplaude con fuerza y casi siempre tiene llenos completos.



La función de Kyogen


Programa de sala de la función de Kyogen en el Teatro Nacional de Noh. Tokio, Japón. (Gustavo Thomas © 2011)

Boleto de la función de Kyogen en el Teatro Nacional de Noh. Tokio, Japón. (Gustavo Thomas © 2011)


Kyogen, en contraste con Noh, son obras cortas muy simples y sobre temas mundanos, regularmente vicios o engaños de gente común y con mucho menor movimiento estilizado por parte de los actores. Como un ejemplo menciono la última obra de aquella noche, El sermón de los peces, donde un pescador borracho se hace pasar por monje, cuando se le pide que diga un sermón el hombre se dedica a dar una lista de todos los peces que conoce, tan simple como eso.

Sólo como un dato informativo paso el programa con la piezas representadas esa noche que, como mencioné anteriormente, fue sólo de Kyogen. Algunos sitios de Internet tienen resúmenes de muchas piezas de Noh y Kyogen (regularmente en inglés); si están interesados en saber más de ellas pueden hacer una simple bísqueda en Google.


Tres obras y una pieza musical (Todo aproximadamente 90 minutos)

-Suo Otoshi (El regalo descubierto)

-Tsuen (El monje del té)

Texto, fotografías y vídeos en este Blog son propiedad del autor, excepto cuando se aclare otra autoría. Todos los derechos son reservados por el autor de este Blog. Si existe algún interés en usar textos, fotografías o vídeos propiedad del autor, sea uso comercial o no, es necesario hacer una petición por escrito y dirigirla por correo electrónico a Gustavo Thomas a gustavothomasteatro@gmail.com.





jueves, 28 de abril de 2011

Una función de calle de teatro tradicional de marionetas japonés: Un escena de borracho y El león y las mariposas.

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)


El pasado domingo 24 de éste 2011 fui a disfrutar de una gran fiesta en Yokohama, el Festival de actores callejeros de la calle Noge (Noge Street Performance Festival). Este festival ha tenido lugar cada año desde 1974 (estamos en su 37a edición) y se presentan en él docenas de actores y juglares que vienen de todas partes de Japón y del mundo entero. Por supuesto mi interés radica en aquellos espectáculos que no son regularmente vistos en occidente y por supuesto este festival es una delicia en ese sentido.

Entre todos esos espectáculos estaba un teatro tradicional de marionetas, con un espectáculo de teatro puramente de calle, lleno de encanto, de simpleza y verdaderamente interesante para el viajero teatral que soy.

Tomé por suerte algunas fotografías y dos videos. Disfruten.


Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Teatro tradicional de marionetas japonés, Noge Street Performance Festival, Yokohama
(By Gustavo Thomas. All Rights Reserved. 2011)

Video: 






Video:



martes, 22 de junio de 2010

Una representación de la Danza Oleg Tambulilingan en el Palacio Real de Ubud, Bali.






Oleg Tangulilingan es un danza que pertenece al estilo de danzas llamado Kebyar ( La danza que presenté en la entrada anterior, Taruna Jaya, lo es también). Estas danzas Kebyar se caracterizan por sus movimientos abruptos, radicales cambios en el tempo y la exigencia de una gran expresividad y energía en el bailarín. El estilo Kebyar surgió en el siglo XX durante y después de la etapa dorada de los años 20 en Bali, cuando la isla se internacionalizó y tuvó una influencia determinante con los extranjeros que la visitaron y que provocaron una explosión de creatividad ente los artistas escénicos balineses.

I Ketut Mario, de quien apenas me he referido en las otras entradas sobre Bali (1), considerado uno de los pilares de la danza balinesa del siglo XX, fue a su vez un coreógrafo que creó nuevas formas y elevó la fineza de la representación; él creó está danza, Oleg Tambulilingan o danza del abejorro.

Mario bailando Kebyar Duduk (años 30)

Según I Wayan Tibia y Rucina Ballinger (2), Mario coreografió está danza para dos bailarines de Peliatán cuando la compañía del pueblo se preparaba para hacer un tour por Europa y los Estados Unidos en 1952. Los jóvenes bailarines (y después grandes maestros), I Gusti Rasmin Raka y I Wayan Sampih, fueron los primeros en bailar esta danza. Dentro de las convenciones de la danza balinesa ésta fue una coreografía que rompió ciertos cánones establecidos, haciendo que la mujer bailarina (es una pareja hombre-mujer) levantara los brazos por encima de los hombros al momento de "elevar su alas", mostrando sus axilas.

Oleg Tambulilingan es una recreación del cortejo de los abejorros desde la aparición en un jardín hasta su abrazo final.

Ustedes pueden observar las fotografías para las posiciones, la gestualidad y para las posturas de ojos y manos, y el video (al menos unos 3 minutos) para el movimiento como tal. Yo pude descubrir en esta danza un goce visual y estético más que la presentación (o representación) de un ritual; las Kebyar, al final, son danzas de lucimiento, de gran elaboración técnica por parte de sus creadores y el nivel estándar de los bailarines balineses lo hacen profundamente disfrutable.










(1)Habrá una entrada especial sobre su trabajo y presentaré algunas de las imágenes que Covarrubias filmó de él.


miércoles, 13 de enero de 2010

Teatro Hosho Nohgakudo en Tokio. Un vistazo a su interior.




Inicio este año 2010 con un lindo recuerdo de mi viaje a Japón en enero de 2008, cuando visité uno de los edificios teatrales para teatro Noh más famosos del país y del mundo, el teatro Hosho Nohgakudo, en Tokio.

Aquella ocasion fui a ver un programa completo de Noh y Kyogen (1); como me fue imposible videograbar cualquier escena del espectáculo pues decidí al menos mostrarles un poco del interior del edificio que es un tipo de teatro muy poco conocido en el mundo, especialmente por su escenario tradicional hecho completamente de madera.






(1) Ustedes pueden ver un ejemplo de este tipo de programa de Noh en mi entrada:




Libros sobre Noh:

lunes, 28 de diciembre de 2009

Fotografías sobre una representación de la compañía de Opera y Teatro de sombras de la familia Wei de Sha'anxi (2007)


Hace dos años publiqué una entrada sobre la representación en South Gate Space en Dashanzi 798 (Pekín, China) de una representación de la compañía de ópera y teatro de sombras de la familia Wei de Sha'anxi (o Shaanxi) (1). Fue un muy interesate evento y uno de mis primeros ejemplos, originales, sobre el teatro tradicional chino de marionetas en sombras (sombras chinescas, algunos le llaman). Después del problema que tuve con Youtube y pues subiendo de nuevo todos mis videos, he comenzado a entretenerme con ello y aproveché para extraer varias imágenes de esos videos, logré un grupo lindo de ellas y ahora se la presento como una serie de diapositivas sobre la representación que vi esa noche de agosto de 2007. Espero las disfruten.

sábado, 19 de diciembre de 2009

Actores balineses haciendo su vestuario en el templo Taman Saraswati en Ubud.



Quiero compartir las imágenes de un muy grato y especial momento durante mi visita al Palacio de Agua en Ubud, donde pude ver y capturar en video a un grupo de actores de la llamada Danza Barong haciendo su vestuario.


Llegué a ellos de una manera totalmente fortuita, a través de una visita al Palacio de Agua, una belleza por sí mismo con un estanque con lotos y esculturas de ensueño; en realidad el palacio es la antesala de un templo, Taman Saraswati, al que muy pocos turistas pueden entrar porque olvidan llevar su sarong y porque no está como una visita obligada en las guias (el palacio tiene un restaurante de lujo que detiene a todo el mundo ahí). Como nosotros llevábamos un sarong puesto simplemente pasamos al templo por una de las entradas laterales y sin ningún problema.



Yo sabía que en aquél Palacio se daban representaciones de varios espectáculos tradicionales pero nunca imaginé que la compañía de teatro trabajara y se preparara en la mañana en el templo mismo (siendo el escenario afuera de la entrada). Y ahí estaban, en diferentes puntos de esa belleza arquitectónica balinesa, en lo que nosotros llamaríamos sus altares, ahí, sobre ellos, trabajando con sus materiales, haciendo y retocando sus vestuarios.


La mayoría se dedicaba a tejer las enormes melenas de los personajes de la danza (danza-teatro) usando largos pelos de un tipo de palma que se da en la isla; algunos otros pintaban y arreglaban trajes.




En una parte se podían observar la mayoría de las enormes máscaras (con sus melenas cuerpos) de los personajes-demonios del Barong y de otros espectáculos, todas puestas en fila, mirando al frente, quietas e imponentes, en una especie de sacralidad teatral.




Otro altar similar servía como taller de reparación de máscaras y cabelleras, con algunas máscaras sin terminar aún, y dos melenas colgadas esperando sus toques finales; botellas de pintura, pinceles, papeles, tijeras... Un taller de trabajo al aire libre y dentro de un templo.




En otra parte colgaba la gran melena del Barong (el personaje), ese gran monstruo tipo león peludo parte de la mitología balinesa, que con su imponente danza maravilla a cualquier espectador, sea de donde sea (1). La melena del Barong estaba incompleta, incluso no había sido pintada de blanco aún, y los hombres que trabajaban en ella por primera vez repararon en mi presencia más allá de la mirada y me saludaron.



Me sentí afortunado de penetrar en este mundo íntimo del teatro balinés sólo por unos minutos y las imágenes que ofrezco en esta entrada del Blog son la mejor manera de compartirlo con ustedes.


Actores balineses haciendo su vestuario. Templo del Palacio del Agua. Bali, 2009.





Pueden ver todas las fotos en una serie de diapositivas:







(1) Habrá una entrada especial sobre una función de Danza Barong.


lunes, 23 de noviembre de 2009

Wayang Kulit Teatro de Sombras Balinés (1): "El Sacrificio de Bima" (preliminares)




El Teatro de Sombras Balinés ó Wayang Kulit es uno de los más fascinantes espectáculos de la cultura balinesa. Como sucede con el teatro chino (Opera china) que proviene del teatro de marionetas de la antiguedad, Wayang Kulit es posiblemente el origen de varias espectaculares danzas balinesas como el Legong. (1)

Wayang significa sombras y Kulit significa piel (2). Este teatro de sombras realizado con marionetas hechas de piel de animal (regularmente de buey) es una tradición religioso-artística, como casi todo en Bali. Basado en las épicas hindúes del Ramayana y el Mahabarata durante siglos ha sido una manera de contar al pueblo el origen del universo y una entretenida manera de escuchar poesía.

Manejado por un solo maestro manipulador, Dalang (en otros tiempos considerado más que un maestro, un sacerdote), que además hace las voces de todos los personajes, recita la poesía y en momento improvisa con humor, Wayang Kulit es una verdadera línea directa que nos lleva hacia los ancestrales "cuenta cuentos", uno de los tres orígenes del teatro según Jerzy Grotowski. (3) El Dalang es acompañado por un pequeño grupo de músicos Gamelan (orquesta típica balinesa), todos obviamente detrás de la pantalla tradicional que, aún en la actualidad, es iluminada con una lámpara de aceite. (4)


Como en todo espectáculo religioso cada elemento del escenario tiene un simbolismo: la pantalla, Kelir, simboliza las propiedades de la vida en la tierra, al estar estirada entre dos troncos de bambú simboliza a su vez el universo; el tronco de árbol del plátano, donde se detienen las marionetas es Pertiwi o la madre Tierra; la lámpara misma, Damar, es el sol, con tres madejas que representan los dioses hindúes Brahma, Visnu y Shiva (5). Posiciones, entradas, posturas del mismo Dalang al manipular los muñecos, todo posee un simbolismo y todo debe ser realizado con un estricto control de movimientos.



Disposición de la pantalla y de los instrumentos musicales





 
Disposición del Dalang, los músicos y las marionetas atrás de la pantalla.






La vida artística de Bali ha evolucionado y cambiado dramáticamente con la civilización occidental, pero a su vez se ha preservado gracias al turismo que ha hecho de su existencia un motivo de interés de la isla. Wayang Kulit ha cambiado la razón de su presentación a un público: se pueden dar funciones religiosas y funciones comerciales; los maestros son los mismos, las técnicas son las mismas, lo que cambia dependiendo del tipo de función es la duración de la representación y el público; puede darse una función durante una noche completa, dentro de un templo y durante un festival, ante balineses y turistas, o puede darse una función por hora y media en un templo o galería (como en este caso), ante sólo turistas y un pequeño grupo de siempre presentes curiosos niños balineses.

La función que presencié se dió en una galería hostal, Okra Kartini, en un escenario donde regularmente se dan representaciones de Wayang Kulit, ante unas 50 o 60 personas. El video siguiente muestra los preliminares de aquella función. En él se ve cómo se instala la pantalla e inicia la música, además de una explicación (en inglés) que da el director de la compañía (en este caso no el Dalang que ya está detrás de la pantalla) sobre los personajes y la historia a observar.

Hay un video extra, muy corto que tomé al final de la función, que ilustra cómo estaban dispuestos físicamente los músicos y el Dalang atrás de la pantalla.

En la siguiente entrada mostraré los videos de la función completa.










(1) Island of Bali. Autor: Miguel Covarrubias.
(2) Balinese Dance, Drama and Music. Autores: I Wayan Dibia, Rucina Ballinger.
(3) Los otros dos son
el juego y el chamán o curandero.
(4) Los chinos por ejemplo han perdido esa tradición; yo en cuatro años viviendo en China no ví un solo espectáculo de sombras que no estuviera iluminado con lámparas eléctricas.
(5) Balinese Dance and Drama...



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viernes, 30 de enero de 2009

Caminando por el jardin de Basho...




“閑かさや岩にしみ入る蝉の声”

“Todo en calma; / penetra en las rocas / la voz de la cigarra”




La primera vez que oí del Haikú fue sintiéndolo.

En un ejercicio de actuación mi maestro, González Caballero (1), nos repetía constantemente unas cuantas frases poéticas traducidas del japonés. La respuesta inmediata en mi interior, acaso explosiva (si las explosiones fueran tan lentas como potentes), me abrió una puerta hasta entonces desconocida; la sensibilidad interior tenía una entrada (tal vez tiene más) y yo la había descubierto ese día.

Las palabras del maestro eran escuchadas, y después de un tiempo repetidas por mí, con mi voz, cada vez más bajo, como queriendo que entrasen a mí; entonces oírlas en el silencio, oírlas viajando por el cuerpo, dentro del cuerpo y comenzar a sentir.

El sentir me llevaba al llanto, pero aquél llanto no era de dolor y tristeza, o en todo caso de un dolor y una tristeza tan grandes que parecían cercanos a lo infinito, por lo tanto a lo intangible, y por lo tanto ni tristes ni dolorosas, sólo estaban y eran en mí, y ese llanto fluía como corre un río, sólo porque sí.

Mi cuerpo se distensaba, mis ojos nublados seguían escuchando el poema en mí.

Ya en el suelo y en un lapso de tiempo sin recuerdo, aquella tarde, disfrutando de todo ello, miraba al cielo y reía mientras las lagrimas seguían saliendo. Era todo, era mucho, ¡era de una extrema suavidad!

Hacía rato que la voz del maestro había desaparecido y la mía también, pero yo seguía escuchando el poema, en mí. Era la primera vez que podría decir que sentí un "alma", eso tan intangible que sólo llega a ser asible a través la poesía.

Y es desde entonces que al escuchar la palabra "Haikú" mi cuerpo ( y alma) la identifican con esa experiencia de actor, y al escuchar el nombre de "Basho" con el ser creador que la provocó.

Basho (Bashō) se ha cruzado varias veces en mi vida desde aquél día en el laboratorio de González Caballero y hasta ahora, se cruzó en mi camino durante un viaje a Tokio en enero del año 2008. Yo buscaba un estadio de Sumo, quería ver hombres enormes pelear de una forma ritual, y encontré en cambio al poeta japonés, encontré su casa museo que me detuvo por unos minutos.

La casa fue prácticamente destruida por el tiempo y los bombardeos, de ella no queda nada; una nueva construcción que la sustituye, un pequeño museo, y en ese lugar un pequeño jardín que aún en el invierno permanecía vivo.

Por ese jardín paseé y grabé imágenes, más bellas por lo que significan que por lo que ellas son. Mostrarlas es un gozo y leer sus poemas al verlas un placer.

Los viajes son pretextos que nos conducen a la sabiduría.


Un paseo por el jardín de la casa museo de Basho






Casa Museo de Basho. Toki, japón. (Enero de 2008)


Primeras frases (en español) del libro de Basho "Oku no Hosomichi"



La primera parte de "Oko no Hosomichi" (el más famoso libro de Basho) en la traducción de Octavio Paz y Eikichi Hayashiya:

"Sendas de Oku

Los meses y los días son viajeros de la eternidad.
El año que se va y el que viene también son viajeros.
Para aquellos que dejan flotar sus vidas a bordo de los barcos o envejecen conduciendo caballos, todos los días son viaje y su casa misma es viaje.
Entre los antiguos, muchos murieron en plena ruta. A mí mismo, desde hace mucho, como girón de nube arrastrado por el viento, me turbaban pensamientos de vagabundeo.
Después de haber recorrido la costa durante el otoño pasado, volví a mi choza a orillas del río y barrí sus telarañas.
Allí me sorprendió el término del año; entonces me nacieron las ganas de cruzar el paso Shirakawa y llegar a Oku cuando la niebla cubre cielo y campos.
Todo lo que veía me invitaba al viaje; tan poseído estaba por los dioses que no podía dominar mis pensamientos; los espíritus del camino me hacían señas y no podía fijar mi mente ni ocuparme en nada.
Remendé mis pantalones rotos, cambié las cintas a mi sombrero de paja y unté moka quemada en mis piernas, para fortalecerlas.
La idea de la luna en la isla de Matsushima llenaba todas mis horas.
Cedí mi cabaña y me fui a la casa de Sampu, para esperar ahí el día de la salida.
En uno de los pilares de mi choza colgué un poema de ocho estrofas. La primera decía así:


Otros ahora


en mi choza - mañana


casa de muñecas.
"



(1) González Caballero es el creador de un método de actuación conocido como "técnica de González Caballero". El ejercicio narrado pertenece a la llamada dentro del método "corriente naturalista o chejoviana", y la exploración que se trabaja es precisamente la del "Apoyo Haikú".
Hay un Blog donde se expone el método completo: http://agcmetodo.blogspot.com

*


El libro del método de actuación de Antonio González Caballero está a la venta solamente a través de Internet, y en dos sitios: Amazon.com: http://www.amazon.com/Actuación-Antonio-González-Caballero-Spanish/dp/1466261919 CreateSpace: https://www.createspace.com/3677417




miércoles, 17 de diciembre de 2008

"The Metropolitan Theatre" en Manila, Filipinas




Manila tiene un enorme movimiento teatral, con una influencia española de 300 años y norteamericana de casi 100, los filipinos tiene un gusto enorme por el teatro: como en muchas capitales de América y Europa, se mezclan tanto compañías del ‘estado’ como compañías comerciales, experimentales y estudiantiles. Sin embargo en mi viaje a Filipinas no buscaba ver su teatro contemporáneo, buscaba expresiones escénicas ligadas a la tradición, a la fiesta, al rito, y llegué en mal momento.

Mi viaje a Filipinas fue tan intempestivo como muchos otros, pero ésta vez, no me tocó una sola fiesta popular, no pude obtener ninguna información sobre funciones en teatros experimentales o estudiantiles, tampoco de una sola representación en los teatros del estado donde hubiera algo más allá de conciertos o danza (con compañías y artistas del extranjero), y pues, debo aceptar que no tenía aliento para la comedia musical. Yo buscaba historia, tradición teatral; leí un poco y encontré que había un teatro, un edificio, al que los Filipinos le daban una gran importancia, The Metropolitan Theatre.


El Teatro Metropolitan de Manila está situado en pleno centro de la capital, hoy desplazada como una zona sin cuidado ni gusto estético, contaminada por el ruido y los gases de los autos, por la vida de una ciudad que no para su movimiento. Cientos de años atrás hubo otros importantes teatros en el mismo lugar, unos metros alejados tal vez, pero la zona era reconocida como un centro importante de actividades culturales. Ahí, en los años 30, fue diseñado un teatro de carácter nacional que estuviera a la par que las grandes capítales del mundo. Manila vivía desde principios del siglo una abundancia inigualable; la ciudad fue rediseñada, se elevaron tanto la calidad de sus edificios como la de sus servicios, habia dinero y mucho; los artistas europeos (y filipinos de alto nivel) podían ser pagados y muchos de ellos vinieron a construir, a esculpir, a pintar y a actuar.


El Teatro Metropoliota fue diseñado bajo la más moderna y nueva corriente arquitectónica de la época, el Art Decó, que con su enorme expansion mundial podía sostener la pureza del estilo nacido en Francia y ser mezclado con motivos y detalles propios de la cultura de cada región. Esa ha sido una de mis más gratas experiencias al viajar, ver los diferentes tipos de Art Decó en edificos alrededor del mundo, desde Miami a Paris, de Shanghai a la Ciudad de México, de Beirut a Bangkok o en este caso en Manila.




El Teatro fue diseñado en 1931 por el arquitecto filipino Juan M. de Guzmán Arellano, el lobby tenía murales del famoso pintor también filipino Fernando Amorsolo y las esculturas en la fachada obra del artista italiano Ricardo Monti; aquellos detalles regionales dentro del estilo, detalles filipinos (plantas de la región, obetos, etc) en la decoracion de las paredes del lobby y de los techos estuvieron a cargo del artista Isabelo Tampingco. Mucha de esta obra está perdida.




El Teatro Metropolitan fue destruido durante la reconquista norteamericana de Filipinas en 1945, Manila había sido arrebatada por los japoneses poco antes de la segunda guerra mundial, y había que retomarla a cualquier precio. La ciudad con toda su historia en construcciones y más de 150 000 personas murieron en unos cuantos días de bombardeos, la gloria de los 300 años españoles quedó reducida a unas cuantas casas e iglesias (el convento y la iglesia de San Agustin es la única joya real restante de la época española, dentro del llamado “Intramuros”) y la gloria de la nueva Manila quedó reducida a nada, del hermoso Metropolitan Theatre quedaba unas cuantas paredes y algunas esculturas.


Después de la guerra y la total independencia de Filipinas el teatro pudo ser remodelado a principios de los años 70 por aquellos presidentes-dioses del archipiélago, “Ferdinand e Imelda Marcos”, quienes se apoderaron de la nación durante algunos decenios. Sin embargo, al fin remodelación del tercer mundo, el teatro volvió a cerrar por falta de cuidados en los años 90.


Durante mi visita, en este noviembre de 2008, vi un edificio sucio y con partes semiderruidas, al parecer casa de algunos vagabundos y vendedores de baratijas, así como oficinas de gobierno en su parte trasera. Tengo entendido que se han iniciado nuevos trabajos de remodelacion para convertirlo en un teatro funcional; son trabajos lentos y al parecer rodeados de un aura de corrupción, pero una esperanza hay en ellos. (2)





El caos de la ciudad, su falta de cuidado y la zona misma me hacen dudar de la funcionalidad de esta remodelación; nada puede permanecer en pie limpio, bello y digno en ese lugar (como lo percibirán en el video).

En el video que edité trato de mostrar tanto la belleza del edificio como la situación real en la que se encuentra; he dejado en las primeras tomas el ruido de la ciudad que lo rodea y después cambio el fondo musical a una pieza de Fauré que creo nos hace disfrutar la belleza aún presente en él.




Al ver este hermoso edifico en las condiciones y en la zona donde se encontraba recordaba aquellas joyas arquitectónicas de la colonia Juárez y de la colonia Santa María la Rivera en la ciudad de México, joyas en espera de un rescate, de un poco de cuidado, sin embargo el recuerdo no me engaña, puedo asegurar que las condiciones del ruido y la contaminación de los autos es peor en la ciudad de Manila.



(1) Se puede encontrar más fotos e información en el Blog: http://superpasyal.blogspot.com/2006/07/manila-metropolitan-theatre.html
(2) http://senorenrique.blogspot.com/2007/07/renovation-of-metropolitan-theater.html

Slideshow (diapositivas) del Teatro Metropolitan de Filipinas




Gustavo Thomas. Get yours at bighugelabs.com

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