Gustavo Thomas Teatro

Ibsen, el anarquista, habla de la libertad

2012-01-08T19:29:00.000-05:00

Aquí les presento una corta cita de una carta de Ibsen dirigida a Georg Brandes en 1872, donde el poeta noruego reclama sobre las aflata de comprensión en la lectura de sus textos sobre su idea de libertad. El texto nos muestra un Ibsen mucho más cercano al anarquismo que a las ideas liberales de la época:

“Nunca habría de identificar Libertad con libertad política. Lo que tu llamas Libertad yo le llamo libertades, y lo que yo llamo la batalla por la Libertad no es más que la continua persecución de la idea de Libertad. Aquél que dice poseer Libertad como algo por lo que se ha luchado, lo que posee en realidad es algo muerto y sin sentido; por su propia definición la libertad se expande a perpetuidad a medida que se busca abrazarla, y si en su búsqueda, ese alguien se detiene y dice: “¡Ya la tengo!” lo único que muestra es que la ha ya perdido. (...) ¡El estado debe ser abolido! (...) Hay una revolución a la que con mucho gusto presto mi hombro: la abolición de la concepción del Estado, el establecimiento del principio de la libre voluntad y todo lo que es espiritualmente afín a ello como un prerequisito para una fraternidad universal. Ahí es donde está el inicio de una libertad que vale la pena.” (*)

Desde luego un texto que no ayudaba en nada a cambiar la idea general de que Ibsen era un ultra radical dentro del ambiente político de finales del siglo XIX europeo.

(*) En inglés en el original (traducción del autor del Blog). Ibsen Biography. By Michael Meyer. Page 338.
"I shall never agree to identify Freedom with political freedom. What you call Freedom I call freedoms, and what I call the battle for Freedom is nothing but the continuous pursuit of the idea of Freedom. He who possesses Freedom otherwise than as something to be striven for possesses something dead and meaningless, for by its very definition Freedom perpetually expands as one seeks to embrace it, that if, during the quest, anyone stops and says: "Now I have it!" he shows thereby that he has lost it." (...) "The state must be abolished!" (...) "There's a revolution to which I gladly lend my shoulder. Abolish the conception of the state, establish the principle of free will and all that is spiritually akin to it as the one prerequisite for a universal brotherhood-there is the beginning of a Freedom that is worth something!"

Texto, fotografías y vídeos en este Blog son propiedad del autor, excepto cuando se aclare otra autoría. Todos los derechos son reservados por el autor de este Blog.Si existe algún interés en usar textos, fotografías o vídeos propiedad del autor, sea uso comercial o no, es necesario hacer una petición por escrito y dirigirla por correo electrónico a Gustavo Thomas a gustavothomasteatro@gmail.com.

In Between, una función de Butoh y Danza por Yoshito Ohno y Lucie Grégoire en L'Agora de la Danse, Montreal (2011)

2012-01-03T11:40:00.000-05:00

In Between, by Yoshito Ohno and Lucie Grégoire (Montreal. 2011)

Danza de recuerdos y memoria
quien recuerda deviene recuerdo
Fuerza intangible
ligereza
intangibilidad
danza de dos culturas
danza de dos tradiciones
seres diferentes que se juntan
se encuentran en la esencia del tiempo
de los tiempos
y la memoria
su voz que no se oye es suave
y yo desde mi oído también aplaudo y bailo
movimiento de ensueño
transparente exposición de imágenes
¿puede hablarse de amor en movimiento?
veía sus ojos, en ellos profundidad del tiempo
sus manos son obsesivas,
tensas,
sus dedos juntos, están llenos
¡sus cuerpos son culturas!

El cuerpo como presencia en movimiento.
He visto que lo desconocido se vuelve normalidad.

Al final dos encantadores fantasmas
en un ritual de amor
se encuentran con nuestros propios ojos y nos dicen adiós.

Yo estaba profundamente emocionado por poder ver al fin al maestro Yoshito Ohno sobre la escena; las únicas experiencias las había tenido a través del video y en el estudio de su padre (Kazuo Ohno Dance Studio) en Yokohama, pero ahí estaba siendo un guía y sólo en muy pocos momentos se ponía a trabajar pequeñas series de movimientos. Así que viajar a Montreal (5 horas de tren desde Toronto) no era nada en comparación de la experiencia de ver por primera vez en vivo en escena a quien considero mi maestro de Butoh.

In Between es un proyecto, parte de una trilogía (la segunda parte), que Yoshito Ohno ha estado trabajando con Lucie Grégoire desde el año 2008. Lucie trabaja principalmente con técnicas de danza moderna pero ha estado en los últimos años muy cerca del Butoh y lo incluye también en su trabajo. Por supuesto Yoshito Ohno sigue las enseñanzas de su padre, Kazuo Ohno, así como su rica experiencia de trabajo con Hatsumi Hijikata (en diferentes lapsos de su vida profesional) desde los años 50 hasta los años 70, incluso una de las coreografías de In Between fue dirigida por Hijikata (y adaptada a este montaje). Yoshito es un verdadero heredero de los maestros creadores del Butoh.

Los dos, Lucie Grégoire y Yoshito Ohno, representaron In Between el miércoles 16 de noviembre de 2011 en L'Agora de la Danse en Montreal, Québec. El montaje nos mostró varios solos y duos, que poco a poco fueron mezclando personalidades y técnicas.

Mi principal interés era obviamente el observar el trabajo del maestro Yoshito, pero el trabajo de Lucie fue tan poderoso y la pieza entera de una gran unidad que me fue imposible no ver y disfrutar de los dos trabajos.

In Between es el encuentro de dos culturas del cuerpo en movimiento, Butoh y Danza moderna, pero también el encuentro de dos personalidades artísticas. Ninguno de ellos deja fuera su pasado técnico y cutural (Yoshito japonés y Lucie quebequense), ninguno de ellos deja su propio estilo de movimiento y cada uno nos expone, en movimiento, su visión de las artes escénicas; así presenciamos un encuentro exitoso, que alcanza una unión de muy alta calidad artística.

El estilo de trabajo de Yoshito Ohno es simple y claro; nosotros, espectadores, podemos diferenciar claramente cada acción de su representación; su movimiento es tan concreto que podemos prestar atención a sus ojos o sus piernas sin perdernos de otras partes de su movimiento; Yoshito sabe perfectamente cómo manejar la atención del espectador. Sus manos fueron especialmente extrañas y hermosas, casi sin movimiento en ellas pero siempre cargadas de energía. Lo sentíamos en su temblor energético y nunca podíamos dejar de mirarlo.

Habiendo dos estilos de musica, había dos épocas (de hecho había varias más), y las imágenes ligadas a ellas explotaban suavemente en frente de nosotros. Me es imposible olvidar los movimientos de la espalda y brazos de Lucie Grégoire, así como aquél niño disfrazado de conejo (o conejo en sí) que Yoshito Ohno nos ofreció en algún momento.

Uno a uno sus solos devinieron duos y su discurso físico nos resultó claro y simple; no importa el qué decían con exactitud, nosotros observábamos su música, su pasado, sus sueños, nosotros podíamos ver a sus familiares sobre la escena.

Yoshito Ohno y Lucie Grégoire. In Between. (Montreal. 2011)

Como en un ritual los dos buscaron por sus ancestros, por sus propios fantasmas. Y lo que vimos al final, dos encantadores fantasmas viniendo del pasado en un amorosa unión, es una de las imágenes más bellas y simples que se puedan ver sobre una escena.

Al final de In Between estábamos profundamente satisfechos y felices.

Slideshow of In Between at L'Agora de la Danse (Montreal. 2011)

El encuentro entre Henrik Ibsen y Hans Christian Andersen, una nota curiosa.

2011-12-23T11:44:00.000-05:00

Hans Christian Andersen

Henrik Ibsen

En la biografía de Ibsen escrita por Michael Meyer, Meyer reconstruye el curioso encuentro que tuvieron en Londres dos gigantes de la literatura, Henrik Ibsen y Hans Christian Andersen. El texto completo* es una curiosidad y describe a la perfección, en una situación real, estas dos personalidades extremas, un Andersen aniñado y frívolo y un Ibsen razonable y seguro de sí, pero además el texto plagado de pequeñas anécdotas de lo más simpáticas alrededor de aquél encuentro, se convierte en un ejemplo del sumo placer que puede uno tener al leer historia del teatro (y del arte en general):

"Hans Andersen estaba dispuesto a encontrarse con el nuevo dramaturgo, ya que al parecer había olvidado su breve encuentro en 1852. El 11 de agosto (1870) anotó en su diario: "Fru Melchor me dijo que el poeta Ibsen iría a cenar hoy con Carl Bloch, y expresé mi sorpresa por no haber sido invitado. Me puso de mal humor el pensar sobre la poca atención que B. me había prestado." "Yo no estuve allí ", escribió el día siguiente a Henriette Collin, "pero me hubiera gustado haber sido invitado, y ver por fin a este poeta noruego al que no le gusta lo noruego." Una semana más tarde vió cumplido su deseo cuando Moritz Melchior Gerson, un político en cuya casa del siglo XVIII con vistas al Sound, en donde, mediante un acuerdo generoso y en un conjunto permanente de tres o cuatro habitaciones, Andersen vivía, dio una fiesta para los dos escritores. Andersen trató de prepararse para el encuentro haciendo un poco de tarea, y el resultado lo deprimió. "Leí Peer Gynt", anotó en su diario del 18 de agosto, "que está escrito por un poeta loco. Uno se vuelve loco sólo leyendo este libro. La poesía tampoco es buena, hay algo enfermo y angustiado en todo esto. Lamento haberlo leído, Ibsen viene esta noche aquí por primera vez. Nunca lo he visto, dicen que es taciturno y sombrío", pero la ocasión pasa inesperadamente bien; el diario continúa: "Después de la cena llegó con Bloch, y me causó una buena impresión ... Habló bien y fue muy amable.. A todos nos gustó."

El diario de Andersen nos oculta cómo la noche estuvo a punto de ser un desastre. Según John Paulsen, quien obtuvo la historia de parte del mismo Ibsen:

"Muchos de los personajes más notables de la ciudad se encontraban entre los invitados Todo el mundo había llegado y estaba listo para sentarse, pero Andersen no bajaba de su habitación. Un cuarto de hora pasó, media hora; una inquietud nerviosa se apoderó de los anfitriones, y no parecían muy contentos. Mensaje tras mensaje fue enviado, pero no aparecía. La anfitriona tranquilamente subió, pero volvió con una expresión de más preocupación que antes de subir. Andersen no bajaría. Nadie decía nada a los invitados de honor, pero Ibsen presentía lo que estaba ocurriendo. A Andersen no le gustaba estar con gente de cuyas simpatía no estaba seguro; cuando la gente mencionaba autores extraños él ingenuamente preguntaba: "¿El me admira?" La situación se volvía cada vez más penosa. Eran ya 45 minutos pasada la hora señalada para la cena. Los anfitriones se encontraban totalmente perdidos sin saber qupé hacer. ¿ Se sentarían todos a cenar sin Andersen?
Entonces Ibsen salvó la situación. Tomó a su anfitrión y se lo llevó hacia un lado y pidió permiso para ir a la habitación de Andersen y hablar con él. El anfitrión asintió con la cabeza y le mostró el camino. Un minuto después, con la alegre sorpresa de estar en compañía, los dos grandes escritores entraron a la sala uno al brazo del otro; Andersen, evidentemente emocionado, sonriendo hasta las lágrimas. Era como un niño pequeño al que le habían dado por su lado.
"¿Pero qué pasó entre usted y Andersen en esa habitación?" Le pregunté a Ibsen. Ibsen sonrió ante el recuerdo: "Le abracé y le dije un cumplido. El se sintió conmovido, cuando me devolvió el abrazo me preguntó, "¿Entonces, realmente le gusto?" Ibsen añadió: "Fue una de las noches más agradables que he tenido. Andersen puede ser tan amable y entretenido como pocos otros hombres cuando él lo quiere ser."

Andersen se mostró encantado con su nuevo amigo. Más tarde le escribió a un amigo que había encontrado Ibsen "muy amable, modesto y agradable. Él me gusta mucho, pero su Peer Gynt nada de nada".

*En inglés en el original. Traducción del autor del Blog. Biografía de Henrik Ibsen. Michael Meyer. Página 323.

Explorando Zonas del Cuerpo. Video 3. Zona del cuello y séptima zona.

2011-12-20T19:16:00.000-05:00

Trabajando con zona del cuello y séptima zona (por Gustavo Thomas. 2011)

Esta es la cuarta de una serie de entradas donde expongo videos (grabados por mí mismo) que muestran la exploración de diferentes zonas del cuerpo y combinaciones de zonas del cuerpo.

Aquellos que ya conocen el método del actuación sabrán de qué estoy hablando, aquellos que no pueden ir primero a este link y bañarse un poco del tema: http://agcmetodo.blogspot.com/2007/04/el-apoyo-zonas-del-cuerpo-el-cuerpo.html.

Pueden encontrar en los siguientes links las otras dos anteriores entradas de esta serie:

- Zona Sexual y séptima: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2011/11/explorando-zonas-del-cuerpo-video-1.html

- Zona de Pecho y séptima: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2011/11/explorando-zonas-del-cuerpo-video-2.html

- Zona de la cabeza y séptima: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/2011/12/explorando-zonas-del-cuerpo-video-3.html

El proceso de esta exploración es muy simple: frente a la cámara, y sólo la cara, trabajo en la concentración en determinada zona del cuerpo, con diferentes niveles y posiciones dentro de la zona, posteriormente la combino con otra (en este caso he definido que sea sólo la séptima zona, la coronilla, aquella con la que todas las zonas se combinarán). Como lo único que se verá en pantalla será la cara, es ahí donde dejaré que el impulso de la zona se exprese, no en otra parte del cuerpo.

Estos videos forman también parte de mi vlog de Butoh (http://gustavothomasteatro.blogspot.com/p/vlog-de-butoh-de-gustavo-thomas.html), por ello creo importante aclarar que no escucho ninguna pieza de música durante las exploraciones, ni el movimiento dentro del espacio será el resultado final (como lo es en el Butoh). Aún cuando eso signifique para algunos que entonces ya no sería Butoh, lo sigo considerando como parte de mi entrenamiento de esta disciplina escénica porque trabajo con imágenes interiores e impulsos que terminan en movimiento musculares de alguna parte del cuerpo, y eso mantiene uno de sus principios.

Creo que los resultados (y el proceso mismo) de estas exploraciones serán muy concretos para quien quiera seguirlo, sea viéndolos, estudiándolos o llevándolos a cabo también A mí me están abriendo una puerta más dentro de mi propio trabajo actoral y creo pueden hacerlo en la de otros que quieran adentrarse en este método y en sus infinitas posibilidades de exploración.

Gustavo Thomas Butoh Vlog (Oct 26, 2011): Internal Body Zones Training Part 4. Neck and Seventh Zone. (NO SOUND) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Entrenamiento con zonas del cuerpo. Parte 4.

Trabajo con zonas del cuerpo, en esta ocasión con la zona del cuello y la zona séptima (coronilla). Cocentrando la atención en diferentes posiciones de la zona. Un proceso desde un bajo nivel de impulso hasta clímax y viceversa.

Este es parte de mi entrenamiento diario, no tengo ningún objetico estético en hacerlo (aún cuando el video tenga efectos o se haya escogido una parte en especial de ese entrenamiento). Mi interés es documental, documentar mi trabajo artístico y su proceso.

Taller de Butoh con Jocelyne Montpetit en Montreal, Québec.

2011-12-15T19:31:00.000-05:00

Gustavo Thomas y Jocelyne Montpetit. Montreal, Québec. 2011.

Mi viaje a Montreal estaba decidido: Yoshito Ohno daría funciones en Montreal; yo sabía que Jocelyne Montpetit, vivía allí y tenía la esperanza de que estuviera dando uno de sus talleres durante el periodo que el maestro Ohno daría sus funciones, y así fué; como parte de un taller de 4 fines de semana, pude tomar 4 muy productivas sesiones (dos fines de semana).

Tengo muy claro que si no se trabaja con un maestro (sea Yoshito Ohno o Jocelyne Montpetit) por más tiempo, en su estudio a diario digamos, se corre el peligro de que cada “corto” taller que se tome en una o en otra parte será el mismo que ya se ha tomado con anterioridad. No lo consideré tan problemático en mi caso. Aún estoy muy en las bases del trabajo pedagógico del Butoh y una renovación de aquello que ya había tomado con la Montpetit sería un reforzamiento, o en todo caso un buen repaso.

Haré una simple (pero no hueca) descripción de las 4 sesiones para poder incluírlas todas en esta entrada del Blog:

Las sesiones se realizaron en un imponente edificio, la antigua biblioteca de Montreal, hoy por hoy las oficinas del Consejo Nacional de las Artes, en uno de los varios estudios o salones de ensayos que se han muy bien adaptado.

Antigua Biblioteca de Montreal. 2011.

Jocelyne Montpetit regularmente estaba ahí, antes de la sesión, ensayando o trabajando con otras personas. Un poco antes de las 3 de la tarde salía a recibirnos. Cada sesión duraba 2 horas, siempre había música para trabajar, y regularmente Jocelyne daba una indicación con un muy pequeño marco teórico o anécdota de acuerdo al objetivo del ejercicio a venir. Sus comentarios posteriores a cada ejercicio fueron siempre generales (tal vez otra anécdota referente al objetivo del ejercicio), y solo en casos muy especiales fueron comentarios dirigidos a una persona en específico.

Sesión 1: Hilos de oro, golpes de viento y ojos en los antebrazos.

- Desplazamientos con la imagen de hilos de oro elevando el cuerpo y los brazos (dedos de las manos), y posteriormente llévandolos hacia la tierra.

- Desplazamientos mientras el viento golpea partes de nuestro cuerpo. Habríamos de abrir el cuerpo mismo ante el viento, como si hubiera un hoyo en nuestro torso por donde el viento pudiera pasar. Una idea propia de Kazuo Ohno: “abrir el cuerpo”.

- Desplazamiento como ciegos: nuestros ojos no miran, quienes tienen ojos son los antebrazos, ellos nos dirijen. Nos desplazamos a donde nuestros ojos de los antebrazos miran; nos piden ir al cielo y al suelo. Nuestro desplazamiento es lento, cuidadoso, suave. Por primera vez tengo una imagen mucho más sensible, concreta, de la obra de Maeterlinck “Les aveugles" (Los ciegos).

Los ejercicios son largos, hay mucho tiempo para cada uno de ellos. Jocelyne se acerca durante el ejercicio y a veces da indicaciones, otras veces toma partes de nuestro cuerpo y provoca un movimiento diferente, más encaminado a lo que ella considera es el objetivo del ejercicio. A veces, muy pocas, alguno del grupo le habla, opina o incluso reclama la indicación pero es algo extraordinario, en general todo el trabajo es silencioso.

La música es variada y singularmente bella, profunda, inspiradora: Arvo Pärt, Maria Callas, Jessye Norman, algunas piezas de Blues Latino, Fado, etc.

Jocelyne gusta del trabajo en grupos, el mismo ejercicio se repite en grupos pequeños, repartiendo el grupo entero en dos, o todos juntos con una indicación final de desplazamiento; como si se estuviera dando un montaje. Es algo recurrente en ella.

Taller de Butoh con Jocelyne Montpetit. Montreal. 2011.

Sesión 2: Una bola de seda en las manos, una pompa de jabón que no debe romperse, los ciegos y golpes de viento otra vez.

- Desplazamiento con una hija de seda, una especie de bola delgada de seda imaginaria. Los pies tan suaves en su desplazamiento como las manos que sienten la seda. Se habla del teatro Noh y nos cuenta del niño que debió aprender a caminar con suavidad durante años para hacer su debut, entrando y saliendo sin ser notado durante toda una función de 5 horas.

- Desplazamiento con una gran pompa de jabón en las manos; movimiento continuo con la pompa de jabón en diferentes niveles. Atención a las pompas de jabón de los compañeros; algunas están ya en el suelo y hay que evitar romperlas. Una atención exagerada a todo el espacio; el espacio mismo es la pompa de jabón, debemos evitar romper el espacio. Jocelyne recuerda cómo en Japón, al esperar una cita con un acupunturista ciego, en la sala de espera había un niño jugando en silencio, el acupunturista salió dirigiéndose al frente y se detuvo suavemente al “sentir” al niño, lo rodeó y continuó su camino; con esa atención habríamos de desplazarnos por el espacio.

- Desplazamiento como ciegos, ojos nuevamente en los antebrazos: solos, en pequeños grupos, el grupo entero partido en dos, encuentros entre los grupos que miran sólo a través de los antebrazos.

- Desplazamiento con golpes de viento; juegos de grupos; diferentes niveles de fuerza de golpes de viento, en momentos nos empuja una pequeña parte (el hombro, por ejemplo), en momento todo el torso, en momento nos tira al suelo; caminamos en contra del viento. Los grupos se encuentran con vientos encontrados a la vez; la coreografía improvisada por Jocelyne se vuelve un pequeño montaje.

Taller de Butoh con Jocelyne Montpetit. Montreal. 2011.

Sesión 3: Los que huesos se mueven, una carpa en el interior de mi cuerpo, un millón de flores en el suelo, y Ofelia, la de cabellos largos, movida por la corriente.

- Todo movimiento inicia en las articulaciones hasta comenzar a desplazarnos. Hijikata le llamaba “movimiento de los huesos”. Una manera de moverse también, una manera de estar completamente presente en el movimiento. La idea de la articulación no es una idea técnica, no es un muñeco que se mueve, habría que encontrar el alma del movimiento.

Kazuo repetía siempre la misma pregunta a sus alumnos durante las improvisaciones: -“¿dónde estás? ¿dónde estás?”-

- Moverse a partir del movimiento de una carpa dentro de nuestro cuerpo. Es la historia de Kazuo que contaba que cuando su madre estaba agonizando le decía que sentía que una carpa se movía dentro de su cerpo; ella sin proponéselo le enseñaba una nueva manera de moverse en el escenario. La carpa provoca nuestro movimiento.

- Al desplazarnos debíamos evitar aplastar un millón de diminutas flores que hay en el suelo, debíamos ser delicados y ligeros. Es una imagen de Hijikata para silenciar el desplazamiento del cuerpo sobre la escena.

- Desplazamiento combinado entre la carpa que nos mueve y el caminar sobre el millón de diminutas flores.

La música es profunda, sensible, encantadora. La energía se percibe en todos; mi caminar es muy delicado y sensible; las emociones corren.

La dificultad de trabajar con esas dos imágenes es parte del reto del trabajo del Butoh concebido por Hijikata: varias imágenes provocando diferentes movimientos al mismo tiempo. Jocelyne cuenta que una de las colaboradoras de Hijikata manejaba hasta 60 imágenes en una escena.

Jocelyne habla de imágenes también como “visiones”, mezcla las palabras continuamente.

- Somos Ofelia, la de Shakespeare, (aunque son inevitables las imágenes que llegan de los pintores que la han recreado también): está en el agua y sus enormes cabellos largos son movidos por la corriente. No se actúa pero se vive la imagen. La música de Arvo Pärt, bellísima, provoca mucho, se mezcla con la fuerza de la corriente que imaginamos.

Se hacen grupos, mujeres y hombres; se juega con la corriente, los cabellos y el movimiento que provocan.

Gustavo Thomas. Taller de Butoh con Jocelyne Montpetit. Montreal. 2011.

Sesión 4: Un “diente de león”, huesos que se mueven, la carpa, las flores, y Ofelia que muere otra vez.

- Habría que ser un diente de león y usar la onomatopeya “¡Puff!” como idea de expansión del cuerpo, exactamente como se expande el diente de león cuando se da el momento natural. Un largo ejercicio, con espacio para la sensación de ser la flor, con sus características, con esas vellosidades, dando tiempo de dilatación’, de ’expansión’ del “¡Puff!”.

- Desplazamiento de huesos, aligerando el cuerpo.

Hijikata decía que el butohka debería ser como un cadaver que danza, un cuerpo muerto que vive al moverse.

- Desplazamiento con la carpa en el interior que nos mueve, y aquellas diminutas flores que no queremos aplastar. Repetición del ejercicio sí, pero nunca repetición como tal; buscar la vida de la carpa, buscar el desplazamiento como una primera vez. Recordé aquellas carpas del pequeño estanque en un restaurante en Kyoto, recordé también aquella otra, en el estanque del jardín del palacio imperial en Tokio, que dejó el rastro de una línea de curvas en el agua antes de acercarse a mí y abrir su boca pidiendo comida.

Jocelyne cuenta que Hijikata escogía sus colaboradores a partir de su visión poética del mundo, les mostraba un tazón de sopa miso y preguntaba qué era lo que veían allí, dependiendo de la respuesta trabajaba con ellos: si veían un tazón con sopa, los rechazaba, si veían imágenes o símbolos, los aceptaba. Un mito, aclara Montpetit, pero un mito que ejemplifica la necesidad de una visión poética en el artista del Butoh.

- Repetición del ejercicio de Ofelia durante casi una hora completa. Sus cabellos largos son golpeados por la corriente y llevados lo más lejos posible. Un ejercicio sensible, largo, tal vez tedioso en momentos por el inacabable movimiento de la corriente. Tabula Rasa de Arvo Pärt le daba una sensación épica a nuestro movimiento, una dimensión realmente trágica.

Jocelyne insistió nuevamente en la partición del grupo entero en hombres y mujeres; después todos juntos pero en ciertas posiciones. ¿Era éste ya un montaje, un espectáculo para goce de la coreógrafa o un ejercicio del Butoh? No importa tanto, era el final de mi trabajo en este taller, y era un buen final.

Jocelyne Montpetit y Gustavo Thomas. Al final del Taller de Butoh. Montreal. 2011.

Yo volvería a Toronto a reiniciar mi entrenamiento con todo aquello asimilado en 10 días. No lo sabía pero este último ejercicio, el de Ofelia con su cabellos largos arrastrados por la corriente, me traería un problema en el cuello que duraría más un mes (y varias visitas al médico) en solucionarse. Gajes del oficio.

Ibsen en guerra: "Mi libro es poesía;.. Y si no es así, se convertirá en ello."

2011-12-10T11:55:00.000-05:00

Ibsen's original draft of Peer Gynt. Act V. (Photo from H. Ibsen Biography by Michael Meyer.)

Después de la publicación en su tierra natal de Peer Gynt, en 1867, Henrik Ibsen fue atacado como ningún otro autor en Noruega, atacado a causa de su poesía, sus temas y su extraña idea de lo teatral (aun cuando Peer Gynt no fue concebido para la escena). Pero ese ya no era el Ibsen de algunos años atrás, inmaduro y colérico, que no sabía cómo responder a cualquier ataque; Italia, el exilio y el éxito de su "Brand" le habían dado una seguridad que nadie en Noruega ni en Europa habría de poder romper en el futuro.

Después de la publicación de Peer Gynt y ante todas esas críticas a su persona y obra Henrik Ibsen se había convertido en un monstruo.

El siguiente es un extracto de una carta a Bjørnstjerne Bjørnson (9 de diciembre de 1867) como respuesta de todos sus críticos, incluyendo Bjørnson:

"Querido Bjørnson, (...) Mi libro es poesía;.. Y si no es así, se convertirá en ello. La concepción de la poesía en nuestro país, en Noruega, se formará de acuerdo con este libro (...) Sin embargo, me alegro que esta injusticia haya sido arrojada sobre mí, es signo de ayuda y dispensación divina. La ira aumenta mi fuerza. Si va a haber guerra, entonces que haya guerra. Si yo no soy un poeta, ¿qué tengo que perder? Mi escritura será como el trabajo de un fotógrafo, me ocuparé de mis contemporáneos allí en el norte, todos y cada uno de ellos, uno por uno, exactamente como me he ocupado de estos reformadores del idioma. No dejaré fuera de mi crítica ni al niño en el vientre de su madre, ni al pensamiento o cualquier sentimiento que pueda haber motivado la acción de cualquier hombre que merezca el honor de ser mi víctima. (...) ¿Sabes que toda mi vida he dado la espalda a mis padres, a toda mi familia, porque no podía soportar continuar una relación basada en una comprensión imperfecta?"

Ibsen es capaz de asegurar que su libro se convertiría en Noruega en el prototipo de la poesía misma (y no estaba tan errado) oponiéndose a aquello que sus críticos destacaban como errores de su trabajo. Sabía que iniciaba una guerra por su fama e individualidad como escritor y la asumía en toda su amplitud. Aquella famosa frase acerca de la fotografía que muchos la utilizan para identificar su inicio dentro del realismo se convirtió en su canto de batalla:

"Mi escritura será como el trabajo de un fotógrafo, me ocuparé de mis contemporáneos allí en el norte, todos y cada uno de ellos, uno por uno, exactamente como me he ocupado de estos reformadores del idioma. No dejaré fuera de mi crítica ni al niño en el vientre de su madre, ni al pensamiento o cualquier sentimiento que pueda haber motivado la acción de cualquier hombre que merezca el honor de ser mi víctima."

Sólo habrá que recordar la mayoría de sus obras importantes para ver que llevó sus amenazas hasta sus últimas consecuencias.

Ibsen hace también una confesión muy difícil: da la espalda a sus padres y familiares debido a lo que considera una "comprensión (o entendimiento) imperfecta". Cierto, su origen provinciano lo ligaba a un grupo de parientes sin ningun contacto con lo intelectual y artístico, un total estorbo para cumplir sus objetivos. Sólo un hombre con todas sus metas en mente, listo para pelear cualquier batalla para ser el número uno en su mundo podría escribir de esa manera. Ibsen desde su adolescencia no volvió a ver a sus padres, y sólo una vez tuvo contacto por carta con uno de sus hermanos.

Él entró en guerra, cumplió sus amenzas y consiguió lo que se impuso. Ibsen era ya un monstruo.

(1) Henrik Ibsen Biography. Michael Meyer. Double Day, 1967. Cita original en Inglés en la biografía de Michael Meyer:

"Dear Bjørnson, (…) My book is poetry; and if isn't, it will become such. The conception of poetry in our country, in Norway, shall shape itself according to this book. (…) However, I am glad that this injustice has been flung at me; it is sign of divine aid and dispensation; anger increases my strength. If there is to be war, then let there be war! If I am not a poet, what I have to lose? I shall try my hand as a photographer, I shall deal with my contemporaries up there, each and all of them, one by one, as I have dealt with these language reformers; I shall no spare the child in its mother's womb, nor any thought nor feeling that may have motivated the actions of any man who shall merit the honor go being my victim. (…) Do you know that all my life I have turned my back on my parents, on my whole family, because I could not bear to continue a relationship based on imperfect understanding?"

El Rito de la Primavera de Min Tanaka en L'Ópera Comique (1987)

2011-12-07T14:02:00.001-05:00

Min Tanaka

Algunos descubrimientos valen la pena compartirlos inmediatamente y eso es lo que hago ahora con esta grabación de la producción de "El rito de la primavera" dirigida por Min Tanaka en L'Ópera Comique en 1987.

Yo tenía algo de información sobre el trabajo de Tanaka gracias a Jocelyne Montpetit, la butoka montrealesa con la que he trabajado en el último año; ella conoció al maestro Tanaka durante los años 80 e incluso trabajó dentro de su companía durante algún tiempo. El pasado noviembre durante el taller que tomaba con ella en Montréal me comentó sobre alguien que había publicado un video de esa producción de El rito de la primavera en Youtube y que debería verlo si quería entender mejor las palabras que ella nos había transmitido sobre le tabajo de Tanaka.

Por razones que considero verdaderamente fortuitas olvidé el dato y no fue sino hasta hoy que caí accidentalmente con el link en Youtube y miré toda la pieza. Desde luego no estoy capacitado para hablar sobre el tabajo del maestro Tanaka, pero creo necesario mencionar que él fue considerado uno de los más importantes herderos del trabajo de Tatsumi Hijikata, el fundador del Butoh, y no solo eso, sino que es considerado un artista de suma importancia independientemente de su relación con el Butoh.

"El rito de la primavera" se puso en escena un año después de la muerte de Hijikata y fue considerado totalmente como un trabajo ejemplar de Butoh (al menos a los ojos de los occidentales), y como un ejemplo claro de aquella rama de Butoh llamada Ankoku Butoh o "Butoh de las tinieblas", creada por Hijikata mismo. Al mismo tiempo se desarrollaba la otra famosa rama del Butoh con Kazuo Ohno, aquella que muchos han denominado Butoh de luz.

Disfruten de esta grabación completa de la producción de "El rito de la primavera" dirigidia por Min Tanaka en L'Ópera Comique en 1987.

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 1/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 2/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 3/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 4/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 5/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 6/7

El rito de la primavera de Min Tanaka. Parte 7/7

Explorando Zonas del Cuerpo. Video 3. Zona de la cabeza y séptima zona.

2011-12-05T19:41:00.000-05:00

Trabajando con zona de la cabeza y séptima zona (por Gustavo Thomas. 2011)

Esta es la tercera de una serie de entradas donde expongo videos (grabados por mí mismo) que muestran la exploración de diferentes zonas del cuerpo y combinaciones de zonas del cuerpo.

Gustavo Thomas Butoh Vlog (Oct 25, 2011): Internal Body Zones Training Part 3. Head and Seventh Zone. (NO SOUND) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Entrenamiento con zonas del cuerpo. Parte 3.

Trabajo con zonas del cuerpo, en esta ocasión con la zona de la cabeza y la zona séptima (coronilla). Cocentrando la atención en diferentes posiciones de la zona. Un proceso desde un bajo nivel de impulso hasta clímax y viceversa.

Este es parte de mi entrenamiento diario, no tengo ningún objetico estético en hacerlo (aún cuando el video tenga efectos o se haya escogido una parte en especial de ese entrenamiento). Mi interés es documental, documentar mi trabajo artístico y su proceso.

Una clase abierta de Butoh con Yoshito Ohno en Montréal, Canadá.

2011-12-02T09:39:00.000-05:00

Yoshito Ohno y Lucie Grégoire en LADMMI, Montréal. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Si en abril pasado viajé hasta Yokohama con los temores de la exposición a la radiación nuclear de la planta de Fukushima, ¿por qué no habría de enfrentarme al frío otoñal de Montreal esta vez? Master Yoshito Ohno me había informado que vendría en noviembre a Canadá a dar una presentación con una bailarina canadiense, Lucie Grégoire, como parte de una trilogía que los dos preparan desde hace tres años; la experiencia en Yokohama había sido crucial en mi camino artístico, así que no dudé en ningún momento en ir a ver la función y si fuera posible tomar algunas sesiones más, y así fue.

Dos días antes de su presentación Yoshito Ohno daría una clase abierta de Butoh para los alumnos de LADMMI, L'école de danse contemporaine. Sería una clase para los estudiantes de la escuela pero algunos interesados de fuera podrían ser admitidos.

El edificio donde se encuentra la LADMMI es un complejo muy cercano a la Plaza de las artes de Montreal pero independiente a ella, en la importante calle comercial de Sainte Catherine. Es un edificio de los años cuarenta remodelado para albergar escuelas de arte, de danza y espacios de cualquier tipo trabajo corporal; la escuela está en el tercer piso y se puede observar algo de las clases desde la calle misma.

BELGO, Montréal (Por Gustavo Thomas. 2011)

LADMMI, Montréal (Por Gustavo Thomas. 2011)

La espera fue un tanto larga pues debía estar temprano para lograr que me incluyeran entre los venidos de fuera (que al final habremos sido unos tres, creo yo). Así que me dio tiempo de pasear por Sainte Catherine, observar las clases de la escuela y en algún momento descubrir la diferencia patente entre mi visión del Butoh y la de una escuela de danza contemporánea. Evidentemente para la escuela de danza el Butoh es un complemento para la formación de sus bailarines y posiblemente un camino a seguir a posteriori, como un estilo de trabajo. Para mí el Butoh es un arte escénico en sí mismo.

Salón de clases en LADMMI, Montréal. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Yoshito Ohno arribó con su esposa, un traductor, Lucie Grégoire y la directora de la escuela, y en el salón ya estábamos esperándolo junto a una enorme masa de estudiantes de diferentes grados de formación. Al parecer Lucie ya había transmitido cierto conocimiento de Butoh a algunos de sus grupos (Lucie Grégoire no es bailarina de Butoh, es bailarina de danza contemporánea que utiliza el Butoh como una herramienta en su trabajo).

El maestro Ohno, evidentemente, no recordaba bien quién era yo, hasta que le mencioné el mes de abril, que soy mexicano y que estuve en Yokohama descubrió quién era aquél que tenía enfrente. Curiosidades de ciertos reencuentros que disfruto mucho.

He dado una larga introducción precisamente para dar a entender el tipo de sesión que se dio ese medio día. Yo imaginaba que el maestro Ohno repetiría la mayoría de sus ejercicios: la flor, el rezo, la seda, etc., pero la presencia de los alumnos de danza me hacía esperar un trabajo de pedagogía del Butoh que yo no conocía de él, una clase introductoria al Butoh, y eso fue.

Un trabajo interesante como recuerdo de las bases de esta disciplina artística pero también un ejemplo de la enseñanza de esas bases a personas sin contacto con el Butoh.


Yoshito Ohno durante su clase abierta de Butoh en LADMMI, Montréal (Por Gustavo Thomas. 2011)

Postura

Lo primero que el maestro (con ayuda del traductor al francés) expresó fue su interés en que entendiéramos los caracteres japoneses de hombre, de cielo y de tierra, para identificar nuestro cuerpo como en medio de las dos fuerzas. Haciendo hincapié en una línea que pasa por el centro del cuerpo hasta la coronilla y nos jala, así como los pies que "tienes raíces" que jalan hacia la tierra. La barbilla caída y la mirada al frente fueron continuos requerimientos para varios de los que trabajábamos la postura. Entonces vino el desplazamiento manteniendo esa postura con la música de "Amazing Grace".

Hizo un apartado para las manos: habló de la fuerza de las manos y de mantener separados los dedos, con mínima separación. Entonces tomó la idea de cómo esas manos, esa postura, esa barbilla caída y esa línea entre el cielo y la tierra era razones de una presencia en el escenario de fuerzas encontradas.

Hicimos varios ejercicios físicos de jalar algo y sentir esa fuerza y entonces volver a la postura y percibir esa presencia nueva en nosotros. Un juego de tensiones inicialmente físico dejaba en nosotros calor, energía en movimiento dentro de nosotros, y estando de pie, sin hacer nada, nuestro cuerpo vivía la energía de estar en movimiento y en un juego de tensiones liberadas.

La flor

De una gran maleta que llevó al estudio sacó flores para todos, una gran cantidad de flores artificiales perfumadas. Entonces nos habló de la flor como el mejor ejemplo de lo que está entre el cielo y la tierra en completa unión. Y pidió nos desplazáramos a partir del desplazamiento de la flor. En algún momento habló de ser esa flor, pero no abundó en ello. Y con música nos desplazamos siguiendo a la flor.

Pidió que la flor nos llevara con el viento, y ante los sonidos de nuestros pasos, exigió no hacer ruidos al caminar rápidamente, dando el ejemplo del entrenamiento del No y de la necesidad de que no hay nada que disturbe la atención del espectador de nuestro objetivo, la flor llevada por el viento.

Nos contó cómo al principio de su carrera, pidiéndole a su padre, Kazuo Ohno, que le enseñara a bailar, éste le contestó dándole la flor y diciéndole, "no busques bailar, busca ser esta flor. Hazlo a diario, un día sentirás que lo eres y no necesitarás tener esta flor en la mano".

La seda

De la misma manera sacó de su maleta pequeñas hojas de seda y cada uno comenzó a trabajar con ellas con la idea de la fuerza y la suavidad de la seda, la fuerza y la suavidad de nuestro cuerpo. Pasando de un estado al otro dependiendo del estiramiento del pedazo de seda que teníamos en las manos. Ese era nuestro cuerpo y nuestro interior; cuando fuerte, antes de estirarse, era como un adulto tenso, mientras cuando se estiraba,y se volvía suave, como un niño pidiendo su madre.

Como en los desplazamientos notó que la mayoría realizaba técnicamente el trabajo tomó de su maleta la pintura de Hokusai "La ola". Y nos explicó la idea, que se emanaba de la pintura: el artista que tiene diferentes visiones de las cosas, puede ver de lejos y puede ver de cerca, como un insecto. Debíamos hacer presente eso al desplazarnos trabajando con la seda y sus cambios, encontrar las diferentes visiones del trabajo. Había una búsqueda técnica pero debíamos llenar aquello que trabajábamos técnicamente.

El pedazo de tela

Yoshito ofreciendo un pedazo de tela para trabajar con ella (Por Gustavo Thomas. 2011)

Nos dió a cada uno un pedacito de tela, y comenzó a exprimirla y a la par su cuerpo se torcía y su cara con él, hablando de las posibilidades de ese exprimir la tela. No era la tensión por la tensión, era la sensación de la textura de la tela yendo a la tensión y la espiral que debíamos hacer con ella para exprimirla, debíamos trabajar esos púntos como fuente de nuestro movimiento y de lo que surgiera de él.

Abordó con pocas frases su teoría del "forte pianísimo", donde lo más complicado en el butokah es no explotar sino mantener la fuerza de la posible explosión interior mientras hay suavidad o lentitud.

Exprimiendo esa tela debíamos abordar el ‘forte pianísimo” y desplazarnos.

El pañuelo de papel

La imagen de la escultura de madera de la Buda de Nara hizo su aparición. Nos mostró la misma que tiene en su estudio de Yokohama, como parte de un calendario, y nos hizo notar las manos de la escultura, manos que nunca están completamente pegadas pero que están juntas con la separación de una hoja de papel.

Nos ofreció entonces a cada uno una hoja de pañuelo de papel y siguió hablando del encuentro de esas manos y de los espacios del cuerpo, de lo femenino en las separaciones. Nos desplazamos un momento así, pero nos interrumpió: debíamos rezar en nuestro desplazamiento; así sin más, sólo explicó que no era un sentido religioso sino un rezo personal, interno.

La música se tocó para ese desplazamiento final fue el “Ave María” de Schubert que su padre siempre utilizó en sus entrenamientos y en una de sus más famosas piezas sobre la escena dedicadas a su madre.

Despedida

Para ese momento ya estábamos fuera del tiempo dado la clase y lo interrumpieron. Sin más Yoshito Ohno nos agradeció diciendo que todos los objetos con los que trabajamos ese día eran un obsequio y que debíamos utilizarlos a diario en nuestro entrenamiento, entonces se despidió, y un aplauso, muy al estilo de las sesiones de danza, se hizo escuchar en el salón.

Los 4 objetos de trabajo ofrecidos por Yoshito Ohno (Por Gustavo Thomas. 2011)

Yoshito Ohno despidiéndose de cada uno de los que asistieron a su clase abierta de Butoh (Por Gustavo Thomas. 2011)

Aunque de Yokohama quedé con una experiencia profunda y esclarecedora sobre el Butoh, sus orígenes y su técnica, con esta pequeña clase en Montréal, pude descubrir (o corroborar), desde mi punto de vista, las bases de la pedagogía del Butoh de Yoshito Ohno, pero también tuve algo verdaderamente tangible, apoyos físicos para mi entrenamiento diario, apoyos tan simples como una flor artificial, un pedazo de seda, una pequeña tela y un pañuelo de papel. Ellos me recuerdan físicamente y a diario las palabras de Yoshito, mis ejercicios anteriores, y mi propio desarrollo.

Yoshito Ohno y Gustavo Thomas. LADMMI, Montréal. (2011)

La función que el maestro fue a dar a Montreal junto con Lucie Grégoire, “In Between”, será parte de otra entrada del Blog.

Explorando Zonas del Cuerpo. Video 2. Zona del pecho y séptima zona.

2011-11-24T11:03:00.001-05:00

Trabajando con Zona del pecho y séptima zona. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Esta es la segunda de una serie de entradas donde expongo videos (grabados por mí mismo) que muestran la exploración de diferentes zonas del cuerpo y combinaciones de zonas del cuerpo.

Estos videos forman también parte de mi vlog de Butoh (http://gustavothomasteatro.blogspot.com/p/vlog-de-butoh-de-gustavo-thomas.html), por ello creo importante aclarar que no escucharé ninguna pieza de música durante las exploraciones, ni el movimiento dentro del espacio será el resultado final (como lo es en el Butoh). Aún cuando eso signifique para algunos que entonces ya no sería Butoh, lo sigo considerando como parte de mi entrenamiento de esta disciplina escénica porque trabajo con imágenes interiores e impulsos que terminan en movimiento musculares de alguna parte del cuerpo, y eso mantiene uno de sus principios.

Vlog de Butoh de Gustavo Thomas (Oct 22, 2011): Entrenamiento con Zonas del cuerpo. Parte 2. Pecho y Séptima. (SIN SONIDO)

from Gustavo Thomas on Vimeo.

Entrenamiento con zonas del cuerpo. Parte 2.

Trabajo con zonas del cuerpo, en esta ocasión con la zona del pecho y la zona séptima (coronilla). Cocentrando la atención en diferentes posiciones de la zona. Un proceso desde un bajo nivel de impulso hasta clímax y viceversa.

Este es parte de mi entrenamiento diario, no tengo ningún objetico estético en hacerlo (aún cuando el video tenga efectos o se haya escogido una parte en especial de ese entrenamiento). Mi interés es documental, documentar mi trabajo artístico y su proceso.

Explorando Zonas del Cuerpo. Video 1. Zona sexual y séptima zona.

2011-11-14T19:05:00.000-05:00

Inicio una serie de entradas donde expongo videos (grabados por mí mismo) que muestran la exploración de diferentes zonas del cuerpo y combinaciones de zonas del cuerpo.

Estos videos forman también parte de mi vlog de Butoh (http://gustavothomasteatro.blogspot.com/p/vlog-de-butoh-de-gustavo-thomas.html), por ello creo importante aclarar que no escucharé ninguna pieza de música durante las exploraciones, ni el movimiento dentro del espacio será el resultado final (como lo es en el Butoh). Aún cuando eso signifique para algunos que entonces ya no sería Butoh, lo sigo considerando como parte de mi entrenamiento de esta disciplina escénica porque trabajo con imágenes interiores e impulsos que terminan en movimiento musculares de alguna parte del cuerpo, y eso mantiene uno de sus principios.

Gustavo Thomas Butoh Vlog (Oct 20, 2011):

Entrenamiento con zonas del cuerpo. Parte 1.

Trabajo con zonas del cuerpo, en esta ocasión con la zona del sexo y la zona séptima (coronilla). Proceso desde un bajo nivel de impulso hasta clímax y viceversa.

Este es parte de mi entrenamiento diario, no tengo ningún objetico estético en hacerlo (aún cuando el video tenga efectos o se haya escogido una parte en especial de ese entrenamiento). Mi interés es documental, documentar mi trabajo artístico y su proceso.
*

Ibsen y la belleza de Roma. Entendiendo el arte y la tragedia griega.

2011-11-09T11:24:00.000-05:00

Detalle de la estatua de la musa de la tragedia (Museo Vaticano)

Ibsen como muchos otros artistas escandinavos y europeos del siglo XIX encontró en Roma la inspiración para su arte y su idea de la belleza y la profundidad en el arte. Leyendo la biografía de Henrik Ibsen escrita por Michael Meyer descubrí una carta dirigida a su amigo (y en ocasiones su enemigo) el escritor Bjørnstjerne Bjørnson, describiendo sus obras de arte favoritas en la ciudad eterna y su reacción después de observarlas.

Ibsen vivió en Roma cuando tenía alrededor de 30 años, en una especie de exilio autoimpuesto, y escribió varias de sus obras más famosas durante esos años viviendo en Italia. Es más que sabido que el escritor y poeta no acostumbraba leer libros (cualquier tipo de libros, sólo leía periódicos), así que esta estancia era para él algo más que una visión general del mundo del arte clásico, era su lectura “visual” de todos los clásicos de la literatura y el teatro a través de la escultura y la arquitectura. Sí, por extraño que parezca.

Ibsen envió esta carta a Bjørnson el 28 de enero de 1864, confirmando las predicciones de Bjørnson de que la estancia en Roma poco a poco le daría a Ibsen una sintonía con el arte clásico y su escultura.

Publico en el Blog el extracto completo de la carta que aparece en el libro de M. Meyer *, y también publico algunas fotografías (de diferentes fuentes en internet) que ayudarán a visualizar las obras de las que Ibsen está hablando.

"Su belleza (...) crece más y más en mí, como tú habías dicho que pasaría. Se presenta en destellos, pero uno solo de esos destellos lanza su luz sobre todas las vistas. ¿Te acuerdas de "La musa de la tragedia" que se encuentra fuera de la sala de La Rotonda en el Vaticano? No hay otra escultura aquí que haya sido tal revelación para mí. Puedo incluso decir que es a través de ella que he entendido lo que fue la tragedia griega. La indescriptible calma, la noble y sublime exaltación de alegría en la expresión de la cara, el frondoso laurel que lleva la cabeza y que contiene dentro de él algo sobrenaturalmente exuberante y báquico, los ojos que miran hacia dentro y al mismo tiempo, a través y más allá del objeto de su mirada... Eso fue la tragedia griega.”

Musa trágica (Museo Vaticano)

"La estatua de Demóstenes en el museo Laterano, el fauno en la Villa Borguese, y el fauno (de Praxíteles) en el Vaticano (bracchio nuovo), también han abierto para mí grandes puertas que me muestran el carácter griego (el personaje), y me han permitido entender lo que en la belleza es realmente imperecedero. Ruego al cielo que yo pueda ser capaz de utilizar este conocimiento para mi propio trabajo.”

Estatua de Demóstenes (Museo Vaticano)

Fauno de Praxíteles (Museo Vaticano)

Fauno (Villa Borguese)

"El Moisés de Miguel Ángel en San Pedro (en Vincoli) no lo había visto la última vez que te escribí; ya había leído sobre él y tenía expectativas que al final no se ha cumplido, auqnue deco decir que sólo lo he visto una vez.

¡Qué glorioso es aquí el paisaje, tanto en las formas como en los colores hay una indescriptible armonía. A menudo paso la mitad de un día tumbado entre las tumbas de la Via Latina o la vieja Via Appia, y creo que es una ociosidad pero no una pérdida de tiempo. Los Baños de Caracalla son otro lugar que tiene un atractivo especial para mí (...) "

Area de tumbas en la Via Appia

Los baños de Caracalla

Tal vez todo esto son sólo datos curiosos, pero quizás también podría ayudar a comprender de una mejor manera la obra del dramaturgo (y poeta) noruego, y en especial a comprender mejor al hombre detrás de esa monumental obra.

* En inglés en el texto de Meyer, la traducción es mía:

"Its beauty (…) grows more and more on me, as you said it would. It comes in flashes, but a single flash throws light over whole vistas. Do you remember the "Tragic Muse" which stands outside the hall in the Rotunda in the Vatican? No sculpture here has yet been such a revelation to me. I may even say that it is through this that I have understood what Greek tragedy was. The indescribably calm, noble and exalted joy in the expression of the face, the richly laurel led head containing within it something supernaturally luxuriant and bacchantic, the eyes that look both inwards and at the same time through and far beyond the object of their gaze--such was Greek tragedy.

The statue of Demosthenes in the Lateran, the Faun in the Villa Borghese, and the Faun (of Praxiteles) in the Vatican (brachia nuovo), have also opened great windows for me into Greek character, and have enabled me to understand what imperishability in beauty really is. Pray heaven I may be able to use this understanding for my own work.

Michelangelo's Moses in S. Pietro in Vincoli I had not seen when I last wrote to you; but I had read about it and built up expectation which has not quite been fulfilled--however. I have only seen it once.
How glorious the landscape is down here; in both forms and colours there is and indescribable harmony. I often spend half the day lying out among the graves on the Via Latina or the old Via Appia, and think it an idleness but no waste of time. Caracalla's Baths are another place which holds some especial attraction for me (…)" (Page 235. Ibsen's Biography. By Michael Meyer. Double Day Co. New York 1971)

Un "performance" en Carmona, España

2011-10-31T20:43:00.000-04:00

Gustavo Thomas durante Un performance en Carmona, España
(Arte Digital por Gustavo Thomas. 2011)

Estas son algunas fotografías, pinturas digitales y dos videos del performance que Mary Jordan, Barrett Wissman y yo trabajamos en Carmona, España, durante la fiesta de aniversario de Ana Corberó y Nabil Gholam el 25 de septiembre 2011.

Ninguno iba preparado antes de viajar a Carmona para dar un espectáculo, todo fue acordado minutos antes: Mary y yo le pedimos a Barrett que tocara en el piano una pieza "intensa", entonces marcamos el inicio y final de mi desplazamiento dentro de la alberca al aire libre, y eso fue todo.

En la fiesta, como era de esperarse, había niños e hicieron sentir su presencia durante el performance pero fue interesante lidiar con su comportamiento y casi se volvió un reto para el éxito de nuestro trabajo. Por supuesto que el maravilloso paisaje andaluz que teníamos de marco ayudó a hacernos totalmente el día.

Debo decir que ésta fue mi primera presentación como practicante Butoh (Butohka se le dice) en público en vivo, ya que antes, todas mis presentaciones, habían sido en los talleres de trabajo y a través del internet. Curiosidades de la vida.

Mary Jordan y Gustavo Thomas durante Un performance en Carmona, España.
(Arte Digital por Gustavo Thomas. 2011)

Slideshow (diapositivas) de Un performance en Carmona, España.

Video de Un performance en Carmona, España.

Video con efecto de Un performance en Carmona,España

Jheronymus Bosch (El Bosco): TENTAÇÕES DE SANTO ANTÃO (Tentaciones de San Antonio)

2011-10-24T14:02:00.000-04:00

Tentaciones de San Antonio, de Jerónimo Bosco (por Gustavo Thomas. 2011)

Jheronymus Bosch (El Bosco): TENTAÇÕES DE SANTO ANTÃO (Tentaciones de San Antonio)

En septiembre de este año 2011 visité el Museu Nacional de Arte Antiga en Lisboa, Portugal; un museo que contiene una de las más grandes y descuidadas colecciones de arte religioso (católico) y universal. Sin detenerme en las tristes condiciones en que se tienen las obras que se exhiben en el museo iré directamente a aquella pieza que me despertó el deseo de compartir mi experiencia al verla: “Tentaciones de San Antonio” (Tentações de Santo Antônio, se lee en el museo) del artista holandés Jerónimo Bosco o Jheronymus Bosch.

Como artista escénico me siento profundamente atraído por aquellas obras de arte que, de una u otra forma, nos “cuentan historias”, y no hay nada que pueda hacer para evitarlo. Tentaciones de San Antonio no es otra cosa que un brillante y genial recuento visual de la historia de San Antonio en su camino a la santidad, sí, contado de la manera en que sólo El Bosco sabía hacerlo y que lo ha convertido en un ícono de la pintura universal.

He oído decir que El Bosco sería cineasta en nuestra época y no lo dudaría, pero estoy seguro que también sería un fotógrafo y un pintor, continuaría siéndolo. Su pintura es un recuento, sin palabras, de estampas profundamente vivas de las tentaciones de San Antonio; cada estampa, en un aparente caos en su órden, nos cuenta una acción o un pasaje mismo, y poco se necesita de conocimiento previo de la vida del santo; tal vez si no existe ese conocimiento previo no sepamos los detalles mismos de la verdad histórica del hombre de quien se refiere, pero sabremos muchísimo más de su vida, de sus imágenes y de su lucha interior, entonces, ya sobrepasado el mundo del contexto religioso cristiano del siglo XVI, ¿a quién le importa si es San Antonio u otro personaje? La pieza es poderosa, llamativa, entretenida, bien ejecutada, es genial.

Esta pintura es también dramaturgia, en el sentido que Eugenio Barba la concibe: como un entretejido de acciones-imágenes que poseen un sentido para el espectador.

Ustedes podrán entretenerse bastante (con el uso del zoom tal vez) en varios de esos pasajes, en sus personajes, en la contemplación de sus colores y en su especial manera de decir las cosas al espectador.

Lo que para mí es inevitable,ver la pintura también como una pieza escénica, para ustedes puede ser una exploración enrriquecedora sobre otro punto de vista dentro del arte.

Tentaciones de San Antonio, de Jerónimo Bosco (por Gustavo Thomas. 2011)

Detalle de "Tentaciones de San Antonio" de Jerónimo Bosco (por Gustavo Thomas. 2011)

Serie de diapositivas de Tentaciones de San Antonio, de Jerónimo Bosco

"Cómprese un perro, mi señor."

2011-10-21T12:12:00.001-04:00

Solamente para una simple cita de un dialógo de la obra de Ibsen "Los pretendientes de la corona" (alrededor de 1863) que muestra, desde mi punto de vista, aquél irónico Ibsen de años posteriores. Ahora que aún sin saber que la cita viene de Ibsen mismo creo que las frases que siguen son verdaderamente encantadoras:

"Skule- (…) Debo tener a alguien a mi lado que me obedezca instintivamente, que crea en mí sin vacilar, que permanezca cerca de mí en los días buenos y malos, que viva sólo para dar luz y calor a mi vida. ¡Alguien que cuando yo caiga, sienta que deba morir! ¿Qué debo hacer, Jatgeir?

Jatgeir- Cómprese un perro, mi señor."*

* En inglés en el original, traducido por el autor:

"Skule- (…) I must have someone by me who will obey me instinctively, believe in me unflinchingly, stand close by me through good days and evil, live only to give light and warmth to my life--someone who, when I fall, must die! What shall I do, Jatgeir?

Jatgeir- Buy a dog, my lord."The Pretenders by Ibsen.

From Michael Meyer's Ibsen's Biography. Double Day, 1967. Page 210.

Crítica de Bjørnstjerne Bjørnson al joven Henrik Ibsen

2011-10-18T13:41:00.001-04:00

El joven Henrik Ibsen (1861)

El joven Bjørnstjerne Bjørnson (1860)

El joven Henrik Ibsen era inseguro, colérico y de una fealdad física un tanto remarcable para sus contemporáneos, su personalidad carecía de valor para muchos, como nos describe Olev Arvesen cuando acostumbraba ver a Ibsen "entrar al café L'Orsa's puntualmente a las 2 de la tarde a tomar su café y leer los periódicos extranjeros", alrededor de 1858:

"Que este hombre, con el abrigo viejo y raído, desgastado sombrero de mormón y semblante totalmente humilde, se convertiría en uno de los más grandes hombres de Noruega y Escandinavia misma, era un pensamiento inimaginable." *

Pero a la vez Ibsen poseía un gran talento para la poesía, gustaba de hacer teatro y tenía un sueño-ambición: ser el mejor y más reconocido escritor de su país.

Pero en el año 1859, a sus 31 años e iniciando su vida como dramaturgo, director de teatro y poeta el éxito no se había hecho presente como él lo esperaba. Era entonces Bjørnstjerne Bjørnson quien lidereaba la juventud de exitosos escritores en Noruega, y es él a quien Ibsen veía como al que se debía destronar; así, sus primera luchas estuvieron cargadas de malos entendidos, celos y suposiciones que sólo iban en detrimento del mismo Ibsen. Aún, el omnipotente dramaturgo del realismo, no se había creado su gran máscara de soberano de la literatura, frío, calculador y sabio.

Bjørnson, a partir de un pequeño escándalo sobre el fracaso de una de la primeras piezas de Ibsen, Los Vikingos en Helgeland, escribe una carta a Clemens Petersen dándole cuenta del ambiente que se reinaba alrededor del joven dramaturgo, sus inseguridades y la opinión que él, Bjørnson, tenía del apenas unos años más joven Ibsen. Es curioso el tono de seguridad que tiene Bjørnson en esta carta, más cuando al final de su vida, todo comentario alrededor de Ibsen estaría lleno de amargura debido a la altura a la que su antiguo “pequeño” (así lo llamaba) competidor habría de llegar.

Carta de Bjørnstjerne Bjørnson a Clemens Petersen. Bergen, 5 de marzo de 1859:

“La obra (Los Vikingos en Helgeland) no ha tenido éxito, sin embargo lo puede tener con el tiempo (...) Ibsen tiene una pequeña banda de admiradores encabezados por el Nyhedsbladet. Pero cada vez que ha tenido que enfrentarse al público todo va mal y yo he debido salir en su ayuda ya dos veces, porque Ibsen, a pesar de todos sus defectos es un poeta. Y espero que algún día se dé cuenta de ello y mande a volar este condenado pastiche. El día que Ibsen admita que es pequeño se va a convertir en un poeta totalmente encantador. Yo se lo he dicho muy claramente pero el resultado son celos. Se ha dedicado a hacer una serie de cosas para molestarme, y lo sigue haciendo. Está enojado porque no puse sus Vikingos en Helgeland en mi repertorio. (...) No he leído su poema “El grito de la gaviota”, pero he escuchado que es un tanto sentimentaloide y que lo escribió principalmente porque una revista danesa había dicho que él valía menos como escritor que yo. Ese es el tipo de cosas que distraen a Ibsen de lo que debe y tiene que hacer. Mi punto es que, siendo un hombrecito pequeño y con actitudes de gnomo, sin pecho y sin trasero, se siente que no tiene más talentos y se esfuerza espantosamente en demostrar que los tiene cuando escribe. No escribe lo que realmente le gustaría y podría escribir.”

Son palabras muy duras que, viéndolas en su contexto, están llenas de verdad sobre el pequeño impulsivo, inseguro y en momentos estúpido Ibsen. Pero vistas ahora, amás de 100 años de distancia y con el peso de la historia, sólo podemos leerlas en detrimento del gran Bjørnson: nos describen la gran ironía de la relación entre estos dos escritores. Aquellos defectos e inseguridades llevaron a Ibsen a superarse y volverse no solo el más importante escritor de Noruega en su época sino uno de los más grandes escritores de la humanidad.

*Traducción del autor, del orgiinal en inglés: "That this man with the threadbare coat, old, soft mormon hat and profoundly unassuming mien would become one of Norway's and Scandinavia's greatest men was an unimaginable thought." (Michael Meyer, Ibsen's Biography)

* Traducción del autor, del original, en inglés: "The play (The Vikings at Helgeland) hasn't succeeded, though it may seem from a distance to have (…) Ibsen has a little clique of admirers headed by Nyhedsbladet. But every time he has to face the general public everything goes wrong and I've had to go to his aid twice, because Ibsen despite his aberrations is a poet. And I hope some day to get him to be himself and turn away from all this damned pastiche. The day Ibsen admits he is small he'll become a perfectly enchanting poet. I've told him as much pretty plainly, but the result is, he's jealous. He's done all sort of little things to annoy me, and does still. He's angry that I haven't put The Vikings at Helgeland into my repertory. (…) I haven't read his poem 'Gull Cry'; I've heard it's rather affected stuff, and was written largely because Danish monthly said he was lesser writer than me. Now that's exactly the kind of thing that always distracts Ibsen from what he ought to be and do. The point is, he's rather small and gnomish little chap, with no chest or rump, so he feels that as he has no other gifts he has to strain most frightfully when he writes. And so he doesn't write what he'd really like to, and could."
Ibsen Biography. By Michael Meyer. Double Day, 1967. Page 161.

Yo trabajo con...

2011-10-07T12:00:00.001-04:00

Cada día me gustaría trabajar de esta manera:

"Yo trabajo con mis manos y pies y cabeza y ojos y nariz y lengua y cabello y piel y estómago y mis tripas"*

The Diary of Vaslav Nijinsky. On Life. Page 44.

* En inglés en mi lectura original: "I work with my hands and feet and head and eyes and nose and tongue and hair and skin and stomach and guts"

Ana Corberó y sus esculturas de niños gigantes en Carmona, España.

2011-10-05T10:33:00.000-04:00

Esculturas de niños gigantes de Ana Corberó en Carmona, España. (Por Gustavo Thomas. 2011)

He estado desaparecido por unas semanas y ha sido porque andaba de viaje por Portugal y el sur de España. Fuí a España, al pueblo de Carmona (cerca de Sevilla), para un muy especial evento, el 15o aniversario de bodas de mis amigos Ana Corberó y Nabil Gholam. Desde luego el evento fue privado y no me referiré más a él, pero siendo como soy no pude quedarme sin la posibilidad de compartir las fotografías que tomé de lo que considero maravillosas esculturas que Ana tiene en Carmona.

Yo había visto algunas de estas esculturas cuando estaba viviendo en Beirut (2003-2005) pero nunca con ese fabuloso valle andaluz de fondo y nunca en tal cantidad (¡más de 8!).

Ana Corberó creó estas estructuras en forma de niños después de haber tenido la experiencia de vivir en Beirut, ciudad llena de contrastes y marco de varias invasiones y bombardeos israelíes en los útlimos 30 años; la cara de los niños libaneses mirando al cielo, mirando a los bombarderos, fue el motor de su creación.

Estoy seguro que disfrutrán estas imágenes...

Esculturas de niños gigantes de Ana Corberó en Carmona, España. (Por Gustavo Thomas. 2011)

Ana Corbero frente a su estudio, en Carmona, España. (Por Gustavo Thomas. 2011)

De sueño en sueño. Poema en voz y letra.

2011-09-21T12:28:00.000-04:00

De sueño en sueño

Image of De sueño en sueño

Y uno va así, de sueño en sueño, andando, saltando, volando,

viendo pasar la muerte de los otros en un rito incomprensible de cada noche,

de cada sueño, de cada sensación de letargo…

Uno va por ahí matando todo y a todos,

mira su tumba, la del amado, la del perdido, la del odiado.

Uno va de sueño en sueño rodando, con lágrimas que despiertan al otro,

con gritos que no dejan dormir,

y ese se sobresalta, y ese suda, y ese se levanta:

-está dormido- nos dicen, -déjalo soñar en paz, que está descansando-

Sí, uno va, de uno a otro, en una vida completa, entera, donde no más razonamos;

mitad de nuestra existencia o más, mucho más, que se siente plena;

una vida siempre más intensa, más amplia, más extensa,

y de ella sólo un vago intento de recuerdo,

un recuento que se difumina al hablarlo y en poco ya no lo recordamos…

Y sí, uno va así, de sueño en sueño, sin demora,

de sueño en sueño, con los brazos apretados, las rodillas doliendo y los dientes rechinando,

uno va, de sueño en sueño, palpitando hacia la muerte o hacia el sentirse despertando.

Gustavo Thomas
(Toronto, Canada. Septiembre, 2011)

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Un nuevo libro dedicado a Ron Athey, artista del performance

2011-09-19T12:07:00.000-04:00

Comparto a nota entera dedicada a un libro próximo sobre el arte y la obra de Ron Athey, y lo hago porque creo en la necesidad de la expansión del conocimiento de las nuevas formas artísticas, aquellas que nos muestran nuestros límites y son capaces de mirar más allá de todo lo que nos rodea en nuestros tiempos. Pido disculpas porque la nota y el video están totalmente en inglés y no tuve el tiempo de traducirla, pero creo vale la pena un esfuerzo en el traductor de Google y al menos las imágenes que muestra el video.

Pleading in the Blood: The Art of Ron Athey from andrew mitchelson on Vimeo.

This will be the first ever publication devoted to the work of Ron Athey, a central figure in the development of performance art since the 1980s. Edited by Dominic Johnson, Pleading in the Blood: The Art of Ron Athey will foreground the prescience of Athey’s work, exploring how his visceral, body-based practice foresaw and precipitated the central place afforded to the body in art and critical theory in the 1990s and after. While histories of art, performance, theatre, and subcultures have consistently acknowledged Athey’s major contribution to the development of contemporary cultures, there has never been a dedicated book about him. Pleading in the Blood aims to fill this conspicuous gap. Developed in close collaboration with Ron Athey, this book seeks to provide a critical overview of Athey’s practice. In his stagings of crisis, sexuality and death in the time of AIDS, Athey calls into question the limits of artistic practice. Athey has been a crucial figure in the development of performance art and body art; club performance; intersections between punk, queer and alternative cultures; sexual politics, specifically in relation to queer practices and the politics of HIV/AIDS; and the representation of religion and ritual.

The book will track Athey’s work from the 1980s underground through to his influential works for festivals, galleries and museums, which have crucially impacted upon the development of body art, Live Art and experimental theatre. The book will include contributions from distinguished national and international artists, writers and scholars: six newly commissioned chapters on different aspects of Athey’s work; shorter ‘testimonials’ by artists; Athey’s own writings; and extensive full-colour images. Contributors include Amelia Jones, C. Carr, Adrian Heathfield, Lydia Lunch, Dominic Johnson and Patrick Califia amongst many others.

The book will be published in 2012.

More information on Ron Athey’s work can be seen here:

http://ronatheynews.blogspot.com/

The Agency and MIT Press have already raised two thirds of the publication’s budget. However, we believe that Pleading in the Blood merits the highest possible standards and be as richly illustrated and as lavishly produced as possible. Your support will strongly enhance those production values and will be a crucially needed step in meeting our collective vision for the book.

http://www.indiegogo.com/Pleading-in-the-Blood-The-Art-of-Ron-Athey

Casta Diva (de mi vlog de Butoh)

2011-09-17T13:20:00.000-04:00

Gustavo Thomas Butoh Vlog (Sept 13, 2011) "Casta Diva"

Debo aceptar que me encanta la idea de moverme durante mi entrenamiento de Butoh con aditamentos que vuelven irreconocible mi persona.

En mi último vlog de Butoh trabajé con una peluca, una máscara de mujer y un covertor de cama. Las imágenes interiores continuaron en mí, claro, ese es mi trabajo, pero inevitablemente el juego con los objetos influyó en el movimiento que surgió.

Como siempre, la música que escuchaba no fue la que se escucha en el video, es decir Casta Diva, sino que borréel sonido de fondo que yo tenía, con el que trabajé, y adherí la música de Bellini por María Callas durante la edición final. El resultado de esta conjunción es inesperado pero satisfactorio, mucho diría yo.

Les comparto algunas fotos que salen del video mismo y el video. Pueden encontrar todos los demás videos de mi vlog de Butoh en: http://gustavothomasbutohvlog.tumblr.com/

Butoh Vlog (Sept 13, 2011): Casta Diva from Gustavo Thomas on Vimeo.
Butoh Vlog (Sept 13, 2011): Casta Diva

Fotos en Flickr:

Autorretrato...

2011-09-14T19:48:00.000-04:00

AUTOPORTRAIT WITH TENNIS SOCKS

"Autoportrait with Tennis Socks" (Arte Digital por Gustavo Thomas. 2011)

Mi obra se está convirtiendo en una línea interminable de autorretratos de toda índole, así que he decidido que, además de hablarlos, escribirlos y actuarlos, también podría pintarlos. Este es un ejemplo.

Mi sangre se ha convertido en tinta...

2011-09-06T11:27:00.000-04:00

Cocteau tenía razón:

"Mi sangre se ha convertido en tinta".

Estoy listo para escribir lo que sea,

tengo suficiente en mis brazos y piernas.

Pain / Dolor (Manipulación fotográfica por Gustavo Thomas. 2011)

Cocteau avait raison

"Mon sang est devenu de l'encre".

Je suis prêt à écrire n'importe quelle chose,

j'ai plein dans mes bras et jambes.

Mi cuerpo es un espacio (de mi Butoh Vlog)

2011-08-31T10:41:00.001-04:00

Mi cuerpo es un espacio/

en él se mueven fantasmas/

seres que invoco y convoco/

Se desplazan de pies a cabeza/

lloran eufóricos en mis manos

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"La danza del Padre" Tira cómica y video del sexto movimiento: Le père est roi et juge

2011-08-29T13:04:00.001-04:00

"La danza del Padre"

Le père est roi et juge

Tira cómica

Video del sexto movimiento:

La danza del padre. Sexto movimiento: Le Père est roi et juge from Gustavo Thomas on Vimeo.

La danza del padre. Sexto movimiento: Le Père est roi et juge

Música:

Realis - I Headrushed (ft. gurdonark)

By Dan S. from Cathayist

ccMixter

2007 - Licensed under

Creative Commons

Attribution Noncommercial (3.0)

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Pude no haber nacido (compartiendo un video de mi Vlog de Butoh)

2011-08-22T18:41:00.001-04:00

Blog de Butoh de Gustavo Thomas: Pude no haber nacido

A veces sentimos que hemos logrado algo, y al editar mi Vlog de Butoh de agosto 12, 2011 lo sentí.

Un mito (real) de mi vida es que pude no haber nacido o en todo caso pude haber nacido muerto: me encontraba atorado en mi propio cordón umbilical, el cordón había rodeado mi cuello y me ahorcaba. Fui "reacomodado" antes del parto.

Este video no es una ilustración, pero las imágenes que me surgen cada vez que recuerdo aquél mito de mi nacimiento son tan poderosas que trabajan como un motor del movimiento en él.

El Butoh es simple y sólo se vuelve complejo al explicarse.

Gustavo Thomas Butoh Vlog (Aug 12, 2011): I could have not been born / Pude no haber nacido from Gustavo Thomas on Vimeo.

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"La danza del Padre" Tira cómica and Video del quinto movimiento: Le père se meurt pour 1ère fois

2011-08-16T11:49:00.002-04:00

"La danza del Padre"

Le père se meurt pour 1ère fois

Tira cómica

Video del quinto movimiento:

La danza del padre. Quinto Movimiento: Le Père se meurt pour 1ère fois from Gustavo Thomas on Vimeo.
La danza del padre. Quinto Movimiento: Le Père se meurt pour 1ère fois

Musica:

"Except The Darkness In Our Hearts"
by Subliminal

2009 - Licensed under
Creative Commons
Attribution (3.0)

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Fotografías de 4 sesiones de trabajo en el taller de Butoh con Yoshito Ohno en Yokohama (2011)

2011-08-12T11:42:00.000-04:00

He estado escribiendo sobre mi experiencia en el taller de Butoh del maestro Yoshito Ohno en Yokohama, y los resultados han sido muy interesantes y placenteros, muchos comentarios interesantes y muy buenos deseos para el éxito en la carrera que comienzo dentro del Butoh. Hoy sin embargo quisiera compartir no palabras sino imágenes; fotografías que he extraído de los videos grabados durante aquellos días en el taller y que hablan a su manera de mi experiencia y de la manera de trabajar del maestro Ohno. Evidentemente son para mí un invaluable archivo de mi vida como estudiante, pero espero que a ustedes les sea también de interés.

Verán de cada sesión (escogí sólo 4 sesiones) una sola fotografía publicada y una serie de diapositivas que pueden ver aquí mismo en el Blog o revisar en la página de Flickr donde se encuentran. Inicio con la segunda sesión.

2da sesión

Diapositivas: 2a sesión Taller de Butoh con Yoshito Ohno en Yokohama

http://www.flickr.com//photos/gustavothomastheatre/sets/72157626701191638/show/

3a sesión

Diapositivas: 3a sesión Taller de Butoh con Yoshito Ohno en Yokohama

http://www.flickr.com//photos/gustavothomastheatre/sets/72157626576955943/show/

4a sesión

Diapositivas: 4a sesión Taller de Butoh con Yoshito Ohno en Yokohama
http://www.flickr.com//photos/gustavothomastheatre/sets/72157626576706225/show/

5a sesión

Diapositivas: 4a sesión Taller de Butoh con Yoshito Ohno en Yokohama

http://www.flickr.com//photos/gustavothomastheatre/sets/72157626701528874/show/

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Caras y manos en mi Butoh Vlog

2011-08-08T14:07:00.000-04:00

Gustavo Thomas Butoh Vlog: Caras

Como algunos de ustedes bien sabrán, estoy trabajando en un proyecto personal alrededor de mi entrenamiento diario de Butoh, el Vlog de Butoh, donde videograbo una pequeña coreografía que surge de ese entrenamiento, cada vez una diferente coreografía y cada vez una maravillosa experiencia (desde mi punto de vista, por supuesto).

Ese vlog ya tiene su propio sitio (en tumblr: http://gustavothomasbutohvlog.tumblr.com/ o aqupi en Blogger con uan página especial para él: http://gustavothomasteatro.blogspot.com/p/vlog-de-butoh-de-gustavo-thomas.html).

Muchas cosas interesantes han pasado en este proyecto y hoy especialmente quiero compartir algo remarcable, las posibilidades visuales que el Butoh me está ofreciendo. Después de varios días trabajando y grabando mi cuerpo completo en esa coreografía, decidí comenzar a trabajar sólo con partes del cuerpo, primero las manos (y brazos) y posteriormente la cara (y cabeza completa). Los resultados de estos trabajos son, como ya lo he mencionado, remarcables, pues lo que era sólo un muestrario del trabajo creativo diario y un archivo personal, se ha convertido en una fuente de imágenes y recursos que abarcan las artes visuales.

No hablaré más, lo mejor es que ustedes observen aquello que considero valioso compartir y juzguen por ustedes mismos. Publico ahora una serie de diapositivas con las diferentes caras (extraídas del video) y con un "efecto" de photoshop, y los dos videos, el de brazos-manos y el de caras-cabeza, los dos con un efecto visual también.

Slideshow: Caras del Butoh

Video: Gustavo Thomas Butoh Vlog: Dentro de mi cabeza

Gustavo Thomas Butoh Vlog (August 3, 2011): Inside my head / Dentro de mi cabeza (Xray effect version) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Video: Gustavo Thomas Butoh Vlog: Manos

Gustavo Thomas Butoh Vlog for July 29, 2011: Two Hands / Dos Manos from Gustavo Thomas on Vimeo.

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Prólogo de Ensueño. Strindberg explicando sus intenciones teatrales.

2011-08-03T12:08:00.001-04:00

Han pasado muchos años desde que González Caballero me habló por primera vez de August Strindberg como propositor de una corriente teatral (y por consecuencia de una nueva forma de actuación), el supernaturalismo; además de las ideas naturalistas escritas en el prólogo a su Señorita Julia no había leído una sola cita de su autoría donde se expresara sobre su revolucionario teatro, aquél que aborda el inconsciente de los personajes, hasta hace unos días que encontré el pequeño prefacio a su Ensueño (Ett drömspel).

Para el trabajo de exploración de la técnica strindbergniana en el método de González Caballero esta cita es una maravillosa introducción teórica que creo debería ser compartida por todos aquellos que deseen completar su comprensión del método supernaturalista y las propuestas de Strindberg.

La cita la extraigo del texto de la biografía escrita por Michael Meyer. Espero que mi traducción (del inglés en el texto de Meyer) no sea errada:

Prefacio a Ensueño (August Strindberg)

“En esta obra sobre sueños, el autor ha intentado, como en su anterior obra dedicada a abordar el tema, Camino a Damasco, imitar la inconsistencia pero transparente lógica que enmarca un sueño. Todo puede pasar, todo es posible y todo es probable. Tiempo y lugar no existen; sobre una base significativa de realidad la imaginación da volteretas tejiendo nuevos patrones; una mezcla de recuerdos, experiencias, libres deseos, incongruencias e improvisaciones. Los personajes se desdoblan, se dividen, se multiplican, se evaporan, se condensan, se dispersan, se ensamblan. Pero existe una regulación consciente sobre todo ello, aquella del soñador; para él no hay secretos, no falta de lógica, no escrúpulos, no leyes. Él tampoco absuelve ni condena, tan sólo se limita a relatar; y, como en todo sueño que a menudo es más doloroso que feliz, así un tono yacente de melancolía y de piedad para todos los mortales acompaña este vacilante cuento.” *

* Strindberg, A Biography. By Michael Meyer. 1985. Random House. New York, USA.

Original en inglés: "In this dream play, the author has, as in his former dream play, To Damascus, attempted to imitate the inconsequent yet transparently logical shape of a dream. Everything can happen, everything is possible and probable. Time and place do not exist; on a significant bases of reality, the imagination spins, weaving new patterns; a mixture of memories, experiences, free fancies, incongruities and improvisations. The characters split, double, multiply, evaporate, condense, disperse, assemble. But one consciousness rules over them all, that of the dreamer; for him there are no secrets, no illogicalities, no scruple, no laws. He neither acquits nor condemns, but merely relates; and, just as a dream is more often painful than happy, so an undertone of melancholy and of pity for all mortal beings accompanies this flickering tale." Page 431.

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Sanghyang Djaran, una danza del trance. Pura Dalem Taman Kaja, Ubud, Bali (2009)

2011-07-26T08:00:00.002-04:00

Sanghyang Djaran (Danza de trance del caballo). Ubud, Bali. (Por Gustavo Thomas. 2009)

"La palabra Sanghyang significa celestial y se refiere a los rituales de danza de trance donde los actores entran en un estado alterado de consciencia llamado kerawuhan (descendimiento o arrivo) o nadi (llegada). ... Su propósito es restaurar el orden en la aldea y exorcizar los espíritus que provocan todo caos."

Después de leer la cita anterior debemos suponer que en estos días estas danzas de trance son raras en Bali (y en cualquier parte del mundo).

Aquello que vi en Ubud en julio de 2009, después de la representación del Kecak en Pura Dalem Taman Kaja, el Sanghyang Djaran (o danza de trance del caballo), fue un presentación para turistas; sí, el "trance" fue actuado. Para nosotros, ignorantes de los rituales balineses, no hay casi diferencia entre un ritual con trance real y un actuado, pero para aquellos que saben y aprecian el origen religioso de las artes de esta isla, hay diferencia y mucha.

Entonces, ¿cuál es el caso de publicarla aquí? Muy simple; este es un Blog de teatro y artes escénicas, y estoy seguro que este "trance actuado para turistas" que vi era tanto teatro como parte de las artes escénicas; para mí eso es suficiente.

Y aunque no había un trance real sí era un gran ejemplo de la estructura externa de uno real, y de hecho un ejemplo bastante atractivo, especialmente en términos visuales y auditivos. En Bali, la mayoría de las artes escénicas son de origen religioso y han sido adaptadas muy fielmente para su uso comercial, manteniendo el aspecto básico de su estructura, y representando, aún cuando no sea "verídico", las bendiciones introductorias, las coreografías, los salutaciones finales y por supuesto los trances en sus actores-bailarines.

Así que, desde mi punto de vista, este video que presento ahora tiene un gran valor, por supuesto en el aspecto educativo y cultural, pero ante todo porque nos da otra nueva oportunidad de conocer y apreciar un arte escénica balinesa más.

Sanghyang Djaran, A Balinese Trance Dance Performance at Pura Dalem Taman Kaja, Bali (2009) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Sanghyang Djaran, A Balinese Trance Dance Performance at Pura Dalem Taman Kaja, Bali (2009)

(1) Del libro: Balinese Dance, Drama and Music. A Guide to the Performing Arts of Bali. I Wayan Dibia and Rucina Ballinger. Perilus. Singapore, 2004. Cita original en inglés: "The word Sanghyang means celestial and refers to trance dance rituals whereby the performers enter an altered state of consciousness called kerawuhan (descent or arrival) or nadi (becoming). ... The purpose is to restore order back to the village and to exorcise spirits of chaos."

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Anuncio sobre mi Vlog de Butoh

2011-07-19T19:06:00.000-04:00

Mi Vlog de Butoh ya tiene vida propia y he decidido crear una página especial para su seguimiento.

El Vlog de Butoh no aparecerá más en las entradas principales de este Blog Gustavo Thomas Teatro pero permanecerá actualizándose como una de sus páginas (en la lista de pestañas de la parte superior de esta página: Vlog de Butoh de Gustavo Thomas).

Pero además lo podrán encontrar en Tumblr.com como un Blog (Vlog) especialmente dedicado a ese video-diario de trabajo:

http://gustavothomasbutohvlog.tumblr.com/

Gracias por su apoyo y su interés.

Gustavo Thomas

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Vlog de Butoh (Julio 15, 2011)

2011-07-18T11:57:00.000-04:00

Butoh Vlog (July 15, 2011) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Butoh Vlog (July 15, 2011)
Probando con colores.
Esto es parte de mi entrenamiento diario y nada más.
Después de caminar y trabajar algunas posturas e imágenes internas surge una pequeña coreografía; eso es lo que se ve en cada video de mi Vlog de Butoh.
La música que se escucha no es aquella que yo escuchaba mientras entrenaba, sino que ha sido añadida más tarde durante la edición del video.

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“Si tú sientes que la flor es hermosa, entonces tú eres hermoso.” (Aprendiendo Butoh con Yoshito Ohno)

2011-07-17T13:03:00.005-04:00

Siendo una flor. Estudio de Yoshito Ohno. (Por Gustavo Thomas. Yokohama, 2011)

Yoshito nos cuenta que Hijikata acostumbraba decir: “Tu cuerpo posee todo en su interior, sólo tienes que encontrarlo” y añadía que la manera en que Kazuo Ohno y Hijikata lo hacían era a través del Butoh. Moviéndose cada día, en cada momento de sus vidas, cada momento de duda, de inspiración, de relajación, de crisis; moviéndose en cada momento de disciplina y trabajo, de sueño, de dolor, de recuerdo. Y es cierto, esa actitud es totalmente lógica: ¿cómo podríamos encontrar el todo dentro de nuestro cuerpo si no nos sumergimos en él continuamente, urgando en cada detalle de nuestro desconocido interior?

La búsqueda la hacemos inicialmente caminando, y la lentitud pareciera una premisa. En ese lento caminar descubrimos que la experiencia también es riesgosa: si nuestro cuerpo lo contiene todo entonces además de la vida y la oración y el amor también contiene la muerte misma y sus fantasmas, aquello que otros sufren y otros se preguntan, la violencia y el rencor, los miedos y las angustias, los labwrintos mentales y los infiernos... Todo.

En esos juegos de la lógica del ser congruente con nuestro Butoh Yoshito agrega otras palabras de Hijikata: “el cuerpo muerto siempre camina arriesgando la vida”.

Nada en el estudio del maestro Ohno es obligación; una propuesta de movimiento no es una órden, nadie está obligado a buscar sus odios o sus temores o su violencia; todo es simple, suave; algo se comenta, algo se cuenta, algo se propone y entonces debemos movernos. El riesgo llega porque te encuentra mientras te mueves, como la luz de sol o una madre que mece a su bebé.

Así, moviéndome en esa búsqueda del todo en mi interior, pude escribir al final de mi seguna sesión: “Acabo de llegar de mi trabajo con Yoshito Ohno. Hoy, bailando, fuí una flor de tres días, un durazno floreciente que moría con el viento, una oración, y el corazón de un niño.”

Nuestro cuerpo lo contiene todo y puede transformarse en todo. La propuesta fue siempre “sé”, “tú eres...”

“Si tú sientes que la flor es hermosa, entonces tú eres hermoso.” nos decía kazuo Ohno en voz de su hijo Yoshito.

Decenas de fotos tanto de Kazuo Ohno como de Tatsumi Hijikata los muestran “siendo” aquello que imaginan al moverse. Las recuerdo y aprendo también.

Hijikata siendo tierra. (Foto de Eikoh Hosoe para el libro Kamaitachi)

Kazuo Ohno, un estanque. (portada del libro Hidden Body, The World of Kazuo Ohno)

Y dentro de ese estudio y durante varias sesiones fuímos decenas de flores, en diferentes circunstancias y condiciones; fuímos seda, y con ella aprendíamos la suavidad y la dureza de nuestro cuerpo, al ser las características de la seda, tocando la seda, descubríamos en movimiento las características de nuestro cuerpo; y fuímos también bambú, y con el bambú en las manos, exploramos la dureza de nuestro exterior y el vacío de nuestro interior, lo hueco de nuestro físico.

Trabajando con seda. Estudio de Yoshito Ohno. (Por Gustavo Thomas. Yokohama, 2011)

Lo éramos todo si lo encontrábamos en movimiento. No hay estructuras fijas pero cada sesión se repetían ciertos patrones: Yoshito habla, muestra, demuestra, expone, nos pide movernos a partir de ello, lo hacemos siempre con música, después de unos 5 minutos detiene, continúa exponiendo el mismo tema o pasa a otro nuevo. Así durante dos horas cada sesión. Al final un poco de té y bocadillos mientras comentamos minucias de la vida.

¡Qué feliz fui porque nunca fui juzgado si en realidad era la flor, la seda, el bambú, el mar o la ola! Así es, nunca fui yo (ni los otros) juzgado; éramos invitados a ser y a movernos siendo, sólo eso.

Viendo fotografías de esculturas de Rodin aprendimos que él como el Butoh fueron revolucionarios porque no imitaban el movimiento del cuerpo, sino que eran el cuerpo que se expresaba en sí, era un beso o un abrazo o un orgullo. Aprendimos que los pintores impresionistas como el Butoh fueron revolucionarios porque ofrecían la vida en otros ángulos, y que aquellos impresionistas se inspiraron para descubrir esos ángulos en Hokusai y en especial en su obra “La Ola”.

Y entonces nos movimos siendo agua, siendo el mar, siendo olas, siendo la fuerza de gravedad, la luna misma, y la ola otra vez. Fuímos, en la línea del agua (y no siempre en la misma sesión), lo femenino y la luna; bailamos con la pieza de Chopin, recordamos a la madre, al seno de la madre; vivimos la noche y retomamos el mar.

Con un pedazo de tela descubríamos la intensidad de nuestro interior: al estirarla (o exprimirla) la intensidad era mayor; al relajar su estiramiento nuestro interior bajaba su intensidad. Jugábamos con emociones sin saber cuáles eran; era mi mente la que se asociaba a algunas, a mi pasado a mis invenciones, a mis deseos ocultos, respondía a aquello que era la tela misma, a mi cuerpo en contacto con la fuerza ejercida a ese pedazo de tela.

Trabajando en el taller de Yoshito Ohno (Por Gustavo Thomas. Yokohama, 2011)

Yoshito nos habló de los “remanentes de la emoción”, aquello que queda después de exprimir la tela de nuestras emociones, aquello que queda y pesa y que se arrastra en el interior. Mientras lo comentaba se movía, y su caminar era difícil, tenso, cargado. Habló de las dificultades de expresar esos remanentes en la escena, del llamado “forte pianissimo”, y también se movió con gran intensidad pero de una manera extremadamente suave: -“forte pianissimo”- repetía mientras se movía, y nos invitó a probar. “Este es un reto a enfrentarse, a diario”- aclaraba. Kazuo Ohno era un maestro de ese “forte pianissimo”.

En la línea de las emociones las hicimos cuerpo y voz: por una sola vez (y aclarando que lo hacía porque yo era actor), pidió que dijera una frase sobre lo pesada de la vida, en mi idioma, y que la dijera caminando. Todos estábamos cargados de la búsqueda del forte pianissimo. Entonces pidió a uno de los compañeros que se subiera sobre mi espalda y dejara caer su peso en mi; yo debía seguir repitiendo la frase en todo mi caminar. Una de tantas formas de explorar el "forte pianissimo". Esa noche no hablamos más.

Sentí entonces que la flor era hermosa, y fui hermoso...

Sí, esa noche no hablamos más; pero algunos otros días cantamos...

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"La danza del padre" Tira cómica y video del cuarto movimiento: Le père au foie douloureux

2011-07-16T08:00:00.001-04:00

Cuarto movimiento: Le père au foie douloureux

Dibujo base

Tira cómica en base al dibujo y el texto del movimiento

video del cuarto movimiento: Le Père au foie douloureux

Música:

"Aurora Borealis (winter lights wandering)"
by CherryGollogoly

2009 - Licensed under
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Attribution (3.0)

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Vlog de Butoh (Julio 14, 2011)

2011-07-15T18:58:00.001-04:00

Gustavo Thomas Butoh Vlog (July 14, 2011) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Gustavo Thomas Vog de Butoh (Julio 14, 2011)

Esto es parte de mi entrenamiento diario y nada más.
Después de caminar y trabajar algunas posturas e imágenes internas surge una pequeña coreografía; eso es lo que se ve en cada video de mi Vlog de Butoh.
La música que se escucha no es aquella que yo escuchaba mientras entrenaba, sino que ha sido añadida más tarde durante la edición del video.

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Vlog de Butoh (Julio 13, 2011)

2011-07-14T17:31:00.002-04:00

Gustavo Thomas Butoh Vlog July 13, 2011 from Gustavo Thomas on Vimeo.

Vlog de Butoh de Gustavo Thomas (Julio 13, 2011)

Esto es parte de mi entrenamiento diario y nada más.

Después de caminar y trabajar algunas posturas e imágenes internas surge una pequeña coreografía; eso es lo que se ve en cada video de mi Vlog de Butoh.

La música que se escucha no es aquella que yo escuchaba mientras entrenaba, sino que ha sido añadida más tarde durante la edición del video.

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Vlog de Butoh (Julio 12, 2011)

2011-07-13T12:29:00.000-04:00

Gustavo Thomas Butoh Vlog July 12, 2011 from Gustavo Thomas on Vimeo.

Primer intento de mi Vlog de Butoh

Esto es parte de mi entrenamiento diario y nada más.

Después de caminar y trabajar algunas posturas e imágenes internas surge una pequeña coreografía; eso es lo que se verá en cada video de mi Vlog de Butoh.

La música que se escucha no es aquella que yo escuchaba mientras entrenaba, sino que ha sido añadida más tarde durante la edición del video.

Sé que debo trabajar más con el ángulo de la cámara y buscar incluir toda la imagen de mi cuerpo en movimiento. Los efectos visuales son simplemente para evitar lo que consideré una distracción al verme sin maquillaje o vestuario y en un cuarto con objetos cotidianos. Trabajaré en hacer más presentable las cosas, pero poco a poco.

Gracias por mirar.

Gustavo Thomas

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Función de Kecak en Pura Dalem Taman Kaja, Bali (2009)

2011-07-05T12:00:00.044-04:00

(Fotografía de Gustavo Thomas. 2009)

Kecak (también llamado Cak) es una de las más conocidas artes escénicas balinesas, una mezcla entre pieza coral religiosa, obra de teatro y danza coreografiada, representada principalmente por un enorme coro de hombres provenientes de la localidad del templo donde se presenta. Esta no es una forma escénica antigua como tal, fue creada alrededor de los años 30 del siglo XX a partir de una forma de danza (ésta sí antigua) llamada Sanghyang (literalmente "trance" en balinés). Algunos le dan el crédito como fundador al artista alemán Walter Spies, quien vivió en la isla por muchos años*, mientras otros le dan el crédito a dos maestros balineses, I Gusti Lanang Oka y I Nengah Murdaya.

Miguel Covarrubias, quien estuvo en Bali alrededor del año 1930, no supo de la existencia del Kecak como la forma teatral que hoy disfrutamos, pero sí tuvo conocimiento (y escribió sobre ello en su libro "Island of Bali") del Sanghyang y del uso de la palabra "kecak" en los cantos que acompañaban el trance de la danza. Kecak evolucionó a una forma teatral compleja cuando fue separado del trance y una historia, fuera del Ramayana o de cualquier otra épica hindú, fue adherida a los ya de por sí impresionantes cantos corales.

En la actualidad, aún cuando el Kecak está separado de la danza de trance, regularmente se representa acompañado de una pieza de Sanghyang. En el caso de la representación que ví en Ubud al final se representó el "Sanghyang Djaran" o "Danza de trance del caballo", pieza de la que hablaré en la siguiente entrada de esta serie de artes escénicas de Bali.

(Fotografía de Gustavo Thomas. 2009)

Para hablar de lo complicado del juego de ritmo y tempo en el Kecak prefiero citar (en traducción) el libro "Balinese Dance, Drama and Music"(1). No es necesario conocer los conceptos musicales que hay detrás para disfrutarlo claro está, pero puede ayudar a una mayor comprensión a los interesados en la teoría del espectáculo:

"El canto vocal polirrítmico que compone la mayor parte de la representación se canta en partes que embonan unas con otras. La mayoría de los miembros del coro conocen al menos cuatro patrones rítmicos diferentes: el cak telu sincopado (de tres sílabas), el cak lima (cinco), el cak nem (seis) y el simple y no sincopado patrón cak ocel (tres y siete sílabas). También está el improvisado panyelah (cinco sílabas). Los ritmos sincopados requieren tres voces: polos (tiempo fuerte), sangsih (tiempo débil) and sanglot (intermedio). Los patrones entrelazantes de tres y seis golpes se catan dentro de un ciclo de gong y se marcan en la melodía con un sonido similar al de un gong, sirrrrr. El patrón de cinco golpes y el no sincopado son más libres. Todos los patrones se ponen sobre el kajar y la melodía. El kajar es el gong para contar el tiempo, que se vocaliza en Kecak con el sonido pung. La melodía se canta como yanger yangur yanger yanger yang sir."

Lo que ví aquella noche en Pura Dalem Taman Kaja (el templo Dalem Taman Kaja) en Ubud fue una presentación de la comunidad Taman Kaja. Como se mencionó al principio, los miembros de la agrupación viven en el mismo barrio (llamado Desa en balinés), que en este caso es el Desa Pakraman Taman Kaja.

¿Qué puedo decir sobre mi experiencia al ver esta función de Kecak? Fue una representación llena de fuerza, de energía y de un enorme poder vocal. No sólo percibí imágenes visuales sino vocales también. Sí, la voz de esos cien hombres cantando, como una sola y como cien, ha quedado totalmente grabada en mi memoria, y aún hoy, al recordarlo, puedo sentir la poderosa vibración en mi piel, y puedo ver el movimiento de sus manos y sus cuerpos en una unidad entre acción y sonido. Puedo decir que fue una experiencia visual muy interesante y curiosa, pero una experiencia auditiva única.

Afortunadamente pude grabar casi toda la función, así que tengo fotografías y video para compartir. Les pido su comprensión al ver el video, aquella noche caía una verdadera tormenta y el espacio de público y escena tuvo que reducirse bastante (al menos no cancelaron la función); yo no sólo me encontraba muy cerca del escenario sino que además debía de luchar por no mojarme y evitar los paraguas de los otros espectadores.

Programa de la función de Kecak en Pura Dalem Taman Kaja, Ubud (2009)

Esta es la historia que el programa nos cuenta sobre el pedazo del Ramayana que se ve en la función (en inglés en el original):

La historia es un fragmento del Ramayana, la épica hindú. (...)

El Príncipe Rama, heredero al trono del reino de Ayudya, y su esposa Sita, han sido desterrados del reino por el rey Dasarata como resultado de los engaños de la madrastra de Rama. La historia comienza con la llegada de Rama y de Sita acompañados del hermano de Rama, Laksmana, en el bosque Dandaka.

El trío ha estado siendo observado por el deomonio Rajwana, rey de Alengka, que desea a la bella Sita. Rahwana envía a su primer ministro Marica a intentar aislar a Sita para que Rahwana la pueda secuestrar. Los poderes mágicos de Marica lo transforman en un venado dorado y entra al bosque y, cuando Sita ve al venado dorado, queda tan fascinada por él que pide a Rama que lo capture para ella. Rama persigue al venado, dejando a su hermano Laksmana con la estricta instrucción de proteger a Sita. Cuando Sita cree escuchar un llamado de ayuda de rama, fuerza a Laksmana a ir tras Rama, acusándolo de cobarde, yendo él a ayudar a Rama con gran reticencia después de dibujar un círculo mágico en el suelo y diciéndole a Sita que bajo ninguna circunstancia debe salir del círculo.

Sita, sola en el bosque, se vuelve blanco fácil de los engaños de Rahwana, quien se ha disfrazado de viejo sacerdote y ruega a Sita que le dé comida, puesto que tiene frío y hambre. Sita cae ante el engaño, sale del círculo para darle al viejo sacerdote algo de comida, y Rahwana la toma y la lleva a su palacio.

Una vez de vuelta en su palacio en Alengka, Rahwana intenta todo para seducir a Sita, sin éxito.

Entretanto, Hanoman, el mono blanco, un buen amigo de Rama, está buscando a Sita por todos lados.

En el palacio encAlengka, Sita se desahoga contando la historia de su cruel destino a la sobrina de Rahwana, Trijata, quien había empezado a amar a Sita; cuando Hanoman aparece para decirle que es el enviado de Rama y lo prueba mostrándole el anillo de Rama, Sita le da a Hanoman una horquilla para el cabello hairpin para mostrar que sigue viva y lo envía de vuelta con rama con el mensaje de que vaya a rescatarla.

Mientras tanto, Rama y Laksmana están buscando en el bosque a Sita cuando Meganada, el hijo de Rahwana, aparece y entra en combate con Rama y Laksmana. Meganada usa sus poderes mágicos y tira una flecha que se convierte mágicamente en un dragón que domina a Rama and Laksmana y éstos son atados con cuerdas

El ave Garuda, Rey de todas las aves, buen amigo del Rey Dasarata, ha estado observando los problemas de Rama desde las alturas y baja al rescate, liberando a los hermanos de sus ataduras.

Rama y Laksmana continúan en su camino para rescatar a Sita y se les une Sugriwa, Rey de los monos, y su armada de monos.

Este fragmento del Ramayana llega a su fin con la batalla entre Sugriwa y su armada de monos y Meganada y su armada de demonios, la cual termina con la derrota de Meganada.

Video: Función de Kecak en Pura Dalem Taman Kaja, Bali (2009)

Kecak Performance at Pura Dalem Taman Kaja, Bali (2009) from Gustavo Thomas on Vimeo.

Fotografías de la función de Kecak

* Walter Spies vivió en Bali durante varios años, y formó parte de la comunidad artística de la isla, influenciando de muchas maneras las artes tradicionales. Su historia personal con Bali y su influencia en el arte local e internacional son toda una historia aparte.
(1) Balinese Dance, Drama and Music. By I Wayan Dibia and Rucina Ballinger. Periplus Editions, Singapore, 2004.

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"La danza del padre" Tira cómica y video del Tercer movimiento: Le père emmène le frère au cimetière

2011-07-01T13:26:00.001-04:00

Tercer movimiento: Le père emmène le frère au cimetière

Dibujo base

Tira cómica

Video del tercer moviento uniendo todos los cartones con música de orang_redux_777 (*)

(*)

"The Mystery of Preludio .mp3"

by orang_redux_777

2007 - Licensed under

Creative Commons

Attribution Noncommercial (3.0)

http://ccmixter.org/people/orang_redux_777/profile

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Un secreto (Aprendiendo Butoh con Yoshito Ohno)

2011-06-24T08:00:00.017-04:00

Yoshito Ohno tomando te en su estudio. (Por Gustavo Thomas. 2011)

-Mientras rezas (mientras rezamos en movimiento) junta tus manos.-

Y las manos nos dirigen, pensando en aquello que rezamos, viéndolo, bailando.

Yoshito interrumpe y acercándose nos dice: -¡Un secreto!-

Toma la página de un gran block de fotografías y nos lo muestra:

-Nara, una hermosa ciudad, muy vieja e importante ciudad de Japón. Ahí hay muchos Budas pero uno de ellos es especial, este Buda es especial, miren...-

Entonces nos acerca la imagen de ese Buda... ¿Dónde está lo especial?

Portada del libro sobre el Buda de Nara. (Por Gustavo Thomas. 2011)

-Miren sus manos... No se juntan; tienen una mínima separación, apenas un papel de arroz cabe entre ellas. No hay otro como él en todo Nara. Eso lo hace muy especial. Todo está comprimido entre sus manos; es poderoso. Kazuo Ohno sabía eso; es un secreto... -

Nos mira, sonriente y pensativo, a todos y cada uno de los que estamos a su alrededor...

-Reza con tus manos juntas y siente la separación del grosor de un papel de arroz.-

Y nuestras manos trabajaron con esa separación, y nos movimos con Maria Callas y Anthony cantando de fondo. Y en sesiones posteriores usamos un pañuelo. Aquella separación podía estar no sólo en nuestras manos, sino también en nuestras rodillas, como mujeres jóvenes y cuidadosas, y tambien ese papel se podía sentir entre los brazos y el tronco, entre los pies y el suelo, como el caminar de un maestro japonés de Noh.

Yoshito Ohno muestra todo mientras habla: él es el Buda de Nara, él es la adolescente hermosa y tímida que camina con una mínima separación entre sus rodillas, él es Kazuo Ohno cuando hacía una mujer y sus brazos apenas tocaban los laterales de su tronco, y él, mientras habla, es también un caminante sobre papel de arroz. Continuamente se separa de nosotros y da unos cuantos pasos con su manos casi pegadas y elevándolas al cielo. No es un ejemplo a imitar, es que él inevitablemente debe moverse mientras lo habla.

Yoshito Ohno mostrando las manos separadas por papel de arroz
(Por Gustavo Thomas. Yokohama, Japón. 2011)

Sí, sus sesiones están llenas de pequeños y grandes secretos sobre el Butoh, sobre cómo lograr la fuerza interior de nuestro movimiento:

-atención a la espalda, como si ella hablara;

-un encuentro directo con todo el espacio, con sus esquinas, con el frente, con el atrás, con el arriba y el abajo;

-saber colocar la mirada al caminar; si se mira hacia abajo siempre se da la impresión de tristeza, es mejor mirar neutro hacia el frente, abierto.

Casa secreto se “mueve”, cada secreto se explora, se ejercita, sin mayores indicaciones, sin juicios.

Los ejemplos para develar cada uno de los secretos se dan, como siempre en su taller, con el recuerdo de pasajes de los dos grandes maestros del Butoh, Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata, pero también con dibujos simples: formas geométricas para descubrir los diferentes desplazamientos de nuestro cuerpo en el espacio, o los caracteres chinos (el japonés tiene su origen, y se mantiene su uso, en los caracteres chinos) sobre el cuerpo, sobre el hombre, sobre el día. El habla cuando los dibuja, nos muestra cada dibujo que hace, nos deja tocarlo y revisarlo.

La muestra de un ejemplo palapable al mencionar cada secreto funciona como un pivote de inspiración, como una guía más allá de las palabras o de la indicación formal; al final cada secreto llega a nosotros a través de una imagen interna que se ha creado a partir de escucharlo, de verlo moverse, de mirar una foto o tocar un objeto. Al final tocaremos y seremos esos dibujos, flores, seda, bambú y aire, entre varias más.

Círculo Zen en el estudio de Yoshito Ohno. (Por Gustavo Thomas. Yokohama, Japón, 2011)

Aquella pintura, tan simple, que se conoce como “el círculo zen” es una de las mayores inspiraciones para el descubrimiento del cuerpo en movimiento como un círculo, como la totalidad, como la filosofía en escena. Yoshito nos cuenta que su padre también era un filósofo y que filosofaba sobre la escena haciendo Butoh, y que una de las inspiraciones para filosofar en movimiento era aquella imagen del círculo dibujado por un monje zen, un círculo que claramente no se cierra pero que sabemos lo incluye todo. Kazuo Ohno no era budista pero era un hombre sensible, religioso, donde descubría inspiración se detenía y se movía.

Ese círculo se explora por todas partes, sea en el espacio, sea fuera y dentro del cuerpo, sea con nuestras manos. Las manos que emanan vida del círculo mismo, aquellas manos que él nos cuenta eran como cataratas de fuerza que surgían de Hijikata. La manos son detentoras del círculo que es una esfera, la luna. Yoshito nos pide mirar la luna, sentir la luna y verla como una manifestación de ese círculo zen, y de la esfera. Nuestras manos pueden tocar la luna, tomarla, partirla en dos, movernos con ella, con su fuerza, con su atracción, con su poesía.

Ejercicio de Butoh: las lunas en las manos. (Por Gustavo Thomas. Yokohama, Japón. 2011)

Varias sesiones con varias esferas; imágenes interiores que nos mueven, y que nos hacen filosofar sin pensar, moviéndonos... ¿Cómo es posible filosofar sin pensar? Nunca me lo pregunté durante el trabajo... Quizás ahí tambien había otro secreto.

Esos secretos y ese filosofar provocan un cambio en los demás, nos dice el maestro Yoshito Ohno. Durante años gente de todo el mundo llegó al taller de su padre, lo escuchaban hablar, lo veían moverse, se movían con él y entonces pasaba algo, cambiaban, su vida cambiaba. Kazuo Ohno tenía la fuerza de cambiar a los otros a través de sus propios secretos develados en cada sesión (secretos que nadie podía decifrar ni explicar), explorados a través del movimiento filosófico o poético o surreal del Butoh. Después de unas cuantas sesiones aquellos visitantes cambiaban los rumbos de su creatividad y en varios casos de sus vidas mismas.

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Migajas y una obra más... (Un libro con dos obras de teatro de Gustavo Thomas)

2011-06-20T12:12:00.002-04:00

Sí, había olvidado compartir como entrada a este Blog (curiosamente de mi teatro), la publicación que hice hace ya más de un año de dos piezas cortas. Las dos piezas, Migajas y Despertando, pertenecen a una época de estudio dentro de mi dramaturgia, donde abordo personajes ligados en estilo a la dramaturgia latinoamericana que podríamos considerar clásica (entre un realismo y un realismo "poético"). Ya dirán ustedes, pero yo considero que Migajas es un interesante, divertida y con lindas atmósferas, mientras que Despertando lo considero como un curioso ejercicio en su propuesta por cuadros con situaciones similares en personajes diferentes.

La venta es a través de la página (Blurb.com) y dependiendo de qué tipo de publicación deseen (cubierta suave o dura) y el lugar de envío será el costo del libro.

MIGAJAS y una obra más. by Gustavo Thomas | Make Your Own Book

Eleonora Duse mirando a la ventana de Ibsen...

2011-06-18T13:11:00.004-04:00

"La Duse watching Ibsen's window" (Por Gustavo Thomas, 2011)

Ella estaba ahí cuando él moría,

pero no pudo verle,

ni besarle,

ni darle las gracias.

Ella estaba ahí, solo esperando su aparición,

pero él nunca salió.

Ella estuvo ahí, mirando y esperando,

así lo oí...

Eleonora Duse visitaba Noruega por primera vez, con la esperanza de encontrar al dramaturgo que le había dado sus más grandes triunfos. A su arribo mandó una carta y flores a Ibsen pidiéndole una cita para agradecerle por todo ello. Suzannah (la esposa de Ibsen) telefoneó diciendo que él estaba muy enfermo y que no podía recibir a nadie. Lugné Poe, quien estaba con ella en esos momento, cuenta como La Duse se paró enfrente de la ventana del palacete de Ibsen, entre el frío y la nieve, al medio día, esperando a que el escritor se asomara como regularmente lo había hecho durante los últimos años, pero no lo hizo. Eleonora Duse nunca pudo encontrarse con Ibsen en persona. (1)

Mi pintura se basa en una fotografía original de la producción de la obra de Ibsen La dama del mar en la que Eleonora Duse era el personaje principal.

(1) La anécdota en inglés, en el original: "Duse was visiting Norway for the first time, largely in the hope of meeting the dramatist who had provided her with her greatest triumphs. On her arrival she sent a letter and flowers to Ibsen asking if she might call merely to say "¨Thank you". Suzannah, however, telephoned that Ibsen was too ill to receive anyone. Lugné-Poe, who was with Duse at the time, tell what followed

I remember very well that morning when she had just received this sad message. I went in to her and found her swathed in the long white paladrane which she loved to wear. She sat fearful, annihilated, hollow-cheeked, her face tired and lined as though life was abandoning her. She asked me: "What shall I do? Please, what shall I do?"... What could I do for her? I had hoped so much, for her sake... Next morning, around noon Duse and i found ourselves outside Henrik Ibsen's house. She had bought Norwegian boots, for she wished to go there on foot. We walked round the left of the palace, and at the stroke of twelve we stood beneath the corner window, where, every day at this time, people could see Dr. Ibsen in person, sometimes with a secretary or someone at his side. Duse stood there waiting, in the cold and snow. Who, even thirty years later, would not be shaken by the memory of having been present at that sad and silent meeting? Eleonora Duse on the pavement, looking for the old poet's silhouette behind the big window."

Ibsen's Biography. By Michael Meyer. (En inglés en el original)

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Dos funciones de Butoh de calle dentro del Festival de artistas callejeros de la avenida Noge, en Yokohama (2011)

2011-06-14T13:42:00.002-04:00

Después de haber compartido la experiencia de una función de teatro tradicional de marionetas en este mismo Noge Street Performance Festival (1) en Yokohama, ahora toca el turno de mostrar algunas fotos y videos de las funciones de dos grupos de danza Butoh de calle:

- ささらほうさら (sasarahousara), y

- 吉本大輔 (Yoshimoto Daisuke).

La experiencia de ver Butoh en esta clase de espacios vuelve esta danza más extraña de lo que es en sí (todos estamos de acuerdo que ver Butoh no es algo de lo más común en las artes escénicas): visualmente funciona muy bien pero pareciera que toda su característica fuerza interior desaparece; se convierte en un espectáculo vistoso y de alguna manera en algo cómico. Aún así pareciera que esa transformación no molesta a los artistas quienes están muy bien adaptados a esas condiciones del espacio y del público, e incluso, diría yo, los disfrutan envueltos de un ambiente un tanto festivo muy acorde con el evento en el que están.

Los dos grupos se presentaron en el mismo espacio de calle dentro del festival (Abril 24, 2011), uno después del otro y cada uno duró alrededor de una hora.

Disfruten.

Video:
ささらほうさら (sasarahousara). Danza Butoh. Noge Festival. Yokohama, 2011.

Diapositivas:
ささらほうさら (sasarahousara). Butoh Dance. Noge Festival. Yokohama (2011)

Video:
吉本大輔 (Yoshimoto Daisuke). Danza Butoh. Noge Festival. Yokohama, 2011

Diapositivas:
吉本大輔 (Yoshimoto Daisuke). Butoh Dance. Noge Festival. Yokohama (2011)

(1) Ver la entrada del 4/abril/2011: Una función de calle de teatro tradicional de marionetas japonés: Un escena de borracho y El león y las mariposas

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"La danza del padre" Tira cómica y video del Segundo movimiento: Le père au coeur

2011-06-06T19:34:00.000-04:00

Segundo movimiento: Le père au coeur

Dibujo base

Tira cómica

Video del segundo moviento uniendo todos los cartones con música de Subliminal (*)

(*) "Eve (single edit)"

by Subliminal
2009 - Licensed under
Creative Commons
Attribution Noncommercial Share-Alike (3.0)

Subliminal / CC BY-NC-SA 3.0

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"La danza del padre" Tira cómica y video del Primer movimiento: Le père qui danse

2011-05-25T17:24:00.001-04:00

Dentro del proceso de La danza del padre, los dibujos que narran la historia están adquiriendo movimiento, primero en forma de tira cómica y después en un video. Su drama se acentúa y forman ya parte de una posible historia teatral.

Estas son pruebas, no sé a dónde más llevará; dejo correr el impulso creativo y soy congruente con lo que se ha dado. Por otro lado, incursiono en un campo que me está apasionando...

Primer movimiento: Le père qui danse

Dibujo base

Tira cómica a partir del dibujo y el texto base

Video uniendo todos los cartones con música by Subliminal (*)

(*) "Trapped By Time" by Subliminal
http://ccmixter.org/files/subliminal/28890
is licensed under a Creative Commons license:
http://creativecommons.org/licenses/by-nc/3.0/

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