Un abrazo a todos aquellos que siguen este Blog. Mis mejores deseos para el año 2010.
Gustavo Thomas
jueves, 31 de diciembre de 2009
lunes, 28 de diciembre de 2009
Fotografías sobre una representación de la compañía de Opera y Teatro de sombras de la familia Wei de Sha'anxi (2007)
Hace dos años publiqué una entrada sobre la representación en South Gate Space en Dashanzi 798 (Pekín, China) de una representación de la compañía de ópera y teatro de sombras de la familia Wei de Sha'anxi (o Shaanxi) (1). Fue un muy interesate evento y uno de mis primeros ejemplos, originales, sobre el teatro tradicional chino de marionetas en sombras (sombras chinescas, algunos le llaman). Después del problema que tuve con Youtube y pues subiendo de nuevo todos mis videos, he comenzado a entretenerme con ello y aproveché para extraer varias imágenes de esos videos, logré un grupo lindo de ellas y ahora se la presento como una serie de diapositivas sobre la representación que vi esa noche de agosto de 2007. Espero las disfruten.
miércoles, 23 de diciembre de 2009
Una entrevista de la BBC con el más rápido actor de cambio de máscaras en China.
Ya he hablado sobre "cambio de máscaras" en la ópera china en una entrada del blog sobre mi viaje a la antigua ciudad de Pingyao en la provincia de Shanxi (1). Ahora sólo quiero compartirles un video que la BBC publicó en su sitio sobre el mismo tópico pero con la ópera de Sichuan; es una entrevista y demostración con el más rápido representante de este arte en China, el actor He Hongqing.
Haz click en el link de abajo y te llevará a la página de la BBC donde se encuentra el video.
sábado, 19 de diciembre de 2009
Actores balineses haciendo su vestuario en el templo Taman Saraswati en Ubud.
Quiero compartir las imágenes de un muy grato y especial momento durante mi visita al Palacio de Agua en Ubud, donde pude ver y capturar en video a un grupo de actores de la llamada Danza Barong haciendo su vestuario.
Llegué a ellos de una manera totalmente fortuita, a través de una visita al Palacio de Agua, una belleza por sí mismo con un estanque con lotos y esculturas de ensueño; en realidad el palacio es la antesala de un templo, Taman Saraswati, al que muy pocos turistas pueden entrar porque olvidan llevar su sarong y porque no está como una visita obligada en las guias (el palacio tiene un restaurante de lujo que detiene a todo el mundo ahí). Como nosotros llevábamos un sarong puesto simplemente pasamos al templo por una de las entradas laterales y sin ningún problema.
Yo sabía que en aquél Palacio se daban representaciones de varios espectáculos tradicionales pero nunca imaginé que la compañía de teatro trabajara y se preparara en la mañana en el templo mismo (siendo el escenario afuera de la entrada). Y ahí estaban, en diferentes puntos de esa belleza arquitectónica balinesa, en lo que nosotros llamaríamos sus altares, ahí, sobre ellos, trabajando con sus materiales, haciendo y retocando sus vestuarios.
La mayoría se dedicaba a tejer las enormes melenas de los personajes de la danza (danza-teatro) usando largos pelos de un tipo de palma que se da en la isla; algunos otros pintaban y arreglaban trajes.
En una parte se podían observar la mayoría de las enormes máscaras (con sus melenas cuerpos) de los personajes-demonios del Barong y de otros espectáculos, todas puestas en fila, mirando al frente, quietas e imponentes, en una especie de sacralidad teatral.
Otro altar similar servía como taller de reparación de máscaras y cabelleras, con algunas máscaras sin terminar aún, y dos melenas colgadas esperando sus toques finales; botellas de pintura, pinceles, papeles, tijeras... Un taller de trabajo al aire libre y dentro de un templo.
En otra parte colgaba la gran melena del Barong (el personaje), ese gran monstruo tipo león peludo parte de la mitología balinesa, que con su imponente danza maravilla a cualquier espectador, sea de donde sea (1). La melena del Barong estaba incompleta, incluso no había sido pintada de blanco aún, y los hombres que trabajaban en ella por primera vez repararon en mi presencia más allá de la mirada y me saludaron.
Me sentí afortunado de penetrar en este mundo íntimo del teatro balinés sólo por unos minutos y las imágenes que ofrezco en esta entrada del Blog son la mejor manera de compartirlo con ustedes.
Actores balineses haciendo su vestuario. Templo del Palacio del Agua. Bali, 2009.
Pueden ver todas las fotos en una serie de diapositivas:
(1) Habrá una entrada especial sobre una función de Danza Barong.
lunes, 14 de diciembre de 2009
Le Dernier Caravansérail (Odysseés)
Originally uploaded by timeoutnewyork
Acabo de recibir el DVD del film "Le Dernier Caravansérail. Odysées.", basado en la puesta en escena del Théâtre du Soleil y dirigida por Ariane Mnouchkine.
Mi cuerpo se estremece cada vez que recuerdo esta puesta en escena que vi en Paris en diciembre de 2004, en ese maravilloso espacio que han creado y establecido Mnouchkine y todos los integrantes del Théâtre du Soleil durante decenas de años.
La primera escena donde, en un juego absolutamente cínico de teatralidad, se recrea el paso de emigrantes ilegales afganos por un embravecido río en la frontera que los llevará hacia la incierta libertad que buscan en occidente, me rompió cualquier bloqueo que pudiera tener como espectador teatral. Magnífica, poderosa, cargada de suficiente articificio para asumirla real. Los actores estaban en el realismo (¡qué importa!); sus compañeros los ayudaban, a la vista del público, a mover esas telas y provocar el oleaje embravecido del río; el sonido, estruendoso, suficientemente claro para reconocer el viento, el ruido de las aguas, y la fuerza de una enorme pieza de teatro de comenzaba.
Después escena tras escena y la tragedia de la emigración, de las culturas en choque, de la humanidad del viajero perdido. Humanidad, grandiosidad, crueldad, maldad, amor, impotencia, sonidos de un helicóptero, de un tren, gritos, llantos, cartas y nostalgia. Recuerdo tanto...
Aquél sábado en La Cartoucherie, en las afueras de Paris, estuve 6 horas con ellos, con el espacio mismo, con sus actores, con sus libros, con su comida, leyendo de sus paredes y absorbiendo de su Arte Escénico. Yo acaba de dejar mi proyecto de mi compañía teatral un año atrás, y lo hacía por el viaje y la experiencia de dedicar mi vida a ver el mundo escénico que me ha tocado, aver a sus grandes y agradecía de verdad mi estancia ahí.
La enorme puesta en escena duró casi esas 6 horas (con intermedios para comer y cenar), y la respuesta final no fue sólo el aplauso efusivo, sino la emoción, el llanto, el ofrecimiento de nuestro corazones rotos y abiertos hacia lo que ellos nos habían entregado.
Esa noche redescubría el intercambio amoroso del teatro, también la tremenda fuerza con la que resonaban las palabras de un Artaud en la presencia del actor en esa escena, la sangre y el descuartizamiento, pero el mismo Artaud hubiera estado absolutamente sorprendido por la manera en que Le Dernier Caravansérail lo exponía, a través del trabajo, de la entrega, de la sinceridad y la honestidad del trabajo de toda aquella ya mítica compañía en mi memoria.
La Mnouchkine se quedó grabada en mi memoria, como gran directora y como una persona común: en su teatro, antes del comienzo de su obra, nos hablaba a los espectadores como si fuéramos niños, suyos y de otros, nos indicaba dónde sentarnos, cómo comportarnos, con qué cubrirnos (estábamos a 3 grados centígrados, y sin calefacción) y en momentos nos regañaba... Veía sus canas, su cara con su enorme nariz y sus arrugas, sus manos, su torso grueso como el de una abuela; y yo pensaba, esa es la mujer que movió a todo este mundo.
A mi mente vinieron los maestros del teatro independiente de mi país y del mundo que había conocido desde mi más temprana infancia teatral, aquellos mesías (algunos) y padres (lo más), y la reconocí como parte de esa tradición de la compañía de teatro de mundo, de viaje, de varios hombres, mujeres y culturas, y por supuesto la amé con mi recuerdo y su presente, como gente de teatro que soy y como huérfano de padre y maestro que en ese tiempo me sabía. (1)
El DVD "Le Dernier Caravsérail. Odysées" es una version filmada, dentro de la escena teatral pero editada como imagen cinematográfica, que la Mnouchkine acostumbra hacer con cada una de sus puestas, tal vez no con la misma fuerza que se logra en la vida real pero como un producto que se convierte en un hermoso ejemplo de lo que se vivió en ella. Puedo hacer uso de mi sentido crítico al verla (seguro pasará), pero prefiero disfrutarlo primero como si alguien hubiera editado los recuerdos de uno de los más excitantes y bellos momentos de mi vida.
(1) Antonio González Caballero, mi padre espiritual y maestro, había muerto en mayo de 2003.
jueves, 10 de diciembre de 2009
Youtube canceló mi cuenta.Por un tiempo no se verán videos de entradas pasadas en mi Blog.
He tenido problemas con Youtube debido a que publiqué en algún momento videos que tenían un copyright restringido o porque les puse alguna música de fondo que tenía derechos, hice todo lo posible por evitarlos, por cambiarlos, pero parece que no dan opción y me cancelaron mi cuenta. Tenía casi 500 videos, y sólo unos 5 tenían problema en el video y unos 10 en la música de fondo.
Y es una pena porque todos los videos (los casi 500) que he publicado en los blogs (y en youtube) no los puedo recuperar de ahí; por supuesto la mayoría de ellos son míos grabados durante mis viajes y mis visitas a los teatros o mis clases de taijiquan, y los tengo en archivos personales pero subirlos nuevamente será un proceso muy lento y molesto.
Trataré de ofrecerlos tan pronto como sea posible.
Disculpen este penoso incidente.
Gustavo Thomas
Una entrevista con Mei Baojiu, el hijo de Mei Lanfang.
Acabo de encontrar que el periódico China Daily publicó una entrevista (en chino con subtítulos en inglés) con Mei Baojiu, el hijo de Mei Lanfang, el más importante actor de ópera china (incluyendo la ópera de Pekín, claro). Mei Baojiu es también una importante figura dentro del teatro tradicional chino pero, como es de suponerse, ha vivido toda su vida con la sombra de la enorme imagen de su padre y al parecer lo tiene muy bien asumido.
Pensé que esta entrevista sería del interés de muchas personas que siguen este Blog; no es un artículo de investigación ni habla de complicaciones técnicas de la ópera, es más bien una aproximación a la vida y obra de Mei Lanfang desde la perspectiva de un importante miembro de su familia, y ahí radica de alguna manera su encanto, creo yo.
Debo aclarar que una imagen dentro del video me resulta extraña: al final se muestran una serie de fotografías y entre ellas una con la foto de Mei Lanfang en una portada de la revista Time supuestamente en algún número de septiembre de 1934 (posiblemente 1931). Como yo no sabía de ello (sólo reseñas de sus funciones durante la gira en Nueva York y Seatle en 1930 escritas en la revista), me puse a revisar en archivo de la revista y sus portadas, y pues me da pena decirlo pero no lo hallé. Puedo decir que fue un número especial, pero no está publicado en los archivos, y también puedo decir que es común en la cultura china el cambiar la historia para enaltecer a su héroes. Si alguien tiene el tiempo y el interés puede hacer la búsqueda y me aclarará si estoy equivocado. (*)
Es una pena que no se pueda publicar el video aquí en el Blog pero les paso el link a la página de China Daily donde aparece. ¡Disfrútenla!
(*) Escribí mis dudas (como un comentario) en la página donde aparece el video en China Daily, y recibí una respuesta (como comentario en la página también) diciendo qie yo tenía razón, no existe tal portada en la revista Time, y que se discupan por no haber confirmado las fuentes donde tomaron la foto trucada.
sábado, 5 de diciembre de 2009
Afshin Gaffarian exiliado en París, una nueva vida para un actor y bailarín irani.
Escriví hace unos meses sobre Afshin y sobre su Blog, The holy actor, un raro e interesante caso de un actor grotowskiano en Irán, y hoy apenas he terminado de leer una nota de AFP que informa que está ahora exiliado en París después de algunos problemas políticos durante las protestas en las elecciones iraníes y aprovechando un tour que su compañía hacía por Alemania.
Mi idea era escribir más sobre él y su trabajo después de un razonable lapso de tiempo y analizar su desarrollo pero con esta nota todo cambia radicalmente. Antes que nada publico la nota de AFP, que apareció también en su Blog (el original en inglés):
PARIS, Nov 27, 2009 (AFP)
- "Freedom for Iran!" With these defiant wordsIranian dancer Afshin Ghaffarian ended a public performance and began a newlife as an exiled dissident in Europe.
The 23-year-old was arrested in Tehran after taking part in nationwideprotests triggered by the June re-election of President Mahmoud Ahmadinejad, which critics say was due to a rigged vote.
But to his amazement he and his modern dance company were allowed to travel to a theatre festival in mid-October in the German town of Muelheim afterpaying a security bond of around 10,000 euros (15,000 dollars).
Until the moment he got to the airport, Ghaffarian feared he would be stopped. But he and the rest of the company -- two actors, a musician and alighting technician -- were allowed fly out of Iran.
Iranian authorities, however, sent two official minders along with them to make sure they stayed in line.
The company gave two performances at the festival. It was at the end of the second that the dark-haired dancer decided to make his move.
"Freedom for Iran! Solidarity with the Iranian people! Where is my vote?" he shouted on stage, making the V for victory sign with one hand and with the other covering his mouth to denounce the gagging of Iran's opposition.
On the hand he raised into the air, he wore a green ribbon, a sign of support for the defeated presidential candidate Mir Hossein Mousavi.
The declaration got an enthusiastic reception from the audience, whichincluded several local journalists, and in the ensuing confusion Ghaffarianmanaged to sneak away from his official escort.
About a week later he made his way to Paris with the help of a French friend of Iranian origin who works at the Comedie Francaise, France's national theatre, and who introduced him to the city's artistic community.
Ghaffarian said he has now has applied for political asylum in France and plans on continuing his career here.
"The 'Centre International de la Danse' is interested in him," said Xavier Samson, a public relations executive who has taken up Ghaffarian's cause,referring to a major state-funded dance institute.
Ghaffarian's current bright prospects are in stark contrast to the situation he faced just a few months ago in his native country.
He said he was arrested in Tehran when he, like tens of thousands of Iranians, took to the streets to protest against Ahmadinejad's victory. The protests led to a sometimes brutal crackdown. Ghaffarian said he wasdetained and beaten by the Basij volunteer Islamist militia. "They tied me up, they threw me in a vehicle, they blindfolded me," hesaid. "We were about 40 packed in this vehicle. It was so hot with the windows closed, we could hardly breathe."
"When they saw on my ID card that I was an actor in theatre, they laughed at me, they beat me more on my head, on my back," he said.
The Basiji stole his money and confiscated a small video camera with which he had filmed scenes of protestors being attacked by security forces, he said.
Then, after 10 hours, he and his fellow detainees were dumped on the side of a road dozens of kilometres away from the capital.
Ghaffarian said he is enjoying the freedom of life in Paris.
"I am going to give my first free performance on December 13," he said with a smile, adding that it will take place in the suburb of Boulogne-Billancourt. But he hasn't forgotten his friends and fellow protestors back home. Nor the other members of his dance company, who all went home after the German trip.
He keeps in touch with his Iranian friends via the social networking site Facebook and insists that the opposition movement is far from beaten.
"The green movement is still going on," he said.
The 23-year-old was arrested in Tehran after taking part in nationwideprotests triggered by the June re-election of President Mahmoud Ahmadinejad, which critics say was due to a rigged vote.
But to his amazement he and his modern dance company were allowed to travel to a theatre festival in mid-October in the German town of Muelheim afterpaying a security bond of around 10,000 euros (15,000 dollars).
Until the moment he got to the airport, Ghaffarian feared he would be stopped. But he and the rest of the company -- two actors, a musician and alighting technician -- were allowed fly out of Iran.
Iranian authorities, however, sent two official minders along with them to make sure they stayed in line.
The company gave two performances at the festival. It was at the end of the second that the dark-haired dancer decided to make his move.
"Freedom for Iran! Solidarity with the Iranian people! Where is my vote?" he shouted on stage, making the V for victory sign with one hand and with the other covering his mouth to denounce the gagging of Iran's opposition.
On the hand he raised into the air, he wore a green ribbon, a sign of support for the defeated presidential candidate Mir Hossein Mousavi.
The declaration got an enthusiastic reception from the audience, whichincluded several local journalists, and in the ensuing confusion Ghaffarianmanaged to sneak away from his official escort.
About a week later he made his way to Paris with the help of a French friend of Iranian origin who works at the Comedie Francaise, France's national theatre, and who introduced him to the city's artistic community.
Ghaffarian said he has now has applied for political asylum in France and plans on continuing his career here.
"The 'Centre International de la Danse' is interested in him," said Xavier Samson, a public relations executive who has taken up Ghaffarian's cause,referring to a major state-funded dance institute.
Ghaffarian's current bright prospects are in stark contrast to the situation he faced just a few months ago in his native country.
He said he was arrested in Tehran when he, like tens of thousands of Iranians, took to the streets to protest against Ahmadinejad's victory. The protests led to a sometimes brutal crackdown. Ghaffarian said he wasdetained and beaten by the Basij volunteer Islamist militia. "They tied me up, they threw me in a vehicle, they blindfolded me," hesaid. "We were about 40 packed in this vehicle. It was so hot with the windows closed, we could hardly breathe."
"When they saw on my ID card that I was an actor in theatre, they laughed at me, they beat me more on my head, on my back," he said.
The Basiji stole his money and confiscated a small video camera with which he had filmed scenes of protestors being attacked by security forces, he said.
Then, after 10 hours, he and his fellow detainees were dumped on the side of a road dozens of kilometres away from the capital.
Ghaffarian said he is enjoying the freedom of life in Paris.
"I am going to give my first free performance on December 13," he said with a smile, adding that it will take place in the suburb of Boulogne-Billancourt. But he hasn't forgotten his friends and fellow protestors back home. Nor the other members of his dance company, who all went home after the German trip.
He keeps in touch with his Iranian friends via the social networking site Facebook and insists that the opposition movement is far from beaten.
"The green movement is still going on," he said.
Paris (AFP) / © 2009 AFP
Siendo un artista fuera de Irán le traerá un mundo de oportunidades, seguro, pero también cambiará la perspectiva desde la que nosotros lo veremos, a él y a su trabajo. Estaremos atentos para ver qué pasa con él y qué tanto puede hacer en libertad y fuera de su propia cultura, estudiando y trabajando en Francia, desarrollando otras técnicas y formando parte de otras escuelas; no habrá más sorpresas ni contradicciones que nos llamen la atención cuando él sea uno más en la experimental París, y sin duda se enfrentará a una competencia férrea sea cual sea el campo que ahora escoja...
Una nueva vida para un joven actor y bailarín iraní, de eso no hay ninguna duda.
Una nueva vida para un joven actor y bailarín iraní, de eso no hay ninguna duda.
martes, 1 de diciembre de 2009
Wayang Kulit Teatro de Sombras Balinés (2): "El Sacrificio de Bima" (La representación)
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| Wayang Kulit (Gustavo Thomas © 2009. Todos los derechos reservados) |
Una vez que ya se ha explicado (junto con el maestro balinés, claro) los pormenores tanto del Wayang Kulit como de la representación que presencié en la Galería Oka Kartini el 19 de julio de 2009 (ver entrada del Blog: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2009/12/wayang-kulit-teatro-de-sombras-balines.html), podemos pasar al material que filmé de la función (aproximadamente 20 minutos de video) y a mi experiencia en ella.
Evidentemente el balinés antiguo y el sanscrito me fueron incomprensibles, no así el sonido del canto (o recitado) y la música, ni el aspecto visual estético y de acciones que se disfrutan muchísimo; al lado de mi experiencia personal hay algunos comentarios que quisiera compartir con ustedes:
Kayonan
Además de los personajes que fueron presentados en el video de la anterior entrada, notarán la presencia de una especie de hoja o mariposa (cuando está en movimiento), es un árbol "el árbol de la vida" o Kayonan, es una de las marionetas más importantes y aparece tanto al incio como al final de cada representación: representa el centro, la fuerza de la vida, el equilibrio, por ello los personajes negativos se ubican a un lado y los positivos al otro mientras el Kayonan va al centro.
La duración y el público
La representación duró un poco más de una hora y pude notar algo que Covarrubias comenta en su libro sobre la actitud del público extranjero (1): ante la incomprensión del texto y la falta de un oído educado a los sonidos del idioma y la música, simplemente comenzó a aburrirse, no así los balineses y algunos otros que le encontrábamos otro interés y luchábamos por no caer, pero el público extranjero común sí. Algunos niños se salieron a jugar pero otros se quedaron, al final familias enteras dejaron el lugar antes de terminar la pieza.
Covarrubias lo aclara (2), no es un teatro para niños, es un teatro religioso que cuenta épicas mitológicas de entre 6 y 8 horas de duración, lleno de belleza y códigos que disfrutan hasta los intelectuales balineses más estrictos (3); se da el caso de que las sombras, el fuego, el canto, las marionetas llaman la atención a los niños balineses pero eso es un plus. De ahí su dificultad, de ahí su aparente falta de interés más allá de unos cuantos minutos en una función, ¡de casi la quinta parte de su duración normal!
A diferencia de algunas compañías chinas de teatro de sombras, los balineses no han transformado sus temas y montajes para el público infantil, ni presentan extractos tan pequeños donde sólo las escenas de peleas o los juegos acrobáticos son mostradas (4). Además, las marionetas chinas poseen un movimiento inigualable mientras que en las balinesas sólo algunas mueven los brazos (5)
El Dalang y la improvisación
La técnica del Dalang (el maestro manipulador) sin ninguna duda es la misma tanto para esta función como para aquella dentro de un templo y el único dejo, si lo puedo llamar así, son algunos comentarios en inglés (-Hello, How are you? Do you speak English?, etc.) que sin embargo pertenecen a momentos improvisados de comicidad que existen también en las funciones largas ante sólo balineses; esa comicidad es contemporánea (chistes actuales), como mencioné improvisada y forma parte de la tradición en la forma de representar el Wayang Kulit.
El Dalang y las batallas
Como es de esperarse las escenas de batalla poseen el mayor movimiento y fuerza dramática de la representación, y en algunos momento perdemos la conciencia de que todo ese movimiento lo realiza una sola persona detrás de la pantalla, el Dalang.
Las marionetas y su material ante la pantalla
Cuando uno ve las marionetas de este teatro de sombras balinés en los aparadores de la tiendas o incluso en el montón que llevan los ayudantes de la compañía, no se puede percibir la belleza que logran al estar convertidos en sombras con aquella lámpara de aceite encendida dándoles literalmente la energía que después activa el Dalang para lograr el movimiento de la vida. Yo había tenido la experiencia en Camboya, en Siem Reap (6), con este mismo tipo de muñecos, sin embargo aquella función era con niños que no tenían desarrollada su técnica y de alguna manera no nos hacían percibir de la mejor manera sus marionetas, pero aquí con un Dalang (un experto) las imágenes quedaron en mi memoria y recuerdo en especial la luz que pasaba sobre los orificios tallados del muñeco que eran en momentos verdaderamente espectaculares.
En lo personal disfruté la continua imagen del árbol más aún cuando "vuela" como una mariposa y se aleja y acerca con la flama de la lámpara en el centro; de la misma manera, el sonido de la pequeña orquesta Gamelan (siendo la primera vez que la escuchaba más alá de música de fondo en restaurantes o tiendas) me hizo gozar bastante la función.
Kayonan
Además de los personajes que fueron presentados en el video de la anterior entrada, notarán la presencia de una especie de hoja o mariposa (cuando está en movimiento), es un árbol "el árbol de la vida" o Kayonan, es una de las marionetas más importantes y aparece tanto al incio como al final de cada representación: representa el centro, la fuerza de la vida, el equilibrio, por ello los personajes negativos se ubican a un lado y los positivos al otro mientras el Kayonan va al centro.
La duración y el público
La representación duró un poco más de una hora y pude notar algo que Covarrubias comenta en su libro sobre la actitud del público extranjero (1): ante la incomprensión del texto y la falta de un oído educado a los sonidos del idioma y la música, simplemente comenzó a aburrirse, no así los balineses y algunos otros que le encontrábamos otro interés y luchábamos por no caer, pero el público extranjero común sí. Algunos niños se salieron a jugar pero otros se quedaron, al final familias enteras dejaron el lugar antes de terminar la pieza.
Covarrubias lo aclara (2), no es un teatro para niños, es un teatro religioso que cuenta épicas mitológicas de entre 6 y 8 horas de duración, lleno de belleza y códigos que disfrutan hasta los intelectuales balineses más estrictos (3); se da el caso de que las sombras, el fuego, el canto, las marionetas llaman la atención a los niños balineses pero eso es un plus. De ahí su dificultad, de ahí su aparente falta de interés más allá de unos cuantos minutos en una función, ¡de casi la quinta parte de su duración normal!
A diferencia de algunas compañías chinas de teatro de sombras, los balineses no han transformado sus temas y montajes para el público infantil, ni presentan extractos tan pequeños donde sólo las escenas de peleas o los juegos acrobáticos son mostradas (4). Además, las marionetas chinas poseen un movimiento inigualable mientras que en las balinesas sólo algunas mueven los brazos (5)
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| Wayang Kulit (Gustavo Thomas © 2009. Todos los derechos reservados) |
El Dalang y la improvisación
La técnica del Dalang (el maestro manipulador) sin ninguna duda es la misma tanto para esta función como para aquella dentro de un templo y el único dejo, si lo puedo llamar así, son algunos comentarios en inglés (-Hello, How are you? Do you speak English?, etc.) que sin embargo pertenecen a momentos improvisados de comicidad que existen también en las funciones largas ante sólo balineses; esa comicidad es contemporánea (chistes actuales), como mencioné improvisada y forma parte de la tradición en la forma de representar el Wayang Kulit.
El Dalang y las batallas
Como es de esperarse las escenas de batalla poseen el mayor movimiento y fuerza dramática de la representación, y en algunos momento perdemos la conciencia de que todo ese movimiento lo realiza una sola persona detrás de la pantalla, el Dalang.
Las marionetas y su material ante la pantalla
Cuando uno ve las marionetas de este teatro de sombras balinés en los aparadores de la tiendas o incluso en el montón que llevan los ayudantes de la compañía, no se puede percibir la belleza que logran al estar convertidos en sombras con aquella lámpara de aceite encendida dándoles literalmente la energía que después activa el Dalang para lograr el movimiento de la vida. Yo había tenido la experiencia en Camboya, en Siem Reap (6), con este mismo tipo de muñecos, sin embargo aquella función era con niños que no tenían desarrollada su técnica y de alguna manera no nos hacían percibir de la mejor manera sus marionetas, pero aquí con un Dalang (un experto) las imágenes quedaron en mi memoria y recuerdo en especial la luz que pasaba sobre los orificios tallados del muñeco que eran en momentos verdaderamente espectaculares.
En lo personal disfruté la continua imagen del árbol más aún cuando "vuela" como una mariposa y se aleja y acerca con la flama de la lámpara en el centro; de la misma manera, el sonido de la pequeña orquesta Gamelan (siendo la primera vez que la escuchaba más alá de música de fondo en restaurantes o tiendas) me hizo gozar bastante la función.
Sobre los videos
La representación fue de aproximadamente hora y media de duración sin interrupciones; la numeración de los videos se debe a que en Youtube no hay manera de publicar más de 10 minutos de material, así que dividí la función en tres partes (5 si cuento los dos videos extras, el de la introducción y el de las tomas en la parte de atrás de la pantalla).
Video: Wayang Kulit "El Sacrificio de Bima" (Parte 1 de la función)
Video: Wayang Kulit "El Sacrificio de Bima" (Parte 2 de la función)
Video: Wayang Kulit "El Sacrificio de Bima" (Parte 3 de la función)
(1) Covarrubias "Island of Bali" página 237.
(2) Covarrubias "Island of Bali" página 234-237
(3) Algunos tipos de historias sólo se representan para la divinidad, como se da el caso de teatro y danza de la India.
(4) Mi entrada sobre una función de teatro de sombras en Wuzhen, China, es un ejemplo perfecto de ese tipo de funciones sólo para niños: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2007/05/wuzhen-ii-una-experiencia-con-el-teatro.html(5) Algunas marionetas del teatro de sombras de Java pueden mover las mandíbulas.
(6) Ver mi entrada sobre tres funciones de teatro de sombras en Siem Reap, Camboya:
http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2007/06/tres-pequeas-representaciones-de-teatro.html
Video: Wayang Kulit "El Sacrificio de Bima" (Parte 2 de la función)
Video: Wayang Kulit "El Sacrificio de Bima" (Parte 3 de la función)
(1) Covarrubias "Island of Bali" página 237.
(2) Covarrubias "Island of Bali" página 234-237
(3) Algunos tipos de historias sólo se representan para la divinidad, como se da el caso de teatro y danza de la India.
(4) Mi entrada sobre una función de teatro de sombras en Wuzhen, China, es un ejemplo perfecto de ese tipo de funciones sólo para niños: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2007/05/wuzhen-ii-una-experiencia-con-el-teatro.html(5) Algunas marionetas del teatro de sombras de Java pueden mover las mandíbulas.
(6) Ver mi entrada sobre tres funciones de teatro de sombras en Siem Reap, Camboya:
http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2007/06/tres-pequeas-representaciones-de-teatro.html
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lunes, 23 de noviembre de 2009
Wayang Kulit Teatro de Sombras Balinés (1): "El Sacrificio de Bima" (preliminares)
El Teatro de Sombras Balinés ó Wayang Kulit es uno de los más fascinantes espectáculos de la cultura balinesa. Como sucede con el teatro chino (Opera china) que proviene del teatro de marionetas de la antiguedad, Wayang Kulit es posiblemente el origen de varias espectaculares danzas balinesas como el Legong. (1)
Wayang significa sombras y Kulit significa piel (2). Este teatro de sombras realizado con marionetas hechas de piel de animal (regularmente de buey) es una tradición religioso-artística, como casi todo en Bali. Basado en las épicas hindúes del Ramayana y el Mahabarata durante siglos ha sido una manera de contar al pueblo el origen del universo y una entretenida manera de escuchar poesía.
Manejado por un solo maestro manipulador, Dalang (en otros tiempos considerado más que un maestro, un sacerdote), que además hace las voces de todos los personajes, recita la poesía y en momento improvisa con humor, Wayang Kulit es una verdadera línea directa que nos lleva hacia los ancestrales "cuenta cuentos", uno de los tres orígenes del teatro según Jerzy Grotowski. (3) El Dalang es acompañado por un pequeño grupo de músicos Gamelan (orquesta típica balinesa), todos obviamente detrás de la pantalla tradicional que, aún en la actualidad, es iluminada con una lámpara de aceite. (4)
Como en todo espectáculo religioso cada elemento del escenario tiene un simbolismo: la pantalla, Kelir, simboliza las propiedades de la vida en la tierra, al estar estirada entre dos troncos de bambú simboliza a su vez el universo; el tronco de árbol del plátano, donde se detienen las marionetas es Pertiwi o la madre Tierra; la lámpara misma, Damar, es el sol, con tres madejas que representan los dioses hindúes Brahma, Visnu y Shiva (5). Posiciones, entradas, posturas del mismo Dalang al manipular los muñecos, todo posee un simbolismo y todo debe ser realizado con un estricto control de movimientos.
Disposición de la pantalla y de los instrumentos musicales
Disposición del Dalang, los músicos y las marionetas atrás de la pantalla.
La vida artística de Bali ha evolucionado y cambiado dramáticamente con la civilización occidental, pero a su vez se ha preservado gracias al turismo que ha hecho de su existencia un motivo de interés de la isla. Wayang Kulit ha cambiado la razón de su presentación a un público: se pueden dar funciones religiosas y funciones comerciales; los maestros son los mismos, las técnicas son las mismas, lo que cambia dependiendo del tipo de función es la duración de la representación y el público; puede darse una función durante una noche completa, dentro de un templo y durante un festival, ante balineses y turistas, o puede darse una función por hora y media en un templo o galería (como en este caso), ante sólo turistas y un pequeño grupo de siempre presentes curiosos niños balineses.
Manejado por un solo maestro manipulador, Dalang (en otros tiempos considerado más que un maestro, un sacerdote), que además hace las voces de todos los personajes, recita la poesía y en momento improvisa con humor, Wayang Kulit es una verdadera línea directa que nos lleva hacia los ancestrales "cuenta cuentos", uno de los tres orígenes del teatro según Jerzy Grotowski. (3) El Dalang es acompañado por un pequeño grupo de músicos Gamelan (orquesta típica balinesa), todos obviamente detrás de la pantalla tradicional que, aún en la actualidad, es iluminada con una lámpara de aceite. (4)
Como en todo espectáculo religioso cada elemento del escenario tiene un simbolismo: la pantalla, Kelir, simboliza las propiedades de la vida en la tierra, al estar estirada entre dos troncos de bambú simboliza a su vez el universo; el tronco de árbol del plátano, donde se detienen las marionetas es Pertiwi o la madre Tierra; la lámpara misma, Damar, es el sol, con tres madejas que representan los dioses hindúes Brahma, Visnu y Shiva (5). Posiciones, entradas, posturas del mismo Dalang al manipular los muñecos, todo posee un simbolismo y todo debe ser realizado con un estricto control de movimientos.
Disposición de la pantalla y de los instrumentos musicales
Disposición del Dalang, los músicos y las marionetas atrás de la pantalla.
La vida artística de Bali ha evolucionado y cambiado dramáticamente con la civilización occidental, pero a su vez se ha preservado gracias al turismo que ha hecho de su existencia un motivo de interés de la isla. Wayang Kulit ha cambiado la razón de su presentación a un público: se pueden dar funciones religiosas y funciones comerciales; los maestros son los mismos, las técnicas son las mismas, lo que cambia dependiendo del tipo de función es la duración de la representación y el público; puede darse una función durante una noche completa, dentro de un templo y durante un festival, ante balineses y turistas, o puede darse una función por hora y media en un templo o galería (como en este caso), ante sólo turistas y un pequeño grupo de siempre presentes curiosos niños balineses.
La función que presencié se dió en una galería hostal, Okra Kartini, en un escenario donde regularmente se dan representaciones de Wayang Kulit, ante unas 50 o 60 personas. El video siguiente muestra los preliminares de aquella función. En él se ve cómo se instala la pantalla e inicia la música, además de una explicación (en inglés) que da el director de la compañía (en este caso no el Dalang que ya está detrás de la pantalla) sobre los personajes y la historia a observar.
Hay un video extra, muy corto que tomé al final de la función, que ilustra cómo estaban dispuestos físicamente los músicos y el Dalang atrás de la pantalla.
En la siguiente entrada mostraré los videos de la función completa.
Hay un video extra, muy corto que tomé al final de la función, que ilustra cómo estaban dispuestos físicamente los músicos y el Dalang atrás de la pantalla.
En la siguiente entrada mostraré los videos de la función completa.
(1) Island of Bali. Autor: Miguel Covarrubias.
(2) Balinese Dance, Drama and Music. Autores: I Wayan Dibia, Rucina Ballinger.
(3) Los otros dos son el juego y el chamán o curandero.
(4) Los chinos por ejemplo han perdido esa tradición; yo en cuatro años viviendo en China no ví un solo espectáculo de sombras que no estuviera iluminado con lámparas eléctricas.
(5) Balinese Dance and Drama...
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lunes, 16 de noviembre de 2009
Miguel Covarrubias, Bali y la introducción a una fantástica serie de entradas a venir.
Retomo al maestro mexicano Miguel Covarrubias, a quien redescubrí en 2007 cuando viajando por Singapúr encontré un libro sobre su estadía y obra realizada en Bali, Indonesia, libro que me abrió las puertas a su interés por las artes escénicas balinesas y me hizo reavivar mi deseo por conocerlas en vivo.
Después de aquél libro y la entrada que publiqué en el Blog sobre él, he tenido nuevos encuentros con su trabajo que, por suerte, fueron en Bali misma. Mi objetivo no era seguir sus pasos pero lo hice casi sin notarlo y entré con él en un verdadero sueño cultural y escénico, un viaje inolvidable.
Al llegar a Bali en el verano de 2009 tenía la idea de que iba a encontrarme con un mundo desfigurado por la civilización del turismo que entre el concreto, la contaminación y la tecnología, borran todo vestigio de belleza y fuerza cultural viva de los pueblos, pero no fue así. Sabiendo develar las cortinas que ocultan esa vida cultural inmensa, uno es capaz de vivir aquello que Covarrubias nos narró en palabras e imágenes. Así que éste mi propio sueño lo viví con la pasión de la aventura de un primer turista por estas tierras, de un primer estudioso y de un niño que goza del teatro de diferentes pueblos como si fuera un juguete nuevo.
No iba, como ya lo he dicho, expresamente al encuentro del maestro mexicano, pero era inevitable que aún con toda esa carga de ruido alrededor que da el apabullante turismo de la isla se me abrieran claros mostrando la gran vida de la que siguen gozando Bali, los balineses y su fantástico teatro. Exploré algunos de los pasos que aquél aventurero mexicano, trabajando para la frívola élite neoyorkina de los años 30 del siglo XX, expresó en dibujos e imágenes filmadas, grabando en la memoria de occidente todo aquello que se movía y era bello a sus ojos, archivos que han quedado como uno de los más interesantes documentos del encuentro de diferentes culturas en la historia de la humanidad.
Encontré su libro sobre Bali, Island of Bali, en una librería común, esperando turistas, ví proyectadas en un café teatro sus escenas documentales sobre la vida y el arte balinés que filmó con la más alta tecnología de aquél tiempo, una cámara portátil de 8 milímetros; en una visita de museo encontré lo que al parecer es la única pintura de él en la isla; y sobre todo fuí espectador y observador del teatro, del arte y de la religión balinesa. Soñé su sueño, y también lo viví, por eso estoy escribiendo ahora para ustedes.
Inicio así una larga e intensa serie de entradas sobre esta visita a Bali. En ellas mostraré (en video y fotos) un amplio grupo de representaciones y ceremonias de las que fui espectador y trataré de compararlas mostrando aquellas que vió Covarrubias y que él documentó (material del que he podido conseguir copias), y trataré también de exponer mi punto de vista como creador e investigador así como mi gusto por aquello que presencié.
Al llegar a Bali en el verano de 2009 tenía la idea de que iba a encontrarme con un mundo desfigurado por la civilización del turismo que entre el concreto, la contaminación y la tecnología, borran todo vestigio de belleza y fuerza cultural viva de los pueblos, pero no fue así. Sabiendo develar las cortinas que ocultan esa vida cultural inmensa, uno es capaz de vivir aquello que Covarrubias nos narró en palabras e imágenes. Así que éste mi propio sueño lo viví con la pasión de la aventura de un primer turista por estas tierras, de un primer estudioso y de un niño que goza del teatro de diferentes pueblos como si fuera un juguete nuevo.
No iba, como ya lo he dicho, expresamente al encuentro del maestro mexicano, pero era inevitable que aún con toda esa carga de ruido alrededor que da el apabullante turismo de la isla se me abrieran claros mostrando la gran vida de la que siguen gozando Bali, los balineses y su fantástico teatro. Exploré algunos de los pasos que aquél aventurero mexicano, trabajando para la frívola élite neoyorkina de los años 30 del siglo XX, expresó en dibujos e imágenes filmadas, grabando en la memoria de occidente todo aquello que se movía y era bello a sus ojos, archivos que han quedado como uno de los más interesantes documentos del encuentro de diferentes culturas en la historia de la humanidad.
Encontré su libro sobre Bali, Island of Bali, en una librería común, esperando turistas, ví proyectadas en un café teatro sus escenas documentales sobre la vida y el arte balinés que filmó con la más alta tecnología de aquél tiempo, una cámara portátil de 8 milímetros; en una visita de museo encontré lo que al parecer es la única pintura de él en la isla; y sobre todo fuí espectador y observador del teatro, del arte y de la religión balinesa. Soñé su sueño, y también lo viví, por eso estoy escribiendo ahora para ustedes.
Inicio así una larga e intensa serie de entradas sobre esta visita a Bali. En ellas mostraré (en video y fotos) un amplio grupo de representaciones y ceremonias de las que fui espectador y trataré de compararlas mostrando aquellas que vió Covarrubias y que él documentó (material del que he podido conseguir copias), y trataré también de exponer mi punto de vista como creador e investigador así como mi gusto por aquello que presencié.
Es un plan que a mí me emociona mucho y espero despierte interés en los ciberlectores, especialmente en México y los países de habla española donde hay tan poca información y recuento de experiencias sobre este tipo de artes representacionales.
lunes, 9 de noviembre de 2009
La Fiesta de Halloween en norteamérica puede ser un verdadero carnaval...
Una rápida entrada sobre la fiesta de Halloween en Church Street (calle de la iglesia) en Toronto, Canada. Miles de personas se dieron cita para festejar su tradicional "fiesta de muertos", que más que evento mortuorio es una fiesta donde la gente se disfraza fantásticamente y disfruta de una noche con ciertos cambios de personalidad y libertad. Este evento es prácticamente un carnaval en una noche de otoño a 4 grados centígrados de temperatura.
Por primera vez puedo hacer la comparación con la noche de muertos en mi país, México, que a mi parecer siempre ha sido erróneamente vista como una fiesta alegre. En mi experiencia he visto el juego en ella y los dulces, pero siempre ha estado presente la idea de la muerte, el dolor de la pérdida, el alcohól, la noche, y la religiosidad. No hay espantos, hay contacto con nuestros propios muertos. Nunca ví en un primero o dos de noviembre a grupos de gente gritando feliz o realizando fiestas locas alrededor de sus muertos (como varias películas extranjeras ilustran esa festividad); nuestra fiesta es colorida y con cierto sentido del humor, hay comida especial y cierta solidaridad, pero es dolorosa con una gran historia (con su origen prehispánico) y una gran profundidad; es la inflluencia del Halloween norteamericano el que le ha dado en la actualidad una ligereza y un toque sonriente a nuestra particular celebración, creo yo.
El evento de anoche fue un evento parateatral, donde la gente común adopta posturas teatrales, crea personajes con un mundo festivo y fantástico a su alrededor, y los disfruta mucho, como yo lo hice al ser un espectador en él.
sábado, 31 de octubre de 2009
Opera de Pekín: 红灯记 "La leyenda de la linterna roja". Una ejemplo de la transformación de la ópera tradicional a la ópera de la revolución cultural.
红灯记 "La leyenda de la linterna roja", es una de las 8 piezas modelo de la Revolución cultural china, y quizás una de las más famosas; sus canciones se siguen cantando en los hogares chinos y sus imágenes han cruzado el mundo y se mantienen como íconos de la misma revolución cultural maoísta. (1)
Como parte de los eventos que conmemoran en este 2009 los 60 años de la fundación de la República popular de China, se llevaron a escena decenas de óperas relacionadas con la historia de esta última etapa de gobierno en China, así que las óperas de la Revolución cultural no podían faltar. Para mí era una verdadera oportunidad para comparar la puesta con aquellas que había visto desde hace 4 años, las llamadas óperas tradicionales, además de sumar mi experiencia como espectador a varias películas y ballets que he podido ver en relación a los años 60 y 70 chinos.
Independientemente del tema, el surgimiento de un revolucionario comunista chino común como heredero de las luchas de los padres, la obra es un claro ejemplo de los avances o cambios que se dieron en la estructura de la férrea tradición de la ópera de Pekín hasta ese momento.
Para una introducción y panorama general sobre las obras de la revolución cultural remito al lector a mi entrada del 10 de febrero de 2009: La revolución cultural y el cambio en las artes escéncias chinas.
En esta entrada me gustaríaM sólo exponer brevemente aquellos cambios y elementos característicos que los chinos consideran esenciales en "La leyenda de la lámpara roja" y trataré de ejemplificarlos con algunas escenas que pude grabar de la función del 11 de julio en el teatro Chang'An:
- La absorción del realismo para la puesta en escena y la estructura escénica. Primeramente el uso de una historia contemporánea a la China de los años 60, refiriéndose al pasado (20 años atrás solamente), el momento de la invasión japonesa de los años 40, para explicar la existencia de un espíritu revolucionario y nacionalista de los hijos de la nueva república en la China de los años 60. Vestuario, maquillaje, escenografía, todo debía transformarse; un enorme cambio a los ojos de los chinos pues siempre se habían visto las óperas con toda una elaborada codificación tradicional tanto en vestuario como en maquillaje (2), mientras la escenografía era prácticamente inexistente. Un cambio que se había dado de alguna manera en el cine que al transportar las óperas a ese medio sufría una transformación "realista", pero no en el caso de la escena teatral.
En el siguiente video el personaje central Li Yuhue, entra a un restarante donde se preparan fideos; los comensales actúan de una manera parecida a la realidad, no hay formas de declamación entre ellos ni exageradas maneras de comunicarse; todos realizan sus acciones en un estilo realista, escuchando, comiendo, o sirviendo comida y atendiendo como en el caso de la mujer. Me recuerda escenas de puesta en escena del teatro realista ruso.
- Manteniendo el uso de la acrobacia como medio escénico para expresar una batalla, el uso de nuevas armas (rifles, pistolas, etc) y uniformes (no trajes amplios y pesados, ni zapatos altos) provocó también una transformación en las coreografías acrobáticas; algunas con mucha más acción y a mi parecer en el caso de esta obra con unas de las mejores que he visto montadas.
- El actor mantiene su coreografía de movimientos tradicional pero adaptada a la escena contemporánea. Un ejemplo maravilloso es la escena en la que el héroe Li Yuhue se enfrenta al villano japonés y en todo momento su furia y canto se nutren de la tradicional manera de trabajar en la ópera tradicional.
- Hay un cambio que es difícil de mostrar, el uso de la música contemporánea, utilizando ahora una gran orquesta (en esta función las piezas de gran orquesta estaban pregrabadas mientras se utilizó una pequeña, usando instrumentos tradicionales chinos y modernos). El video que publico muestra un pequeño momento de la orquesta que tocaba en esa función del Chang'An el 11 de julio, verán que no es la clásica tradicional de la ópera de Pekín, y por otro lado escucharan que hay una música instrumental que ellos no están tocando, pues las piezas de la gran orquesta fueron grabadas. Impensable en ninguna opera tradicional anterior.
- El uso de diferentes aditamentos dentro del vestuario que más que evolucionar se transformaron, por ejemplo en el caso de esta ópera, mientras en la ópera tradicional los héroes manejan "las mangas de agua" (extensiones de las mangas en su vestuario que les permite realizar figuras, movimientos y demás acciones con ellas) aquí el personaje principal, Li Yuhue, sin ese tipo de mangas debido a su vestuario realista, maneja las cadenas que lo atan en una muy interesante transpolación, creo yo. (3)
- La adición de música fuera del libreto musical; en éste y prácticamente en todos los casos de las piezas modelos de la Revolución cultural, es la inclusión de "L'Internationale", el himno comunista, en los momentos de mayor fuerza dramática, en este caso cuando los personajes deciden ir hacia su muerte estoicamente.
- El final con alguna danza como en muchas operas tradicionales se mantiene pero evidentemente toda la modernización de objetos y escenografía le da la posibilidad de un enorme golpe de proyección del nacionalismo chino y al final, mostrar la pieza como lo que era, un producto de propaganda del más alto nivel artístico. El público estaba en la apoteosis y lleno de fuerza y alegría, creía ver en sus caras el recuerdo de años de hambre, de soledad internacional, de temor político y del único sustento de vida y fuerza que les daba el teatro, el nacionalismo revolucionario comunista.
红灯记 "La leyenda de la linterna roja", puede en momentos parecer ingenua y de una calidad dudosa en su actuación, pero dentro del contexto de su creación y uso durante los años de la Revolución cultural china es una verdadera joya, y desde mi punto de vista uno de los más claros ejemplos de un intento exitoso de romper con una tradición que había vuelto una rareza antropológica a una expresión escénica.
(1) Una ópera china, a diferencia de la ópera occidental, nunca es vista solo por el canto o la música (la partitura) si no por el montaje que la conlleva. Las puestas en escena de una ópera de Pekín varían muy poco entre ellas, cuando se ve una hoy se está viendo prácticamente la misma producción que la estrenó. Por ello las imágenes icónicas de las óperas modelo de la Revolución cultural.
(2) Aún con cierto varios intentos de modernismo realista en los años 20 y 30 que habían sido vistos como excéntricos o snobs.
(3) Pueden ver un ejemplo de movimientos de mangas en un video de la más famosa opera Kunqu, Mudanting: http://www.youtube.com/watch?v=2bl6xjCXWsM
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